Einspielungen in Stereo von CDs, LPs oder Downloads gehört:

 

 

5*

Francois -Xavier Roth

Les Siècles (zu Deutsch: die Jahrhunderte oder auch die Epochen)

Harmonia Mundi

2013, Live

15:14  18:24  33:38

Die Produktion ist einzigartig und entpuppt sich, wie bereits der Musikwissenschafter, Komponist und Autor Michael Stegemann, in jedweder Hinsicht ein ausgewiesener Fachmann seines Metiers, nicht nur wenn es um den „Sacre“ geht, festgestellt hat, als ein echter „Ohrenöffner“. Es ist dies die einzige Einspielung, die auf Instrumenten aus der Zeit der Uraufführung gespielt wird und eine der beiden (mit der Zinman-Einspielung zusammen), die auf die Originalpartitur von 1913 zurückgreift. Das bedeutet, dass es ein paar Takte gibt, die später verschwunden sind, dass die kleineren Retuschen in Artikulation und Rhythmus und vor allem die rhythmischen Vereinfachungen, mit denen Strawinsky den Umgang mit dem Werk für sich und andere deutlich vereinfacht hat (1947) noch nicht zum Tragen kommen. Eigentlich halst sich Roth und das Orchester damit eine Menge Probleme ein, aber zu Ehren des 100jährigen Jubiläums der Uraufführung nimmt man sie auf sich. Dass es zu einem Konzert-Mitschnitt gekommen ist, zeugt von dem Mut, dem Zutrauen in die eigenen Fähigkeiten aber auch dem Können der Verantwortlichen. Man darf der Unternehmung in jeder Hinsicht einen überwältigenden Erfolg bestätigen.

Das Fagottsolo, hier auf einem französischen Fagott und dazu noch ohne die Oktavklappe gespielt, die die hohen Töne treffsicherer erreichen lässt, klingt ganz ausgezeichnet. Der Klang ist zudem voller und runder, die Intonation besser als bei den französischen Aufnahmen aus früherer Zeit (Monteux 1955 und 56, Ansermet 1957). Erstes Bravo. Der Gestus ist weniger stampfend, der Klang weniger massiv, heller und besonders durchsichtig, besonders auch im Tutti. Auch die helleren Farben dominieren plötzlich, die Anmutung wirkt leichter und luzider. Die Soli wirken sehr flexibel. Das Starre und Kalte ist fast gänzlich verschwunden, der Kult wirkt nun lebendiger, die agierenden Menschen (wenn es eine Ballettaufführung wäre) würden menschlicher wirken, weniger wie ferngesteuerte Puppen, die ein uraltes, nicht mehr reflektiertes Ritual ausführen. Das Tempo giusto wirkt nun enorm aufgeweckt, neckisch und fast aufreizend. Das Motorische wirkt zurückgedrängt zugunsten von impulsivem Tanz. Die Es-Klarinette scheint direkt vom „Till Eulenspiegel“ rübergekommen zu sein, vielmehr rüber geflitzt. Die Steigerungen wirken wieselflink. Das Trompetensolo ab 3 T. nach Zf. 37 fehlt noch. Das „Ritual der rivalisierenden Stämme“ wirkt viel spielerischer und sportlicher als kämpferisch, wie sonst gehört. Zweites, drittes und viertes Bravo. Das Musizieren wirkt dabei wenig kleinteilig, zumeist erreicht man große Spannungsbögen. Im „Cortège du Sage“, also wenn der Weise erstmalig auftritt, fehlt die Ratschgurke. Wir nehmen einmal an, dass man sie bei Roth auch hören würde, wenn sie bereits in der Partitur stünde. Der „Danse de la terre“ ist ein orchestrales Feuerwerk. Besonders reizvoll ist dabei, dass sich erste und zweite Violinen gegenübersitzen. Wie Beethoven im Presto seiner Sinfonie Nr. 7 A-Dur es einkomponiert, die Strawinsky natürlich kannte und wie Carlos Kleiber es in seiner tollen Aufnahme mit den Wienern hielt, so macht es auch Roth. Der Antagonismus wird dadurch viel plastischer, man schaukelt sich gegenseitig hoch, befeuert sich und gelangt zu einer herausragenden, berauschenden Wirkung. Klemperer, wenn es eine Sacre-Einspielung von ihm gäbe, hätte es auch so gemacht. Sonderbravo. Übrigens: Das Orchester hat höchstes Niveau, hat besonders reiche Klangfarben zu bieten und klingt besonders mitteltönig. Heute klingen die Orchester brillanter und wegen der größeren Bohrung beim Blech auch lauter. Angenehm, gerade bei diesem Stück: Der Orchesterklang wirkt weniger grell als gerade bei den amerikanischen Orchestern.

Die Introduktion zum 2. Teil ist erneut ein besonders erwärmendes, klangliches Vergnügen. Besonders durch die historischen Instrumente wirken die Klangfarben wunderbar abgetönt. Die Soli agieren, soweit es die vorgegebene Phrasierung hergibt, mit bildhafter Klanggebung. Nochmal zwei Bravos. Zf. 104: tolles Vivo. Zf. 128 alles andere nur kein ppp. Da stand es wohl noch anders in der Partitur. Noch ein paar weitere kurze Notizen: Ab Zf. 129 werden die Pizzicti recht breit gespielt. Ab Zf. 134: Was für ein herrliches  fff der Hörner. Nochmal ein Extra-Bravo. Zf. 138 geben sie wieder alles, aber ohne das restliche Blech wirkt es nicht mehr so ehrfurchtgebietend. Die Rhythmen in der 1913er Fassung sind vor allem im kontrastreich gestalteten „Danse sacrale“ nochmals komplexer, wirken nochmals zerrissener. Die Schläge der Gran Cassa, die sich bisher auch nobel zurückhalten konnte, wirken wie Schläge direkt in die Magengrube. Zudem hören wir auch verspottende, bissige Staccati. Beim letzten Akkord gesellt sich nun ein lautstarkes Tam-Tam hinzu, dass 1947, warum auch immer, gestrichen wurde. Allerdings: Fallbeilartiger wirkt der Schlussakkord tatsächlich ohne. Zuletzt also auch noch einer der allerbesten „Danse sacrale“. Ein letztes Bravo.

Noch nicht ganz, denn auch der Klang verdient sich höchstes Lob. Er ist wunderbar räumlich, offen, farbig und dynamisch. Das Orchester klingt weicher an gewöhnlich, was aber wahrscheinlich eher an den Instrumenten liegt. Das Bassfundament ist gut, es fehlt dem Gesamtklang weder an Volumen noch an Fluktuation und Rundung.

 

5*

Antal Dorati

Minneapolis Symphony Orchestra (heute: Minnesota Orchestra)

Mercury

1959

13:59  15:40  29:39

Nein, bei den Spielzeiten haben Sie sich nicht verlesen und wir uns nicht verrechnet. Dorati legt Tempi vor, als ob ihm der Leibhaftige auf den Fersen wäre. Das wirkt von Beginn an schon drängend und dann draufgängerisch, rigide, straff und so furios, wie es nur geht. Seit der Mono-Einspielung, gerade einmal sechs Jahre zuvor, müssen Dorati und sein Orchester, das er 1949 von Mitropoulos übernommen hatte und dem er viele Jahre als Chef vorstand (bis 1960), sich weiter intensiv mit dem Stück beschäftigt haben. Das Orchester, das noch nicht einmal im klassischen Sinn schön spielt, wirkt so, als müsse es gar nicht mehr in die Noten schauen, als hätte es das Stück vollkommen verinnerlicht. Allerdings werden einzelne Töne oder Phrasen nie einmal richtig ausgekostet, weshalb der eine oder andere einwenden könnte, das Spiel wäre flüchtig oder oberflächlich. Für uns stellte sich diese Frage wegen der unerbittlichen Dringlichkeit gar nicht erst. Kantabilität oder Klangfülle wurde vom Speiseplan gestrichen. Auf einen vollen oder gar satten Klang scheint man überhaupt keinen Wert gelegt zu haben, was ebenfalls den einen oder anderen Kritiker auf den Plan rufen könnte. Deshalb wirkt er aber nicht diätetisch. Das klangliche Gerippe nicht des Fleisches beraubt. Er ist allerdings völlig fettfrei, der Klang. Nicht umsonst wurde diese Einspielung bisher kaum als referenzträchtig gehandelt.  Das Orchester spielt aber so geläufig, dass sich Dorati diese feurigen Tempi erlauben kann. Ja das wirkt passagenweise gehetzt, genau so soll es ja auch hier wirken. Ganz selten kommen auch einmal die sf so prägnant, wie herausgepfeffert, zur Geltung, wie in dieser Darstellung. Wie bei einem echten Verbrechen, und nach heutiger Rechtsprechung läge sowas bei dem vorliegenden Tathergang unzweifelhaft vor. Entführung oder Verführung einer Minderjährigen mit anschließender Todesfolge oder gemeinschaftliche (nichtsexuelle) Vergewaltigung mit Todesfolge läge wohl vor und der Tathergang spielt sich bei Dorati mit höchster Spannung sehr schnell ab, es soll ja auch keine Zeugen geben. Dorati verzichtet auf den Symbolismus von Roerich und Strawinsky, d.h. neues Leben (Frühling) gibt es nicht ohne vorherigen Tod (Winter) und wird musik-realistisch, drastisch und expressionistisch. Impressionistische Überbleibsel, die es im Stück ja auch tatsächlich gibt, werden wie im Sturm weggeblasen. Um nur wieder den „Danse de la terre“ herauszugreifen: Das ist nunmehr eine atemlose Hatz von wildgewordenen Wahnsinnigen. Als ob da mächtig was aus dem Ruder läuft. Das Orchester wird vorbehaltlos zu ungestümer Virtuosität angetrieben, geht volles Risiko und lässt die Hörer/innen atemlos und mit erhöhtem Adrenalinspiegel zurück. Bei alledem spielt das Orchester über weite Strecken, man kann es kaum glauben, schlanke Kammermusik. Aber mit höchstem Druck.

Und wie geht es im zweiten Teil weiter?  Um es kurz zu machen: atemberaubend. Die Introduktion hat nichts Waberndes, schemenhaft urweltliches, ist vielmehr die reine Qual, als würde man vom gerade aufgetauten und aufgeweichten nassen Lehmboden verschluckt. Dorati sucht nicht wie viele andere, Karajan wäre da zuerst zu nennen, das letzte Zipfelchen  Kantabilität oder jedes Legato, sondern setzt sich immer mit dem rhythmischen Akzent auseinander, die rhythmische Schärfe, dabei bildhaft, expressiv und jede Wärme im Klang meidend. Höchstens der Flöte rutscht einmal ein kleines Vibrato durch. Niemals kommt auch nur ein Anflug von Glätte durch, immer geht es hitzig oder elementar vorantreibend weiter. Die eruptiven Steigerungen wirken so, als ob es den Musikern untersagt worden wäre, auf ihre Instrumente Rücksicht zu nehmen. Sollen sie doch kaputt gehen. Hauptsache ist der ultimative Einsatz. Aber kein Licht ohne Schatten. Die „Zwölftolen“ der Trompete, 1953 noch mustergültig hörbar, sind nun verschwunden (1 Takt nach Zf. 134). Nur zur Klarstellung was in diesem Takt alles passiert füllt alleine eine ganze Seite der Partitur. Kein Wunder, wenn da was durchflutscht. Nirgendwo beherzigen die Hörner die Anweisung „Pavillions en l´air“ was nicht bedeutet, man soll Pavillons in die Luft werfen, sondern vielmehr sollen die Trichter hoch und damit nach vorne gehalten werden, damit der indirekte Klang (nur von der Rückwand reflektiert) zu einem direkten und damit lauteren Klang wird. So wie bei Dorati muss es klingen! Der „Danse sacrale“ quietscht und ächzt, die Marcati des Blechs knallen nur so heraus, die rhythmischen Zuckungen wirken konvulsivisch.

In dieser Einspielung stellen sich tiefere Fragen nach Differenzierung oder Nuancierung erst gar nicht. Hier trifft expressiver Gestaltungswille auf magyarisches Temperament und ein bedingungslos opferbereites Orchester. Der letzte Tanz wirkt sogar noch extatischer als in Bernsteins legendärer Aufnahme von 1958. Ultimativ frenetisch. Boulez wirkt dagegen wie eine lahme Ente. Dorati selbst in seiner letzten Aufnahme von 1981 jedoch auch. Da fällt man fast schon vom Zuhören tot um. Da wie bereits gesagt: atemberaubend. Ein Hör-Abenteuer, auf das man sich allerdings einlassen muss. Sicherlich nicht unumstritten, aber einzigartig, weitab vom Mainstream.

Dieser Meilenstein in der Diskographie des „Sacre“ wäre ohne eine superbe Aufnahmetechnik nicht möglich. Die Technik hat seit 1953 nochmals einen immensen Sprung nach vorne gemacht, Nur das (geringe) Rauschen ist noch da. Der Klang ist nun naturgemäß (Stereo) viel besser aufgefächert, ultimativ präsent und enorm transparent. Das Holz spielt fast schon direkt vor dem Gesicht der Hörer. Es klingt auch enorm plastisch. Die Tiefenstafflung ist entsprechend gering. Auch die anspringende Dynamik und die Ausgewogenheit aller Instrumente wurde gegenüber 1953 stark verbessert. Für uns ist dies eine Jahrhundertaufnahme.

 

5*

Igor Markevitch

Philharmonia Orchestra London

EMI, Classical Moments

1959

15:39  16:11  31:50

CD und Download Von allen Markevitch-Einspielungen ist dies die beste. Weitaus bester Klang, bestes Orchester, spannend wie live ohne die Risiken von live. Die seltsame Intonation des Fagotts zu Beginn muss man überstehen, dann wirkt das Orchester so souverän, als hätte es nie etwas anderes gespielt. Das mag auch an Markevitchs Dirigat liegen, das ja auch in Prag schon herausragenden Eindruck gemacht hat. Das Orchester spielt mit mehr Fleisch auf den Rippen als die Kollegen in Minnesota im gleichen Jahr. Aber das könnte auch an der Technik (z.B. an den Mikrophonen) liegen. Spätestens im Jahr 1959 beginnt für den „Sacre“ die Neuzeit. Er scheint, zumindest wenn ein kompetenter Dirigent mit einem echten Konzept anwesend ist, seine Schrecken verloren zu haben. Der Erfolg musste noch hart erarbeitet werden, weshalb es in jenen Jahren noch nicht glatt klingt, denn es klingt noch irgendwie unerhört, urgewaltig und urig. Besonders bei den Pionieren. Das lässt später spürbar nach. Die Hörner haben Saft und Kraft, genau wie die Pauken, die aber zugleich noch gut in den Orchesterapparat integriert sind. Unser Vergleichsobjekt Nr. 1, der „Danse de la terre“ klingt wie von Besessenen gespielt, als ob sie tatsächlich Urgewalten entfesselten. Nirgends sprühen die Funken so hoch wie in der 59er Markevitchs und der Hörer oder die Hörerin wird geradewegs in den Sessel gedrückt.

Der schlanke und helle Klang des PO bringt Licht ins nächtliche Dunkel der Introduktion zum zweiten Teil. Jetzt kann die Technik auch ins pp hinabsteigen, ohne den Klang ans Rauschen des Tonbandes oder der Plattenrille zu verlieren. Insgesamt wirken die Lautstärke -Relationen nun sehr stimmig (gegenüber 1951). Kaum eine Einspielung erreicht diese Spannung in den ruhigen Partien und die schonungslos wilde Kraftentfaltung, die fast schon an Gewalttätigkeit grenzt. Und ganz wichtig: Die Hörner sind hervorragend präsent und spielen einfach toll. Ingesamt eine Einspielung mit unerhörter dramatischer Wucht, die auch durch den atmosphärischen Klang fesselt. Als ob da ein Magier vor dem Orchester stand.

Zum Klang: Er ist erheblich offener, besser differenziert und dynamischer als alle Monos Markevitchs. Außerdem auch viel körperhafter und ausgewogener. Die Staffelung ist gut, man kann sogar schon eine recht gute Tiefenstaffelung erkennen. Die Gran Cassa hat Körper und Wucht. Der Klang wirkt für das Aufnahmedatum schon recht saftig und ausladend. Gerade bei der Dynamik ist die Entwicklung jedoch noch deutlich weiter gegangen. Sie wurde noch wuchtiger und explosiver. Besonders soll hier noch auf den Download hingewiesen werden. Man bekommt für ein paar Euro beide Aufnahmen (51 und 59) in CD-Qualität geliefert und die Qualitätsunterschiede zur CD sind marginal. Die CD wird zudem schwerer zu bekommen sein.

 

5

Pierre Boulez

Cleveland Orchestra

CBS – Sony

1969

16.38  17.56  34.24

Von Pierre Boulez gibt es drei Einspielungen. Die erste aus Paris mit dem Orchestre National de L´RTF, 1963 macht einen angenehm rauen, aber unfertigen Eindruck und 1991 die dritte, erneut mit dem Cleveland Orchester eingespielt, die eine klanglich hervorragende aber rhythmisch weichere Lesart kultiviert.

1969 war das Orchester fabelhaft ausgewogen und kultiviert. Es stellt das Pariser, dem im direkten Vergleich ein paar Proben mehr nicht geschadet hätten, in allen Belangen deutlich in den Schatten. Gerade der offerierte Nuancenreichtum und die Spielfähigkeit allgemein sind besonders zu nennen. Dazu muss man auch wissen, dass Boulez bei der Pariser Einspielung noch wenig Erfahrung mit dem Dirigieren überhaupt hatte und der „Sacre“ zum ersten Mal gegeben wurde. Die Detailgenauigkeit ist 1969 vorbildlich, die rhythmische Wucht steht ihr in diesem Jahr nicht nach. Boulez bietet mit den Cleveländern eine besondere Vereinigung von avangardistischer Komplexität und emotionalen Schock, das wirkt noch wenig gesoftet. Die metrischen Verschiebungen sind selten so präzise zu hören wie hier. Aber auch das schockierende Moment der Uraufführungszeit ist noch spürbar. Das lässt 1991 deutlich nach. Die mittlerweile hinzugewonnene Souveränität lässt aber bereits erblicken, dass man im „Sacre“ schon bald einen Klassiker sehen wird. Was komplexe Rhythmen anlangt ist Boulez als Dirigent eine allseits anerkannte Koryphäe. Der Danse de la terre“, vom Tempo her zwar ziemlich langsam, wird aber ganz hervorragend gesteigert und endet explosiv, auch dank Gran Cassa und Tam-Tam.

Boulez 63er Einspielung war ja Gegenstand einer ziemlich niederschmetternden Kritik durch Strawinsky, die aber auch andere traf (Karajan, 1963 und Robert Craft, 1962). Boulez änderte – vielleicht daraufhin seine Tempi, die nun, zumindest in der zweiten Introduktion deutlich langsamer und damit geheimnisvoller sind. Auffallen ist auch, dass nun auch die Kantabilität zu ihrem „Recht“ kommt. Das Orchester entfaltet sogar beim gefürchteten „Danse sacrale“ unglaubliche Valeurs, wirkt niemals gestresst, sondern locker, aber trotzdem brutal im Zugriff. Diese Einspielung ist die beste Wahl, wenn es um Boulez als Dirigenten geht. Viel präziser und mit mehr klangkräftiger Bravour als 1963 und emphatischer musiziert als das digitale Remake in Cleveland 1991.

Klanglich ist sie auch viel besser als die 63er Concert Hall und sie kann mit der 91er mindestens mithalten. Uns gefällt sie sogar noch besser. Sie ist räumlich, körperhaft, sehr gut gestaffelt und brillant. Die Transparenz ist fabelhaft, die Dynamik saftig. Sie verbindet Opulenz und Transparenz genauso auf ganz hervorragende Weise wie Tiefenstaffelung und Präsenz. Die 91er bringt eigentlich nur eine bessere Gran Cassa mit.

▼Eine weitere Einspielungen von Pierre Boulez weiter unten.

 

5

Michael Tilson Thomas

Boston Symphony Orchestra

DG

1972

16:07  17:43  33:56

CD und LP  Diese Einspielung wurde bereits bei den SACDs gebührend gewürdigt, nämlich als eine Sternstunde in der Diskographie des „Sacre“. Sie lag uns auch als Japan-CD und Resonance-LP vor, weshalb wir noch kurz auf die Unterschiede der Tonträger eingehen wollen. Auch auf CD und LP wirkt sie sagenhaft ausdruckskräftig. Das Orchester spielt natürlich genauso toll aber etwas weniger füllig und weniger körperhaft als von der SACD, deren Transparenz noch tiefer in den Raum reicht. Der Raum, das ist ja eine der Domänen des Mehrkanalklangs, wirkt auch einfach größer. Die begeisternde Vielschichtigkeit in Harmonik und Instrumentation kommt auch auf CD und LP voll zum Ausdruck. Vorteil CD und LP: Der Raum wirkt nun nicht mehr im Ansatz hallig, wie wir es noch von der SACD hören konnten. Das knackige Blech und der grollende Bass, die Dynamik und Farbigkeit bleiben voll erhalten. Im Vergleich CD und LP fiel die LP nur durch den etwas unruhigen Lauf und ein paar Knackgeräusche unangenehm auf.

 

5

Leonard Bernstein

New York Philharmonic Orchestra

CBS-Sony

1958

15:30  18:38  34:07

Von Leonard Bernstein liegen uns drei Einspielungen vor. Dies ist die erste, aufgenommen in einem New Yorker Hotel. Bei vielen Gelegenheiten kann man hören oder lesen, die mittlere von 1972 mit dem London Symphony Orchestra ebenfalls, wie bei MTT, quadrophon eingespielt, wäre seine beste, ein Jahr nach Strawinskys Tod anlässlich eines Gedächtniskonzert im Studio 1 der EMI in der Abbey Road aufgenommen. Dem können wir uns nach Kenntnis aller drei Aufnahmen nicht anschließen. Die dritte im Bund ist eine Aufnahme mit dem Israel Philharmonic, 1982 nun digital und für sein neues Label, die DG eingespielt,

1958 hatte Bernstein die New Yorker gerade von Mitropoulos übernommen und sie spielen in Top-Form. Diese Einspielung ist von Anfang an bis zum Ende sehr spannend.  Der Orchester wird hervorragend durchleuchtet. Auffallend sind die ausdrucksvollen Trompeten-Akkorde (u.a. 1 T. vor Zf. 18). Auch bei orchestralen Massierungen bleibt das Orchester klar und gut durchhörbar, vertikal und auch horizontal. Ab Presto (Zf. 37) kommt Bernstein richtig in Fahrt. Da ist viel Verve drin. Mit den hervorragenden Hörners geht das Prestissimo des „Danse de la terre“ enorm vorantreibend und ekstatisch über die Bühne.

Die Introduktion zum zweiten Teil evoziert schon das kommende Unheil, wirkt besonders prickelnd. Die beiden disparaten Trompetenstimmen (Zf. 84) kommen besser heraus als üblich. Bernstein gewinnt daraus ebenfalls viel Spannung. Die Streicher wirken sehr plastisch. Bei Zf. 90 freuen wir uns, dass die Balance zwischen Bassklarinette (p) und Hörner (pp) endlich einmal passt. Sonst übertönen die Hörner oder sind zumindest lauter als die Bassklarinette. Mitreißendes „Vivo“ bei Zf. 104.  Schlagzeug und Blech begeistern, während das Englischhorn schon etwas schmächtig klingt (Zf. 129 ff). Im „Danse sacrale“ erhalten die Hörner gegenüber Trompeten und Posaunen völlige Äquilibristik. Das spricht für die hervorragende Innenbalance der New Yorker und Bernteins Augenmaß (bzw. Ohrenmaß). Besonderes Lob wird der Piccolo-Trompeten zuteil. Die sf und die Marcati begeistern. Angeblich soll der Einspielung die Originalpartitur zugrunde liegen. Wir haben da unsere Zweifel., da wir ja mittlerweile Vergleichseinspielungen zurate ziehen können.  Mit der Fassung aus 1913 von Roth und Zinman ist die Bernsteins nicht identisch. Aber am Ende gibt es eine Besonderheit, die uns auch bei Roth auffiel: Beim letzten Akkord spielt zumindest das Zymbel mit oder ein seltsam klingendes Tam-Tam (oder beides?), das in der 1949er Fassung zu schweigen hätte. Ach ja, das Guero bereichert den Akkord auch noch.

Das leichte Rauschen kennzeichnet auch diese frühe Stereo-Aufnahme. Sie ist sehr transparent, verfügt über eine ausgezeichnete Staffelung (besser als bei Markevitch). Das Schlagwerk wirkt wuchtig, auch die Pauke klingt erfreulicher Weise sehr griffig, die Violinen scheinen eine Spur zurückgesetzt. Das Blech wirkt präsent und knackig. Der Gesamtklang wirkt unmittelbar und lebendig. Wir hörten das neueste Remastering aus der Leonard-Bernstein-Edition. Vergleiche mit älteren aus den Achtzigern haben wir uns dieses Mal lieber erspart (siehe Vergleich „Daphnis et Cloé, Suite Nr. 2).

▼Weitere Einspielungen von Leonard Bernstein weiter unten.

 

5

Riccardo Chailly

Cleveland Orchestra

Decca

1985

15:43  16:46  32:29

CD und LP  Auch von Riccardo Chailly sind drei Einspielungen bekannt. 1981 brachte der SFB eine LP mit dem Werk heraus, um den Dirigenten als neuern Chefdirigenten des RSO Berlin zu begrüßen, eine Position, die er von 1982-1989 begleitete bis er nach Amsterdam wechselte. Decca entschied sich jedoch für Ihre Produktion doch lieber auf das Cleveland Orchestra zurückzugreifen. Sicher war auch dort das damals maßstabsetzende Spiel des Orchesters insbesondere von der Boulez-Produktion der CBS (1969) wohlbekannt, die damals vielen als die Referenz galt. Die Wahl des Orchesters erweist sich auch heute noch als eine ausgezeichnete, denn das schlanke, wieselflinke Spiel voller Akkutatesse aller Akteure begleitet uns vom ersten bis zum letzten Ton. Die Artikulation ist noch haarfeiner als beim RSO Berlin, das Zusammenspiel von einer kaum für möglich gehaltenen Präzision geprägt. Das Differenzierungsvermögen ist erstaunlich. Der härtere Klang von Englischhorn und Oboe wirkt gegenüber dem warm timbrierten RSO transparenzsteigernd, unmittelbarer und kontrastreicher. Chailly hat den Ablauf bestens im Griff. Sein Dirigat erfolgt aus dem Geist des Balletts heraus. Die Schwierigkeiten sind wie weggeblasen. Von allen Hemmungen befreit ergibt sich ein enorm leichtfüßiges Spiel, das über weite Strecken das Spiel sogar bei Boulez noch übertrifft, wenn man das rein Virtuose betrachtet. Es wirkt wie befreit. So spielt man beim „Danse de la terre“ ein absolut virtuoses Prestissimo, ultimativ bis zur Extase gesteigert. Von den harmonischen Reibungen spürt man indes viel weniger. Aber glatt wirkt das Spiel auch nicht. Das Blech wirkt strahlend, das Schlagwerk mächtig. Das eruptiv-brillante Spiel begeistert, man einem Kritiker könnte es schon zu leicht und locker wirken. Uns erschien die Subsatnz dahinter jedoch gewichtiger als in  der Maazel-Einspielung fünf Jahre zuvor. Der „Danse sacrale“ wirkt mit dem sehr kurzen und flinken Staccato besonders ausdrucksvoll. Das extatische sich zu Tode tanzen beeindruckt mit Wucht und Schneid. Gegenüber Maazels Produktion für Telarc werden hier die neuen Möglichkeiten der Digital-Technik nicht vordergründig präsentiert sondern bleiben als Mittel zum Zweck im Hintergrund.

Der leicht dumpfe Klang der Berliner Aufnahme nur vier Jahre zuvor ist nun deutlich brillanter. Auch die Dynamik wirkt unkomprimierter als 1981.

Die Aufnahme aus Cleveland lag uns als CD und LP vor. Der Gesamtklang ist von der LP weicher und runder, von der CD etwas dynamischer, das Blech etwas knackiger und das Schlagwerk eruptiver, besonders die Gran Cassa. Beiden gemeinsam ist die enorme Klarheit und die hohe Brillanz. Die frühdigitale Kühle hält sich bei Decca meist im Rahmen, dort hatte man das Problem zumeist schon recht früh im Griff.

▼Weitere Einspielungen von Riccardo Chailly weiter unten.

 

5

Sir Simon Rattle

Berliner Philharmoniker

EMI

2012, Live

15:30  18:14  33:44

In Sir Simons bisher, wahrscheinlich wegen des kommenden 100jährigrn Jubiläums der Uraufführung als vierte von fünf Einspielungen gemacht, erscheint gegenüber den drei vorangegangen der Zugang zum Werk nochmal verfeinert, geschärft und auch etwas vertieft. Sie ist derzeit nicht die letzte, denn auf LSO Live erschien 2017 das Werk auch noch einmal. Sir Simon scheint das Werk sehr zu schätzen.

Das Fagott legt zu Beginn schon fast eine ausdrucksvolle Arie hin, im vollen sonoren Ton, und wie das heute üblich ist, völlig intonationssicher. Dynamisch und artikulatorisch wirkt das Spiel nun nochmals detailgenauer und feiner abgestimmt. Die Stimmen werden auch in ihrem Zusammenhang hervorragend gewichtet. Der Gestus wirkt sehr engagiert. Es wird eine große Spielfreude vermittelt. Belanglos oder glatt wirkt das Spiel der Philharmoniker nie. Vielmehr geprägt von einer souveränen Autorität. Der extrem wuchtige und tief grollende „Danse de la terre“ wird hervorragend gesteigert, als solle sich der Lehm selbst in seiner braunen Eminenz machtvoll erheben, damit er für das ausstehende Opfer empfänglich wird.

Die Introduktion zum zweiten Teil zeigt schillernde Klangfarben, Soli nahe der Vollkommenheit und meisterhafte Übergänge. Das Orchester spielt ebenso fein ziseliert wie urgewaltig und bringt alles noch ein wenig besser auf den Punkt als 2003. Der „Danse sacrale“ profitiert vom augezeichnet exponierten Blech, dem exaltierten Schlagwerk und einem mitreißenden Steigerungsverlauf. Eine wundervolle Einspielung, die bei aller orchestralen Klangschönheit und in feinstem, warmgetönten Klanggewand aber nicht glatt oder unverbindlich wirkt. Und das auch noch Live. Wer auf vorfrühlingshafte Kälte verzichten kann ist mit dieser Einspielung bestens bedient.

Der Klang ist noch etwas plastischer, voller und runder als der der SACD 2003 im Stereo-Modus. Insgesamt können wir uns an einem erwärmenden Klang erfreuen, im Ganzen erheblich schlanken als in den Karajan-Aufnahmen. Die Instrumente und Instrumentengruppen bleiben auch im Tutti noch sehr präsent. Die gute Bassgrundierung vervollständigt das Klangspektrum zum Luxusklang. Der Klang wirkt sehr dynamisch und wuchtiger als in Rattles Aufnahme aus Birmingham. Trotz der wuchtigen Gran Cassa (wuchtiger als beim CBSO) bleibt der Klang ausgewogen.

▼Weitere Einspielungen von Sir Simon Rattle weiter unten in der Liste.

 

5

Stanislav Skrowaczewski

Minnesota Orchestra

Vox

1977

15:08  17:32  32:40

Auch diese Einspielung wurde einmal als Quadro-Aufnahme angeboten. Als LP war sie durch eine sehr schlechte Pressqulität nicht konkurrenzfähig und man war anscheinend nicht in der Lage ihre Qualitäten zu erkennen. Uns lag sie, völlig unscheinbar, als Teil einer vielsagenden Reihe „grosse Komponisten“ vor und um die Mitwirkenden zu verifizieren brauchte man fast eine Lupe.

Wie bei so vielen Analog-Aufnahmen beginnt die Introduktion ziemlich laut, sodass man ein starkes Nutzsignal hatte, um dem Knacken aus den vier Kanälen wirkungsvoll zu begegnen. Die Stereo-Fassung der CD behielt die Abmischung diesbezüglich bei. Das Spiel des Orchesters wirkt jedoch plastischer als in der Aufnahme mit Eiji Oue 20 Jahre später auf Reference Recordings. Auch der Ausdruck der individuellen Soli wirkt vertieft. Auch im Gestus steht Skrowa, wie der polnische Dirigent von seinen Fans wahrscheinlich vor allem wegen seines schwierigen Namens von seinen Fans genannt wird, dem feurigen Dorati naher als Oue. Er wirkt auffallend organisch, nicht so extrem wie bei Dorati und absolut nicht so trocken wie bei Oue.Schon der Tanz der Jungfrauen überzeugt mit einer teils beschwingten Gangart, teils mit dringlichem Impetus. Bei Zf. 48 gelingt das Sostenuto e pesante mit mehr nachhaltigem Gewicht als bei Oue. Die Solisten bringen ihre meist einfachen Soli mit den bewusst kurzen Primitiv-Melodien  schön frei und gesanglich. Überhaupt wirkt das Orchesterspiel geschmeidiger als bei Dorati und Oue, die Anweisungen werden apart oder abrupt umgesetzt, je nachdem was die Partitur verlangt. Die Strahlkraft des Blechs (auch der Hörner) ist immer noch ausgezeichnet, wenngleich sie bei Skrowa nicht so sehr wie bei Dorati genötigt werden, auch noch „ihr letztes Hemd“ an Ausdruck und Kraft zu geben. Die Tempi sind stabil und ausgesprochen kontrastreich. Molto Allegro oder Vivo kommen werden deutlich und mitreißend herausgearbeitet. Der „Danse de la terre“ erreicht fast den Meilenstein Markevitchs.

Die Introduktion zum zweiten Teil wirkt bildhafter und bewegter als bei den allermeisten Einspielungen. Boulez ähnlich geht Skrowa genau und nachdrücklich auf die Harmonien ein, lässt sie tüchtig reiben, hebt aber auch durch den vollen und weichen Analog-Klang die harte, kalte und abweisende Wirkung zum Teil wieder auf. Ohne schwelgerisch zu werden klingt das Orchester bei Skrowa einfach toll, besonders spannend und lebendig. Auch detailreich, ausdrucksfreudig, wie beseelt, was der Komosition nach so vielen trockenen Einspielungen eifach sehr gut bekommt. Dies Einspielung wirkt musikantischer als die allermeisten. Bei Zf. 138 kommen die Hörner plastisch und mit viel Nachdruck durch und setzen sich, wie es das ffdf gebietet über den Rest des Orchesters. Auch der „Danse sacrale“, der komplexeste Teil des Werkes wird flüssig, vorantreibend, ja konvulsivisch und absolut mitreißend gespielt. Dies ist ein hervorragender Beitrag von echten Könnern. Ein längst vergessenes Juwel der Diskographie.

Die chronologisch dritte (uns bekannte) Einspielung klingt mit ihrem leichten Rauschen sehr präsent, weich, gerundet und klar. Die Farbgebung brigt die warmen Farben besser zur Geltung als bei Dorati und Oue, dessen Einspielung aus dem Jahr 1996 datiert.  Mit  ihrem platischen, besonders körperhaften und unmittelbaren Klang spricht sie uns aus dem Herzen. Auch die Violinen profitieren ungemein. Die Gran Cassa steht allerdings weit hinter der elementaren Wucht bei Oue zurück. Sie donnert aber immer noch mehr als ausreichend.

 

5

Igor Strawinsky

Columbia Symphony Orchestra

CBS-Sony

1960

14:41  16:45  31:26

Auch von Strawinsky selbst existieren einige Einspielungen, angefangen 1929 mit seiner ersten Pariser Aufnahme, die er sofort in Angriff nahm als er hörte, dass Monteux die erste Aufnahme überhaupt in Angriff nahm. Damals konnte noch nicht geschnitten werden, sodass es nicht verwundern kann, dass er in den Vierzigern das Werk, nun erstmalig mit der Möglichkeit zum Schnitt erneut aufnahm. Sein letztes Wort in Sachen „Sacre“- Aufnahmen ist die hier vorliegende Einspielung, die er im Alter von 78 Jahren in New York vornahm. Wie immer ging es Strawinsky darum, anderen Dirigenten und natürlich seinen Hörern zu zeigen, wie er das Werk gespielt haben möchte. Ziel war es also immer, die Referenzaufnahme zu erstellen. Inwieweit sein Adlatus Robert Craft ihm die Probenarbeit dabei abnahm entzieht sich unserer Kenntnis. Es ist eine insgesamt zügige Wiedergabe geworden mit einem hart und trocken wirkenden Holz und sehr gut akzentuiertem Blech. Da es anzunehmen ist, dass ihm die Crème der New Yorker Orchestermusiker zur Verfügung stand, darf man annehmen, dass es ihm nicht darum ging, die letzten „Schönheiten“ aus jedem Solo herauszukitzeln, sondern, dass ihm das „schön“ Unkultivierte eigentlich gefiel. Die Steigerungen sind ausgezeichnet getimt. Auf die den Cantabilität der einzelnen Partien (z.B.  Zf. 48) geht er nur lapidar ein. Daraus wird nicht viel „gemacht“, vielmehr lässt er die Komposition aus sicher heraus sprechen. Und nur diese. Ob da nun viel Fleiceh am kompositorischen Gerippe ist, interessiert nicht besonders. Ob das Ergebnis ein anderes geworden wäre, wenn er heute die Berliner oder Amsterdamer geleitet hätte, werden wir leider nie erfahren. Hier noch ein paar, wir hoffen, sachdienliche Notizen:  Die Diktion wirkt extrem kontrastreich, die Es-Klarinette klingt ausgemergelt (Zf. 56), die Phrasierung wirkt sinnfällig und wie selbstverständlich. Wer wollte dabei auch den Komponisten hinterfragen? Die Bedeutung der Gran Cassa wird vollumfänglich realisiert. Das Orchester insgesamt erscheint im Einzelnen fein auseinander abgestimmt, was bei einem Adhoc-Orchester eine prima Leistung bedeutet. Im „Danse de la terre“ wirkt das Schlagwerk recht zurückhaltend, das Blech bevorzugt, das Tempo eher zurückhaltend, der Rhythmus dafür herausgestellt und sehr präzise. Wir glauben nicht, dass, wie in unserem Werkhintergrund angedeutet Strawinsky in Sachen Rhythmus nicht bis drei zählen konnte, wie es kolportiert wird. Vielmehr sollte man sich fragen, welcher Dirigent sich mit 78 überhaupt noch an den „Sacre“ herantraut, um die Leistung hier einigermaßen zu beurteilen.

Die Introduktion zum zweiten Teil ist spannend gelungen, auch nicht so laut wie bei Craft, bei hervorragender Präsenz. Strawinsky ist hier einer der detailreichsten Dirigenten überhaupt. Bei Zf. 90 kommt das Vorrecht der Bassklarinette (p) gegenüber den Hörnern (pp) besser gehört zu werden voll zum Zuge. Strawinsky geht in dieser Einspielung sehr gewissenhaft mit seiner Partitur um. Die Hörner hat er immer besonders im Focus, jedenfalls klingen sie direkter als üblich, ein Zeichen, dass sie im wichtig sind. Das konnten nicht viele Dirigenten realisieren (was aber auch von der Technik abhängt, aber die könnte man ja auch dazu anhalten). Besonders fällt auch die Akribie im Dynamischen aus. Ff oder fff werden ganz deutlich unterschieden. Bei Zf. 129 beginnen viel zu schleppen, bei Strawinsky klingt es beschwingt. Auch im gefürchteten „Danse sacrale“ hörten wie keinerlei Probleme mit dem Rhythmus, andere mühen sich da viel mehr ab. Strawinsky erzeugt ordentlich Druck. Hervorragende Steigerungsverläufe. Die Hörnerglissandi (Zf. 177) sind viel deutlicher als sonst. Die Gran Cassa kommt nun etwas schwach durch, die Pauke, die sonst eher benachteiligt wird hingegen sehr gut. Das Tam-Tam ist auch beim Komponisten nur schwach zu hören. Insgesamt wird ein extatischer Taumel erreicht. Wir können nur schreiben: Selbstgesetzte Aufgabe erfüllt, „Referenzklasse“ erreicht. Dass Strawinsky ein „schlechter Dirigent“ (Ansermet) wäre, wird wie schon bei der „Sinfonie in drei Sätzen“ erneut eindrucksvoll widerlegt.

Die Aufnahme wirkt trocken, da man auf Raumklang nahezu gänzlich verzichtet. Die Transparenz wird dadurch nochmals gefördert, worauf es Strawinsky offensichtlich besonders ankam. Dennoch hören wie eine gute Tiefenstaffelung. Die Gran Cassa wir nicht vernachlässigt, die Hörner sind wunderbar präsent. Das Schlagwerk tönt zumeist saftig und knackig. Gut war auch die Entscheidung, die Hörner (links) und die Trompeten und Posaunen (rechts) räumlich zu trennen. Man erreichte eine ausgezeichnete Äquilibristik. Der Gesamtklang wirkt alles andere als impressionistisch, aber auch nicht besonders karg oder nüchtern. Andere bieten allerdings einen sinnlicheren Klang.

 

5

Mariss Jansons

Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, München

BR Klassik

2009, Live

16:29  17:57  34:26

Diese CD war als 2010 Geschenk für die Abonnenten gedacht. 2017 kam eine offizielle CD, nun ergänzt mit der Feuervogel-Suite auf den Markt. Es ist anzunehmen, aber von uns nicht verifiziert, dass auf dieser CD dieselbe Aufnahme Verwendung fand. Gegenüber der früheren Aufnahme aus Oslo erreicht das Orchesterspiel nun ein höheres Niveau und die Aufnahmetechnik hat sich ebenfalls verbessert. Aber (kaum) ein Gewinn ohne Verlust: Die frischen Tempi und der jugendliche Überschwang aus Oslo sind ein wenig verloren gegangen. Die Aufnahme wurde im Münchner Gasteig an einem Abend gemacht. Das legt die Vermutung nahe, dass nicht geschnitten wurde. Umso ehrfürchtiger sollte man die gebotene höchste Perfektion des Orchesterspiels bewundern. Gegenüber Oslo beginnt das Fagott mit betörendem Klang und spielt mit etwas mehr Rubato. Das ist übrigens die einzige Stelle, an der Strawinsky ein Tempo rubato vorschreibt. Die Akustik des Gasteigs hat auf die bestechende Transparenz der Orchesterstrukturen keinen negativen Einfluß. Das Schlagwerk wird nicht mehr so beiläufig verwendet wie in Oslo. Die Hörner sind nun viel präsenter, ein Zeichen mehr, wie gut die Techniker des BR die Akustik mittlerweile im Griff haben. Wenn man sich die Live-Aufnahmen von Karajan (BBC) oder Solti vergegenwärtigt ist der Unterschied gewaltig. Das Molto allegro ab Zf. 57 wirkt nun nicht mehr so ungestüm wie noch in Oslo. Der musikalische Gestus entspricht eher den der Amsterdamer Einspielung ein paar Jahr zuvor. On da einem Sicherheitsaspekt genüge getan wird? Jedenfalls wirkt dieser Abschnitt nicht mehr so mitreißend.  Der „Danse de la terre“ begeistert noch immer aber nicht mehr mit dem ungestümen Anrennen, sondern mehr mit Klarheit und Brillanz.

Auch die Introduktion zum 2. Teil ist nicht mehr so zügig, entfaltet aber mehr Klangzauber. Die „Cercles mysterieux“ erfreuen hingegen wieder mit ihrem flüssigen, tänzerischen Gestus. Einzelheiten werden besser ausformuliert (z.B. die Pauken-Triolen ab Zf. 121) und in den Gesamtzusammenhang eingebunden. Wie in Oslo hört man die „Zwölftolen“ der Trompete sehr gut heraus (Zf. 134). Im „Danse sacrale“ herrscht nun ein etwas ruhigerer Grundpuls, die Details werden minutiös beachtet (z.B. das Accelerando und crescendo T3. Nach Zf. 166). Hier herrschen eine gespenstische unnachgiebig wirkende Perfektion und Ausweglosigkeit. Überschwänglicher Jubel in München nach dem letzten Akkord.

Der Klang ist ebenfalls sehr transparent aber erheb,ich sonorer, etwas voller und etwas weicher als in Oslo. Das Schlagwerk nun präsenter und dynamischer. Der Streicherklang seidenweich. Das BR-Team hat eine bestechende Ausgewogenheit und Klarheit des ehemals so gefürchteten Aufnahmeraumes erzielt. Auch gegenüber der Aufnahme aus dem Concertgebouw wirkt der Orchesterklang noch ein wenig transparenter und besser durchgezeichnet. Die spezielle süffige Aura oder Sinnlichkeit erreicht man in München jedoch nicht.

▼Eine weitere Einspielung von Mariss Jansons weiter unten in der Liste.

 

5

Otmar Suitner

Staatskapelle Dresden

Eterna

1964

16:43  18:32  35:15

Otmar Suitner und die Staatskapelle hätte man im Jahr 1964 nicht unbedingt so weit vorne in der Liste erwartet und vor allem nicht unbedingt so weit vor dem anderen Österreicher Herbert von Karajan, dessen erste Aufnahme übrigens im gleichen Jahr, also nach dem 50järigen Jubiläum der Uraufführung, fertiggestellt wurde. Mit den rhythmischen Problemen scheint man damals in Dresden besser fertiggeworden zu sein. Der Zugang Suitners empfanden wir sogar als erfrischend. Zu Beginn ist man überrascht wie nah das Fagott vor dem Hörer sein Solo intoniert. Erfreut waren wir darüber, wie unmittelbar präsent und urgewaltig die Hörner ihre sf ab Zf. 13 in den Hör-Raum schmettern. Schon jetzt war klar, dass der volkseigene Betrieb auch bei der Aufnahme des dieses Mal 110-köpfigem Orchesters wieder ganze Arbeit geleistet hat. Suitners Tempo ist zwar mäßig schnell, es kommt aber zu einem flüssigen Musizieren in höchster Konzentration, nur ganz vereinzelt etwas ungelenk. Keine Spur von irgendwelchen Schwierigkeiten. Der Gestus ist frisch und unmittelbar. Es gibt ausgesprochen temperamentvolle, dynamische Entladungen. Das Blech scheint die knackigen Strawinsky-Rhythmen mit Spaß am Spiel herauszuschleudern. Von den dahinterstehenden Mühen gibt es keine Spur mehr zu hören. Vielmehr fragt man sich, ob die Staatskapelle jemals etwas anders gespielt hat als Strawinsky? Jedwede Glätte wird vermieden. Die Kapelle bewahrt sich eine gewissen rauen, ungebärdigen und kraftvollen aber auch geradlinigen Ausdruck. Sie schont sich und die Zuhörer keineswegs. Der „Danse de la terre“ bringt die sf wie Entladungen, das Spiel des ganzen Orchesters wirkt ungeheuer leidenschaftlich, vor allem die Hörner geben alles. Bewundernswert.

In der Introduktion zum 2. Teil, erneut recht laut (es würde im Konzertsaal einem mf entsprechen, sollte aber ein pp sein), wirkt die Musik atmosphärisch, farbig und plastisch. Die Hörner bringen die Fernwirkung kongenial („trés lointain“, bei Zf. 89). Bei Vivo (Zf. 104) wird der Rhythmus auch scharf skandiert. Bei Zf. 132 werden die „Zwölftolen“ der Trompete leider nicht hörbar, instrumental und orchestral bleiben ansonsten keine Wünsche offen. Im „Danse sacrale „hat Suitner die Probleme, die Rhythmen im richtigen Takt zu dirigieren offenbar besser gelöst als Karajan in seiner Aufnahme im gleichen Jahr. Der letzte Tanz des Stückes und „Die Auserwählte“, so der Untertitel, klingt eruptiv. Das Blech wächst teils über sich hinaus, sodass man fast schon „exorbitant“ schreiben könnte. Suitner hat mehr die große Linie im Auge, ist nicht so detailaffektiert wie z.B. Jansons zuvor. Man bekommt dafür eine Extra-Portion Spannung geliefert. Die Lesart ist nicht schnell aber zügig genug um keine Sekunde davon missen zu wollen.

Die Aufnahme verfügt über einen enorm hohen Aufsprechpegel, sodass man den Regler aufsuchen muss, um das Gehör nicht zu gefährden. Sie rauscht kaum, ist transparent, sodass man schon an Doratis Mercury erinnert wird. Allerdings ist der Dresdner Klang erheblich fülliger und geschmeidiger. Die Dynamik wirkt urwüchsig und frisch. Tief, gut gestaffelt und sehr körperhaft. Die Violinen verfügen über viel Schmelz. Das Ganze wirkt unverzerrt und höllisch laut. Insgesamt wirkt auch der Klang der DG-Aufnahme mit Karajan aus demselben Jahr überlegen.

 

5

Karel Ancerl

Tschechische Philharmonie, Prag

Supraphon

1963

14:53  17:26  32:19

Dies ist noch eine Einspielung, die im Zuge des 50. Jahrestages der Uraufführung entstanden ist. Das Fagott erhält in seinem Solo zu Beginn eine ausgesprochen sehnsuchtsvolle Note. Die Es-Klarinette kommt laut und schräg heraus (3.T. nach Zf. 9). Die Akzente wie z.B. die ssf werden schärfer, die Marcati massiver gesetzt als z.B. in der Einspielung Abbados. Die Dynamik wird durchaus drastisch gehandhabt.  Der Spannungsfaktor ist generell sehr hoch. Die Steigerungsverläufe profitieren besonders vom vorantreibenden Gestus. Das Orchester spielt nicht ganz so präzise wie Abbados LSO, aber aufgeraut und urwüchsig. Die Ratschgurke (Guero) wird leider noch nicht einmal als Klangfarbe erkennbar. Vielleicht hatte man gerade keine zur Hand?

Die Einleitung zum 2. Teil wirkt klangvoller und präsenter als bei Abbado, dessen Aufnahme unter einer unausgewogenen Klangtechnik leidet (davon später mehr).  Kein Detail geht bei Ancerl verloren, besonders auch in den verhaltenen Passagen. Die schnellen (z.B. Vivo oder Allego molto) werden besonders mitreißend gestaltet und darf man als die Spezialität der Einspielung benennen. Anscheinend hat man sehr gut geprobt denn das Orchester zeigt einem wie selbstverständlichen Umgang mit dem Werk. Die Anweisung „Pavillon en l´air“ zeigt bei Ancerl ganz besonderen Erfolg (fff der Hörner 1 Takt nach Zf. 138). Der „Danse sacrale“ erhält einen klaren Aufbau und wirkt extrem impulsiv mit einem nie nachlassenden Impetus und kräftigen Synkopen. Das Blech klingt knackig und bissig. Die Entäußerung des Mädchens wird sinnfällig, die beteiligten Urgewalten spürbar. Gänsehaut pur.

Der Klang hinkt der musikalischen Darstellung ein wenig hinterher. Analogtypisch rauscht es ein wenig. Die Transparenz ist ausgezeichnet die Tiefenstaffelung relativ gering. Die Dynamik nutzt das damals bei Supraphon machbare bis zur Grenze aus. Der Gesamtklang wirkt z.B. voller als 1975 bei der DG in der Aufnahme mit Abbado. Frisch und unmittelbar. Keinerlei Ansatz von Patina.

 

5

René Leibowitz

London Festival Orchestra

Chesky

1960

16:49  18:30  35:19

Das London Festival Orchestra war damals ein von Decca speziell für Schallplattenaufnahmen zusammengezogenes Orchester, ähnlich wie das Columbia Symphony Orchestra für CBS. Diese Mal wurde wieder, wie bereits von der Einspielung der „Alpensinfonie“ Kempes mit dem Royal Philharmonic von Decca im Auftrag der RCA aufgenommen, die ihrerseits den „Reader´s Digest“-Buchclub zu bedienen hatte. Und auch diesmal wurde als Tonmeister Kenneth Wilkinson eingesetzt. Davon profitiert auch diese Aufnahme, doch zum Klang später mehr.

René Leibowitz war eher ein Anhänger der „Neuen Wiener Schule“ um Schönberg, Berg und Webern. Man kann es heute kaum glauben, aber Strawinsky war eine Art Feindbild für diese Gruppe gewesen. Ähnlich wie zur Liszt- und Brahms-Zeit die Komponisten die Programmmusik schrieben und die, die sogenannte „absolute“ Musik schrieben zeitweise erbitterte Gegner waren. Die Zukunft relativiert manch einen Konflikt der Gegenwart als kleinkariert. Leibowitz jedoch war für beide Seiten offen und brachte als hellsichtiger Orchesterleiter eine hervorragende Einspielung des „Sacre“ in die Diskographie ein.

Die vorgegebenen Tempi sind nicht schnell neigen aber auch durch das schlanke Spiel und die detailreiche klare Artikulation nie zum schleppen. Deutlichkeit ist on dieser Lesart einer der Trümpfe. Ein Beispiel: Bei Zf. 25 schleicht sich das Horn wie von draußen herein („mais en dehors“), ein Detail, das von fast allen übergangen wird. Das Orchester erreicht nicht die Präzision des vorgenannten Berliner, Amsterdamer oder Cleveländer Orchesters, auch den Feinschliff und den edlen Ton lässt es noch vermissen, gleicht darin der Eigenaufnahme des Komponisten. Ein glanzvoll gelackter Ton und ein entsprechender stromlinienförmiger Gestus ist die Sache dieser Einspielung nicht.  Der Gestus ist in etwas zwischen Markevitch und Strawinsky anzusiedeln, nicht ganz so extatisch wie der erste aber emotionaler und genauso klar und fast so trocken wie der zweite. Der “Danse de la terre“ hat dramatische Wucht.

Die Introduktion zum zweiten Teil wird zu einem schillernden Erlebnis, wirkt besonders transparent und hell, scheint solchermaßen nicht mehr in der Nacht zu spielen. Man hat entsprechende große Lagerfeuer angezündet, sodass das Stimmengeflecht quasi taghell erleuchtet wird. Dissonanzen werden ähnlich der ersten Boulez-Aufnahmen ungeschönt ausgespielt. Höchste Detailakribie auch im 2. Teil: Auch die 12-Tolen bei Zf. 132 werden gut hörbar. Eine gewisse intellektuelle Klarheit durchweht diese Wiedergabe. Das wirkt sich nolens volens aber auch auf die Emotionalität aus. Alleine die gestochen scharfe Artikulation, bei nicht immer perfekter Ausführung macht die Qual beim Tanz in den Tod besonders deutlich. Auch hier werden die Stimmen der acht Hörner besonders gut ausgehört und man kann ermessen wie bei vielen anderen geschummelt wird. Das ganze Orchester erzeugt konvulsivische Zuckungen, wirkt mitunter selbst ein wenig gequält. Der letzte Akkord ist nicht nur schwer wie ein Fallbeil sondern auch so scharf.

Der Klang trägt die typische Decca-Handschrift des Meisters. Da das Remastering von Chesky aber schon in den achtziger Jahren erfolgte, wäre da heute sicher noch mehr rauszuholen. Aber auch so wirkt er bei leichtem Rauschen extrem weit aufgefächert, offen und körperhaft. Er wirkt dreidimensional und transparent, aber auch präsent. Die einzelnen Schallquellen verlieren sich nicht im Raum wie bei vielen Einspielungen in den 90er Jahren. Auch der Bassbereich wirkt präzise und klar. Die Gran Cassa erhält viel Substanz und Druck, was jedoch bei Leibowitz selten voll ausgespielt wird. Der Gesamtklang wirkt nicht so warm, voll und rund wie z.B. bei Karajan 1977, sondern viel heller, schlanker, aber keinesfalls steril. Klanglich steht die Chesky-Produktion mittlerweile hinter moderneren Produktionen ein wenig zurück.

 

 

 

4-5

Benjamin Zander

Boston Philharmonic Orchestra

IMP

1990, Live

16:47  18:07  34:54

Der Dirigent Benjamin Zander ist vor allem mit seinen Einspielungen von Mahler-Sinfonien mit dem Philharmonia Orchestra London für das Label Telarc bekannt geworden. Das Boston Philharmonic Orchestra, nicht zu verwechseln mit dem Boston Symphony Orchestra, ist ein halbprofessionelles (Amateure, Studenten und Profis) Orchester, das 1979 gegründet wurde. Seitdem ist Herr Zander sein Musikdirektor, bis heute. Die Aufnahme besteht aus einem Mitschnitt eines einzigen Konzertes, also ohne Netz und doppelten Boden. Nur zu Beginn klingen die Soli nicht ganz so sattelfest wie bei den besten, aber wenn man sich erst einmal warm gespielt hat hören wir: Profiqualität. Auffallend ist, dass Zander immer ein Auge für die Basslinie hat, nicht nur auf die Kontrabässe auch auf die entsprechenden Bläser. Das Blech spielt überaus schlagkräftig und wirkt besonders motiviert, vor allem die Trompeten aber auch die Hörner. Die Darbietung wirkt überaus stringent und kontrastreich. Das Spiel wird getragen vom Enthusiasmus des ganzen Orchesters. Mit zunehmender Spieldauer wird sein Spiel immer selbstbewusster und griffiger. Der „Danse de la terre“ bekommt so die Durchschlagskraft einer galoppierenden Horde Wasserbüffel.

Im zweiten Teil sind die Solobläser bereits sehr sicher, nur ein Hornkieksen ist mal zu vernehmen. Das Vivo (Zf. 104) wirkt mitreißend. Bei Zf. 138 fragt man sich , wo man wohl sonst noch acht so parchtvoll klingende Hörner hören kann, die keine Profis sind? Das Orchester muss sehr fleißig geprobt habe und kann locker mit dem Dudamels mithalten. Die Ohren legt man dann beim anschließenden „Danse sacrale“ an, bei dem Zander ein höllisches Tempo anschlägt. Was für ein Wagnis dies in diesem Tempo bei dieser Schwierigkeit durchzuhalten. Die Sorge sich aber als unbegründet, es gelingt auf absolut begeisternde Art und Weide. Der Strahl von Trompeten und Posaunen ist nur mit enormem Enthusiasmus erklärbar. Der sagenhafte Drive enthusiasmiert auch die Hörer im Konzert und im Hörsessel. Niemand dürfte sich über den frenetischen Jubel wundern, der da in Boston losbricht.

Klanglich erleben wir ebenfalls eine echte Live-Situation mit reichlich „Atmosphäre“ bei den leisen Passagen. Das Orchester wird direkt und präsent festgehalten. Die Gran Cassa klingt sehr mächtig. Im Ganzen wirkt die Einspielung dynamisch, es fehlt ihr jedoch ein wenig weiche Fülle und etwas Glanz.

 

4-5

Jukka-Pekka Saraste

BBC Symphony Orchestra London

BBC Music

1998, Live

15:37  16:25  32:02

Bei diesem Konzertmitschnitt aus London erklingt die Einleitung bestechend transparent und differenziert. Das Orchester ist bestens vorbereitet und sehr gut aufgelegt, sodass man einer sachlich bis akribisch genauen Partitur-Auslegung beiwohnen kann. Ohne Exzesse in Dynamik oder Artikulation. Es klingt ein wenig nach britischem Understatement, was aber wahrscheinlich eher von der distinguiert-zurückhaltenden Aufnahmetechnik herrühren dürfte. Nur selten gestattet sich der Dirigent einmal ein klein wenig zu romantisieren, was nur erwähnenswert ist da sein Blick auf das Ganze einen sehr guten, stringenten Verlauf gewährleistet. Saraste versteht sein Handwerk. Seine Interpretation erinnert stark an die Salonens, nur dass Saraste eben ein kein wenig freier mit dem Tempo umgeht, aber wirklich nur ein klein wenig. Das Blech erfreut immer wieder mit gelungenen Einsätzen, sorgt so für die besonderen „Sahnehäubchen“. Obwohl das für den „Sacre“ ein gänzlich unpassender Begriff ist, hoffen wir doch, uns verständlich gemacht zu haben. Ein kleiner Kritikpunkt bleibt: Die Horngruppe agiert über weite Strecken zu zurückhaltend. Insgesamt eine ganz ausgezeichnete Live-Performance aus der Royal Albert Hall anlässlich der Proms. Und was für ein Unterschied zum Gastspiel der Berliner Philharmoniker und Karajan in der Royal Festival Hall 26 Jahre zuvor!

Vom zweiten Teil nur noch ein paar Stichworte: feine Flageolets in der Einleitung, die bsonders zart wirkt, gutes angetriebenes Vivi, bei Zf. 134 sind die „Zwölftolen“ der einzelnen Trompete gut zu hören. Der „Danse sacrale“ wirkt stark angetrieben, dabei geraten die vielen Details nie aus den Augen. Das Orchester agiert glänzend. Völlig zurecht- Begeisterter Jubel in London.

Ähnlich Salonen (Sony), jedoch mit etwas mehr Wärme und weniger glatt in den zurückhaltenden Passagen, dafür nicht ganz so forsch und vorantreibend in den schnellen, dynamischen. Ausgezeichneter Orchesterklang.

Von der Klangperspektive erscheint das Orchester ein klein wenig zu weit in die Tiefe gerückt zu sein, was man in den 90er Jahren gerne gemmacht hat, dennoch wird eine ausgezeichnete Transparenz und eine hervorragende Staffelung abgeliefert. Die Gran Cassa erhält genügend Wucht, es muss keineswegs immer in Exzesse ausarten. Dass die Holzbläser nicht immer ganz so gut durchkommen passt zu dem sehr angenehmen, kaum füllig zu nennenden Sound der Live-Situation in diesem Saal. Die Totale ist hier gefragt, weniger die Spotlights. Der Gesamtklang könnte etwas mehr Bassfundament vertragen (eine Eigenschaft, die man auch von Rundfunkübertragungen in Deutschland kennt. Wenig Publikumsgeräusche, die kaum stören.

 

4-5

Philippe Jordan

Orchestre de l´Opéra National de Paris

Naive

2012

15:31  18:30  34:01

Zu Beginn vernehmen wir eine eindringlich geblasenes Fagott-Solo mit einem an ein Sopransaxophon erinnernden Klang. Das Holz wirkt (nicht nur) in der Introduktion leicht und behände, aber auch eloquent. Das ganze Orchester macht (wie bei „Daphnis et Cloé“) einen hervorragenden Eindruck und spielt völlig schlackenlos.  Die „Auguren“ wirken rasant und ungewöhnlich emotional. Trotz des offensiven Impetus spielen die Pariser Musiker ungewöhnlich schlank und geläufig. Auch hier wollte man im Vorfeld zur 100-Jahr-Feier das Beste bieten. Vielleicht hatte man zurzeit das Stück als Ballett gegeben, was für das Orchester wegen der zahlreichen Aufführungen eine außergewöhnliche „Übungsstrecke“ bedeutete. Das Zusammenspiel wirkt traumhaft sicher, übertrifft sogar noch die Feinheiten des BR mit Jansons. Allerdings wirkt das Spiel demgegenüber etwas weniger explosiv. Bei Zf. 71 fügt man eine ungewöhnlich lange Pause ein (lunga, steht ja auch da), was auf uns spannungsfördernd wirkte.

Die Introduktion zum 2. Teil wirkt dramatisiert, fast deklamiert., also alles andere als die starren Klangflächen, die an den „Ödipus Rex“ (spätere Oper Strawinskys, in der er stilistisch gesehen das griechische Schauspiel portraitiert) erinnern, die frühere Aufnahmen da bieten. Im weiteren Verlauf überraschen die zupackenden Tempi, die man dem gleichzeitig luziden Klang und dem immer noch lockeren Spiel gar nicht abnehmen möchte. Das „Danse sacrale“ wirkt in unseren Ohren (nach so vielen bereits gehörten Einspielungen ein wenig zu langsam. Im Verlauf des Tanzes steigert Jordan das Tempo jedoch effektvoll und durchaus auch mit Biss. Bei Jordan hören wir das Stück bereits als blitzblank polierten Klassiker, dem das archaische zwar etwas abhandengekommen zu sein scheint, dessen  Darbietung aber jede Glätte gerade noch vermeidet und ansonsten in allen Belangen überzeugt.

Die Aufnahme bietet eine holographische Klarheit, ist farbig, dynamisch sehr präsent und äußerst plastisch. Die Textur wirkt ungemein aufgelichtet bis hinab zu den Bässen. Die ein wenig elegante Note steht ein wenig vor der Freisetzung von urgewaltigen Kräften, was nur eine weiter „Spielart“ aber kein Nachteil ist.

 

4-5

Bernard Haitink

Berliner Philharmoniker

Philips

1995

15:25  16:59  32:24

Von Bernard Haitink kennen wir zwei Einspielungen. Der Berliner ging 1973 eine ebenfalls von Philips produzierte sehr respektable Version mit dem London Philharmonic Orchestra voraus. In Berlin gibt es die zügigeren Tempi und das facettenreichere, etwa präzisere und üppiger klingende, aber immer noch schlank geführte Spiel. Das Fagottsolo klingt besonders schön wir kultiviert gespielt. Trotz des üppigeren Klangs erscheint die Transparenz gegenüber 1973 nochmals gesteigert. Zu den beiden Karajan-Versionen aus Berlin kommen wir später noch ausführlich.  Die Hörner zeigen erneut ihre Extraklasse.  Wie bereits in London erfreut Haintinks Lesart durch Lebendigkeit und Musikalität. Insgesamt wirkt dieses Bild aus dem alten Russland mit einem dickeren Pinsel und farbkräftiger gemalt als in London.

Ind Intro zu 2. Teil nimmt Haitink nun deutlich zügiger, was sie weniger statisch aber mindestens noch so geheimnisvoll  und hintergründig erklingen lässt. Staunenswert die besonders leisen aber immer noch substanzreichen p und pp. Die eine oder andere Passage wirkt so geradezu träumerisch oder traumversunken. Das ist nicht zuletzt dem subtilen Spiel der Hörner geschuldet.  Der vordergründige Effekt wird vermieden. Als seltsam empfanden wir in diesem Umfeld die mit mächtigem Vibrato wabernde Altflöte (Zf. 129).  Bei Zf. 134 hören wir keine „Zwölftolen“, aber immerhin die Piccolo-Trompete sehr gut durch.  Auch den „Danse sacrale“ ist nimmt Haitink nun nicht nur zügiger, sondern erheblich schneller im Duktus. Er wirkt so existenzieller und der finale Kreislaufkollaps erst so richtig plausibel. Bei vielen langsamen Schlusstänzen muss man annehmen, dass dem Mädchen in einer der rituellen Handlungen entsprechende Drogen zugeführt wurden. Denn bei manch einem Tempo kann man nur durch Tanzen alleine kaum zu Tode kommen. Das Glissando der Hörner (Zf. 177) klingt klasse. Selbst im infernalischen Getöse gibt es noch feine Nuancen und diffizile Dynamik-Unterschiede zu hören. Das unmittelbar extatische von Dorati oder Markevitch fehlt Haitink im direkten hier noch ein wenig, dazu beliebt es auf höchstem Niveau etwas zu kultiviert.

Die ganz leicht gedeckten Klangfarben und fülligeren, warmen Stimmen geben dem Klangbild einen edlen Charakter. Der Bass kommt wie in so vielen Aufnahmen der Philharmoniker besonders gut zur Geltung. Pauke und Gran Cassa fallen nicht aus dem Orchesterklang heraus. Es herrschen Konzertsaal-Verhältnisse, wobei aber auch auf die Präsenz hinreichend geachtet wird. Eine ernsthafte Aufnahme, die sich wenig zu Showzwecken eignet.

▼Eine weitere Einspielung von Bernard Haitink weiter unten in der Liste.

 

4-5

Riccardo Muti

Philadelphia Orchestra

EMI

1978

15:14  17:30  32:34

CD und LP  Diese Produktion lässt die Introduktion, wie so viele Analog-Einspielungen recht laut loslegen. Das p hört sich an wie ein mf. Das relativiert sich später, denn Muti geht bei den lauteren Passagen richtig in die Vollen.  Sein Gestus steht zwischen forsch und wild. Leider sind nicht alle Soli gleichermaßen gut durchgezeichnet. Ist man aber erst einmal beim „Tanz der jungen Mädchen angelangt“ kommt eine unerbittliche Dynamik ins Spiel, verbunden mit einem gehörigen Drive.  Die Mädchen kommen einem so vor als seien es weniger sanfte, unschuldige Jungfrauen, die ahnungslos in eine Falle laufen (zumindest eine von Ihnen), als ungebärdige Hexen auf ihren feurigen Besen. Ob Strawinsky dieses Bild vor Augen hatte? Seiner Einspielung nach eher nicht. Jedenfalls ist Muti viel daran gelegen, das Stück unter Hochspannung zu setzen. Vorantreibend, energetisch, hart und unerbittlich. Das „Ritual der rivalisierenden Stämme“ wirkt wie ein gewalttätiger Schlagabtausch. Da scheint sich manch einer eine blutige Nase zu holen. Das wird alles unter Hochdruck gesetzt, bleibt aber zumeist motorisch geprägt. Der „Danse de la terre“ punktet mit höchster Virtuosität und der voll ausgenutzten Steigerungsfähigkeit des amerikanischen Top-Orchesters. Es geht richtig zur Sache.

Im 2. Teil setzt sich die überaus ansprechende Lesart fort mit einer recht spannenden, warmen aber gleichermaßen luziden Klanglichkeit. Mitunter kann sich Muti ein Romantisieren nicht ganz verkneifen. Durch die voluminösen Streicher klingt es bisweilen auch ein wenig nach Filmmusik, als ob das Orchester seine Vergangenheit mit Stokowski und Ormandy noch nicht ganz vergessen hätte.  Im „Danse sacrale“ wird dann wieder nicht gekleckert, sondern geklotzt. Völlig frei von Risikobewusstsein scheint Muti hier doch sehr auf äußerste Brillanz aus zu sein, holt aus seinem Orchester aber alles heraus.  Das Crescendo, das da irgendwo mal steht, bezieht Muti auf den ganzen letzten Tanz. Das ist Bruitismus pur und wenn der Plattenspieler nicht von sehr guter Qualität oder auch nur ein kleines Bisschen falsch eingestellt ist, geht es drunter und drüber und man kann dem Zusammenspiel kaum noch folgen. Wenn aber alles in Ordnung ist, klingt es von der LP sogar viel besser als von der CD. Doch davon gleich noch etwas mehr. Mutis Version hat einen eigenständigen Charakter und ist einer der wildesten überhaupt (Markevitch wirkt dabei noch mitreissender). Da er viel eigenen Charakter mit einbringt, wäre sie beim Komponisten wohl mit hoher Wahrscheinlichkeit auf Ablehnung gestoßen. Wir sollten uns den Spaß daran deshalb aber nicht nehmen lassen.

Generell klingt die Aufnahme sehr dynamisch und wuchtig. Supertransparent ist sie nur in leiseren Partien. Im Tutti geht im fff schon einmal die Kontur ein wenig „flöten“. Der Bassbereich ist prononciert. Die CD ist nicht sonderlich warm timbriert, hat eine gewisse Tendenz zum schrillen.  Die Brilliant-CD ist (dito!) weniger brillant aber etwas geordneter und weniger schneidend. Schon das ff bleibt deutlich konturierter, was genauso wie der voluminösere Gesamtklang auf ein neueres oder besser gelungeneres Remastering hindeuten könnte. Die normale LP von EMI wirkt deutlich entspannter, klarer, ausgewogener und vollmundiger als beide CD-Typen. Man hat die bessere Übersicht und der Klang „flutscht“ viel besser ins Ohr. Schon die normale deutsche EMI-LP ist in diesem Fall die bessere Wahl als die CDs. Wenn man sie noch antiquarisch bekommen kann.  Es geht mit der MFSL-LP aber noch ein wenig klangvoller, d.h. besonders dynamischer, druckvoller und transparenter. Der Gesamtklang ist nun vielleicht aber etwas weniger warm als bei der normalen LP, aber dafür wird man vom Schalldruck der Gran Cassa fast aus dem Sessel gewuchtet, wenn man sich nicht angeschnallt hat. Also lieber, allein der Ohren wegen, nicht zu laut hören.

 

4-5

Riccardo Chailly

Lucerne Festival Orchestra

Decca

2017

15:57  17:39  33:38

32 Jahre nach der Produktion in Cleveland spielt Chailly den „Sacre“ erneut ein. Dieses Mal einem mehr oder weniger Adhoc-Orchester ein, das im Kern aus dem Mahler Chamber Orchestra besteht, ergänzt um einige der besten Musiker im Wesentlichen aus der Schweiz und der näheren Umgebung. Nun erklingt das Fagottsolo mit relativ viel Vibrato, sehr präsent und in Großaufnahme. Das Orchester wirkt nun nicht ganz so geschmeidig, ansatzlos beweglich und leicht wie das Cleveländer, im Solistischen jedoch mindestens ebenso überzeugend.  Es spielt aber immer noch ein hervorragendes Orchester, es soll kein falsches Bild entstehen.  Der Gestus wirkt nicht mehr so fein ziseliert und auch nicht mehr so frisch. Das Prestissimo des „Danse de la terre“ wirkt nicht mehr so transparent. Das Vivo bei Zf. 104 wird noch schneller und stürmischer angelegt, bei Zf. 117 noch mehr Urgewalt entfesselt. Bei Zf. 121 klingt es etwas geheimnisvoller. Im „Danse sacrale“ erfreuen die wunderbaren Marcati des Blechs und die noch massivere, brutalere, aufs Äußerste erregte Fulminanz.

Insgesamt hat die Luzerner Einspielung einen gewissen Hang ins Opulente und das Spiel des Cleveland Orchestra ist einfach lupenreiner.

Klanglich ist die neue Einspielung superpräsent und voller im Klang als die Decca von 1985. Die Abbildung des Orchesters wirkt sehr breit, die Tiefenstaffelung ist für eine der neuesten Aufnahmen enttäuschend flach. Die weite Dynamik spricht dann wieder für 2017.

▼Eine weitere Einspielung von Riccardo Chailly weiter unten in der Liste.

 

4-5

Simon Rattle

City of Birmingham Symphony Orchestra

EMI

1987

15:41  18:44  34:25

10 Jahre nach der ersten Einspielung mit dem Jugendorchester Großbritanniens wirkt das Orchester nun (natürlich) erheblich professioneller. Die Soli werden mit mehr Selbstbewusstsein, akzentuierter uns auch virtuoser vorgetragen. Zu Beginn wirkt das Englischhorn gegenüber dem Fagott etwas zurückgesetzt und alleine etwas eingehallt. Ein unnötiges Mätzchen der Techniker. Es bleibt aber das einzige. Kantabilität kommt (wo möglich) sehr gut zum Tragen. Dadurch wirken die perkussiven Passagen noch kontrastreicher. Der Gestus wirkt lebendig und wirkt lange nicht so steril wie bei Currentzis oder so glatt wie bei Nézet-Seguin. Das ebenso kultivierte Orchester spielt mit jugendlichem Drive und hat sich eine gewisse Entdeckerfreude bewahrt.  Beim „Danse de la terre“ ist das Tam-Tam jetzt leider nicht mehr so schön exponiert wie beim Jugendorchester. Insgesamt spielen die Birminghamer aber mit mehr Biss und Rattle reizt seine neuen Möglichkeiten voll aus.

Die Intro zum 2. Teil klingst ausgesprochen sauber und farbig ohne winterliche Kälte oder gar Eisesstarre. Ein paar minimale Unsauberkeiten im Blech stören nicht weiter. Die Hörner klingen prachtvoll (zf. 134 und 138). Die „Zwölftolen“ der Trompete (1 T. nach Zf. 134) sind hörbar. Auch mir den Profis lässt Rattle den „Danse de la terre“ langsam und bedächtig beginnen. Die Pausen nutzt er sehr gut als Spannungsverstärker. Auch hier begeistern die Hörner., die Rhthmen nommen scharf und exakt. Das ganze Orchester gibt volle Lautstärke. Hier wird sich spannend aber mit Bedacht und sehr gründlich zu Tode getanzt. Den jahrelangen Umgang Rattles mit dem Werk hörte man seinen Einspielungen bereits so früh an. 

Der Klang ist nun präsenter und knackiger aber auch präsenter und runder als 1977. Es wird eine gute Übersicht über das ganze, klar abgebildete Orchester vermittelt und zwar in einem natürlich wirkenden Raum. Die Aufnahme klingt auch dynamischer. Das Schlagwerk klingt wuchtig und etwas hallig. Ein Inferno löst es nicht aus. Insgesamt wirkt die Einspielung klanglich sehr ausgewogen.

▼Eine weitere Einspielung von Simon Rattle weiter unten in der Liste.

 

4-5

Kent Nagano

London Philharmonic Orchestra

Virgin

1990

15:49  18:24  34:13

Kent Nagano bleibt in seiner Einspielung nahe dran an Strawinskys „Muster“. Seine Interpretation wirkt wie eine Collage, wie man heute dazu sagen würde, aus „scherenschnittartigen und kantig zusammengesetzten Bildern“. Die dynamischen Kontraste werden weit ausgereizt, manchmal wirkt sein Zugriff jedoch etwas weniger stringent. Gegenüber Markevitch und Muti hören wir eine deutlich reduzierte Wildheit. Aber Strawinsky pur und mit denkbar wenigen persönlichen Zutaten versehen. Zudem wirkt das Orchester sehr ausgewogen und es spielt leicht, recht locker und mit detailreicher Akkuratesse. Auf bildhafte Weise lässt Nagano die Partitur sprechen.

Die Introduktion zum zweiten Bild wirkt sehr mysteriös, nuanciert, mitunter skrupulös, als gäbe es Gründe Bedenken zu tragen. Die gäbe es tatsächlich. Die Hörner beachten an der betreffenden Stelle sehr schön die Fernwirkung. Der „Danse sacrale“ kommt tänzerisch und ausdrucksvoll, mit hart zupackendem Schlagwerk und konvulsivisch. Seltsamer Weise lässt Nagano die beiden letzten Akkorde so eng ineinanderfließen, dass sie wie ein einziger wirken. Ein Effekt dem sich zwar einige andere Dirigenten anschließen, der sich so jedoch nicht unbedingt aus der Partitur ablesen lässt. Die Partitur wird ansonsten ungemein gekonnt und ohne Übertreibungen, irgendwie sympathisch umgesetzt. Es ist eine Lesart, der man sich gerne anvertraut. Das Werk steht ganz im Vordergrund und damit die Transparenz und die Hörbarmachung kleinster Details ganz oben auf der Agenda. Sie wirkt nach so vielen „überhitzten“ Darbietungen wie eine Wohltat. Leider wirkt sie nicht in jeder Phase stringent genug, zumindest aus der Sicht von Strawinskys „Musterinterpretation“.

Der Klang wirkt sehr sauber und gut austariert, äußerst transparent, detailreich und bestens durchgezeichnet. Kontrast und Dynamik erscheinen uns ebenfalls stimmig.

 

4-5

Colin Davis

Concertgebouw Orchester Amsterdam

Philips

1976

16:20  18:23  34:43

CD und LP  Außer der hier vorgestellten Einspielung gibt es von Colin Davis noch eine frühere, die er für das gleiche Label 1963 mit dem LSO einspielte. Sie hat es allerdings unseres Wissens nicht ins CD-Zeitalter geschafft, da ihr die Amsterdamer Produktion bisher immer vorgezogen wurde.

Davis gewährt dem Fagott-Solo Rubato-Freiheit. Wird es in der Introduktion dann laut, werden nur noch relativ wenige Strukturen preisgegeben, was die knackige Geräuschhaftigkeit zusätzlich verstärkt. Das Englischhorn wirkt ausdrucksvoll und klagender als sonst, als hätte es bereits eine Vorahnung der kommenden Geschehnisse. Die Oboe klingt noch deutlich heller und offener als bei Jansons, die Es-Klarinette bleibt immer präsent, besonders natürlich im ff.  Auffallend eindringlich ist der Gebrauch der Piccolo-Flöte, die klingt als würde sie gemeine Messerstiche verteilten. Der Gestus wird mit zunehmendem Fortgang immer aufregender, das Orchesterspiel wirkt gleichsam wie mit offenem Visier vorgetragen, distanzlos. Der oft ein wenig zu „wohlgenährte“ Charakter vieler anderer Einspielungen von Colin Davis fehlt beim „Sacre“ völlig. Z.B. auch bei Zf. 53, wo die wild herausfahrenden Schlagzeugakzente so dramatisch und gefährlich wie selten wirken. Gutes Tam-Tam bei Zf. 67. Beim „Danse de la terre“ lassen die Amsterdamer nichts anbrennen, er beginnt etwas langsam wird aber kraftvoll gesteigert und brutal zugespitzt.

Die Introduktion zum zweiten Teil klingt eher impressionistisch brütend als expressionistisch unruhig. Bei Zf. 101 klingen die drei Oboen wirklich einmal gebührend dissonant. Man kann es beschönigen, oder aber wie Davis betonen. Bei Zf. 129 hören wir einmal ein platisches Tambourin durch, die sonst immer von der Pauke zugedeckt wird. Der „Danse sacrale“ wird attraktiv und kompromisslos angepackt. Das ganze Orchester legt sich voll ins Zeug, wirkt noch nicht einmal so sehr auf Genauigkeit gebürstet als auf höchste Kraftentfaltung. Durchdringend und überzeugend.

Der Klang bringt die typische natürlich wirkende Räumlichkeit der Philips-Aufnahmen aus dem Concertgebouw. Voll, rund und warm. Die Staffelung ist ebenfalls überzeugend. Das Holz klingt nicht so dicht und präsent wie z.B. bei Currentzis, Darlington oder Strawinsky. Transprenz stand nicht an erster Stelle der Agenda, ist im Concertgebouw vielleicht auch nicht so leicht hinzubekommen, wie man sogar an der Jansons-SACD noch hören kann. Sehr gute Gran Cassa die nicht übertrieben klingt aber reichhaltig. Die Streicher klingen ein wenig matt. Bei Jansons klingen sie erheblich brillanter und trotzdem noch wärmer. Dynamisch ist der analoge Philips-Klang den besten Digital-Aufnahmen in Hinsicht auf Exlposivität und Spreizung zwiachen ganz leise und ganz laut nicht ganz gewachsen., deshalb auch nicht so gehörschädigend (außer beim „Danse sacrale“).

Die LP klingt noch wärmer, plastischer, runder und klarer als die CD. Der volle Bass macht die Sache perfekt. Die gehörte Pressung war makellos. Eine Aufnahme, die speziell für die eingeschworenen Analog-Fans von höchstem Interesse sein könnte.

 

4-5

Leonard Bernstein

Israel Philharmonic Orchestra

DG

1982

16:04  20:46  36:50

Klanglich und gestisch steht Bernsteins letzte Aufnahme des „Sacre“ wieder näher an seiner ersten von 1958, als an der mittleren von 1972. Das IPO spielt leichter als das LSO (1972), aber milder als das NYPO (1958). Der Ablauf wirkt überzeugend, wirkt aber in unseren Ohren viel elaborierter als 1972. Elf Jahre nach Strawinskys Tod ist die Sicht Bernsteins auf dessen Werk wieder klarer geworden als nur ein Jahr danach.

Die verlängerte Spielzeit resultiert in erster Linie aus der deutlich langsamer genommenen zweiten Introduktion. Dort, wie auch bei den „Cercles mysterieux“ muss man trotz schöner Kantabilität mit einem Spannungsabfall rechnen (je nach eigener Befindlichkeit). Die „Zwölftolen“ der Trompete, eine unserer Prüfsteine für Partitur-Genauigkeit werden sehr deutlich artikuliert. Das Ganze wirkt souverän dirigiert, aber leider nicht mehr so spannend wie 1958. Toll gesteigerter „Danse sacrale“. Der Schlussakkord muss dieses Mal ohne Unterstützung von Zybel, Tam-Tam und Guero aukommen, also reinste 1947er Fassung.

Das moderne, farbige, gut aufgefächerte Klangbild wirkt nicht so transparent wie die 58er CBS-Aufnahme aber viel ausgewogener und natürlicher als die Londoner Einspielung von 1972. Mächtige Gran Cassa.

▼Eine weitere Einspielung von Leonard Bernstein weiter unten in der Liste.

 

4-5

Pierre Boulez

Cleveland Orchestra

DG

1991

15:53  17:23  33:16

Boulez durfte sich für diese Aufnahme dem Vernehmen nach das Orchester aussuchen. Wen wundert es, dass er wieder auf das Orchester von 1969 zurückgekommen ist? Erneut achtet er in besonderem Maß auf die harmonischen Reibungen. Erneut spielt es unter Boulez´ sicherer Hand absolut souverän und brillant und sogar etwas zügiger als 69, aber nicht mehr so forsch wie in seiner Pionieraufnahme zum Werkjubiläum 1963. Größter Unterschied zur 69er: Die Rhythmik ist nun lange nicht mehr so explosiv. Der Gestus nicht mehr so offensiv, sondern sachlicher, gebremster, bedächtiger. Ja sanfter im Ausdruck. Er hat an Dringlichkeit eingebüßt.   Der „Sacre“ ist hier bereits zum Klassiker geworden. Fast schon wie abgeklärt. Das fällt vor allem im dirkter Vergleich auf.

Das Tempo der zweiten Introduktion liegt zwischen dem der 63er und der 69er Einspielung, wirkt jedoch glatter, weniger prägnant und weniger kontrastreich. Boulez scheint nun mehr auf Schönklang aus zu sein. Jedenfalls erhält er ihn, was übrigens nicht nur für die Intro gilt, sondern für die ganze Einspielung. Das Gesamtniveau ist immer noch sehr hoch. Wahrscheinlich käme man zu einer höheren Einordnung, wenn es die 69er nicht gäbe. Der präzise „Danse sacrale“ verbreitet nun mehr Buntheit als Schrecken. Eine abgekühlte Sicht auf die Dinge, nicht nüchtern, mit vielschichtiger Klarheit.

Zum Klang: Gegenüber 69 ist das Orchester ein wenig nach hinten gerückt und nicht mehr so überaus transparent und auch nicht mehr so körperhaft und prall.  Die Gran Cassa hat nun allerdings noch mehr Wucht und die Tiefenstaffelung wirkt ein wenig ausgeprägter. Die Brillanz steht sowohl hinter der 69er als auch hinter der Cleveländer Chailly-Einspielung von 85 zurück., klingt aber etwas voluminöser. Gut aber nicht mehr außergewöhnlich, fällt sie klanglich auch hinter der Einspielung von Blunier ein wenig zurück,

▼Eine weitere Einspielung von Pierre Boulez weiter unten in der Liste.

 

4-5

Claudio Abbado

London Symphony Orchestra

DG

1975

15:23  17:49  33:12

CD und LP Vier Jahre bevor Abbado Chefdirigent des Orchesters wurde entstand bereits diese Produktion. Sie bliebt Abbados einzige.  Ihre Meriten könnten viel besser zur Geltung kommen hätte die Tontechnik einen realistischeren Klang hinbekommen. Ein uns andere Mal wird der brisante Drive des Orchesters vom Klang ausgebremst und die Hörer vom musikalischen Geschehen abgelenkt. Fangen wir mit der Es-Klarinette an die trozu ihren lautalsen ff (3 T. nach Zf. 9) nicht richtig herauskommt. Das ssf  am Ende der „Augures printanières“ spiel das Orchetser sehr wohl dynamisch auf, wird aber von der technik eingeebnet. Das LSO spielt wie ein Kammerorchester locker und sehr transparent und glänzt im Prinzip mit hervorragendem Spiel. Das Vivo bei Zf. 49 kommt überragend. Die Hörner spielen gut, das Holz bekommt mitunter eine „Halo-Aura“ verpasst, scheint wie in einem anderen Raum zu spielen. Vielleicht hat auch der Schnitt versagt und Takes zusammengeschnitten, die nicht zusammenpassen. Der „Danse de la terre“ macht das Dilemma auch wieder deutlich: Das Tempo stimmt und es wird richtig wild gespielt, aber es kommt nur als ein laues Lüftchen an. Und wo ist die Gran Cassa? Sie hätte hier permanent Einsatz. Sie versteckt sich wohl hinter der Pauke.

Auch der zweite Teil wird klanglich wenig überzeugend umgesetzt. Es wird einfach zu wenig Energie freigesetzt. Daher als etwas zu leichtgewichtig empfunden. Abbado und dem Orchester hingegen kann man nichts Schlechtes nachsagen. Sie schauen sehr genau hin und spielen sehr temperamentvoll.

Der Klang bietet genau fokussierte Instrumente, gut in die Breite aber wenig in die Tiefe hinein gestaffelt. Es herrscht nicht immer die gleiche Perspektive (Holzbläser), Die Streicher (resp. Die Violinen) klingen ziemlich dünn. Die Dynamik wirkt eingebremst. Das Blech ist nicht immer gleich präsent. Der Gesamtklang wirkt trocken und stumpf. Es fehlt auch die Wucht und das tiefe Fundament. Insgesamt wenig eruptiv. Der Klang alleine hätte nur ein 3-4 verdient gehabt. Etwas besser klingt die LP. Sie bringt etwas mehr Attacke und Klangfarbe ins trockene Ambiente, bleibt aber auch seltsam kühl und klingt wenig vollmundig, aber wie die CD transparent.

 

4-5

David Zinman

Tonhalle Orchester Zürich

RCA

2013, Rekonstruktion der Fassung von 1913

16:21  18:42  35:03 

 

2013, Fassung von 1947 (1967)

16:04  18:36  34:40

David Zinman und dem Tonhalle Orchester Zürich gebührt das Verdienst als einzige die beiden interessantesten Fassungen des „Sacre“ vorgelegt zu haben. Da die beiden Fassungen in einem Set vereinigt sind, kann man sie ohne weiteres miteinander vergleichen. Auf die Unterschiede der beiden Fassungen selbst sind wir bereits im „Hintergrund“ ein wenig eingegangen, sodass wir nun insbesondere die Lesart des Dirigenten in den Vergleich setzen wollen. Da die Einspielungen beider Fassungen sehr leise klingen, ist es zunächst erforderlich den Lautstärkeregler zu bemühen, damit die Aufnahme nicht allzu „flach“, entfernt und „läppisch“ klingt.

Zinman war in den letzten Lebensjahren Pierre Monteuxs dessen Assistent und man wird bei der Lektüre des CD-Booklets reichlich mit Informationen aus erster Hand versorgt. Das heißt, eigentlich ja schon aus zweiter Hand. Zu den letzten Arbeiten Zinmans für Monteux gehörte die Vorbereitung des Jubiläumskonzertes anlässlich des 50. Jahrestages der Uraufführung des „Sacre“ mit dem London Symphony Orchestra 1963. Monteux konnte diese Konzerte dann nicht mehr dirigieren.

Der Vortrag der beiden Versionen wirkt zu Beginn recht frei, aber im Gestus zurückhaltend, gar gebremst. Objektiv und äußerst gewissenhaft. Das ff des Orchesters wirkt noch recht lau. Insgesamt gleicht das Spiel des Orchesters einem Schweizer Uhrwerk. Präzise, fast makellos. Zugleich artikulatorisch schlank als auch opulent im Klanglichen. Eine teilweise betörende Verbindung. Funken werden jedoch kaum aus den Partituren geschlagen. Den mehr lyrischen Abschnitten kommt diese nachhaltige, gründliche Lesart sehr zugute, sie wirken so fein ziseliert und poetisch. Das exzellente aber zurückhaltende Spiel und die vorgelegte Gangart nimmt dem „Sacre“ viel Dramatik und betont das statuarische. Der Rhythmus prickelt weniger, es wirkt dazu etwas zu streng und ordentlich. Der musikgeschichtliche Aufbruch (insbesondere die „Absolution“ des Rhythmus), das Revolutionäre wird viel weniger vermittelt als in stürmischeren Einspielungen. Der „Danse de la terre“ vermittelt trotz des objektiv schnellen Tempos weder Rasanz noch Extase, sondern wirkt entschärft uns schwerfällig.

Die „Mystic cercles“ treten gefühlt fast auf der Stelle. Wir hören sehr gute Einzelleistungen der Orchestergruppen, die für sich genommen keine Wünsche offenlassen. Der „Danse sacrale“ bekommt, wie bei Urbanski ein betuliches, risikoscheues Tempo, bei dem erneut sehr sorgfältig nuanciert wird. Das Tam-Tam wirkt in der 47er Fassung innerhalb des Schlagwerks dominierend, was dem existenziellen Tanz ein gewisses exotisches Flair gibt.

Der Klang tönt weich und sehr räumlich, aber gedeckt und er bewegt sich am Rande zur Opulenz. Er wirkt sehr wenig dynamisch und eher wenig packend oder gar bissig. Einzig die Gran Cassa und das Tam-Tam durchbrechen den uns etwas zu heimeligen Gesamtklang.

 

Die Fassung von 1913 klingt dagegen dynamischer, akzentuierter und auch präsenter.

Die Änderungen wirken zumeist eher modifizierend und sollten (neben der Etablierung eines wirksamen Urheberrechtes vor allem in den USA) insbesondere für eine rhythmische und artikulatorische Vereinfachung sorgen, aber ohne Verlust an der Substanz. Über weite Strecken sind keine Unterschiede zu hören. Änderungen betreffen vor allem die Introduktion zum ersten Teil, bei der wir 1913 noch ein paar Takte mehr hören dürfen. Warum sie später verschwunden sind, entzieht sich unserer Kenntnis. Ein paar Soli enden noch ein wenig anders. Weitere starke Änderungen betreffen den „Danse sacrale“ der rhythmisch noch ein wenig diffiziler ist und fast unzumutbare Spielanweisungen für verschiedene Instrumente gleichzeitig fordert.

Das Spiel des Orchesters in dieser 1913er Fassung kam uns etwas beherzter vor. Das Legato wird inbrünstig ausgespielt. Bei aller Klarheit verzichtet Zinman nicht auf etwas klangliche Romantik, die bei Strawinsky selbst kaum vorstellbar wäre. Vielleicht hört man daran auch noch seine Jahre bei Monteux? Das Pesante wirkt schwerer, da die Bässe stärker betont werden. Auch die Gran Cassa klingt ausdrucksstärker. Insgesamt wirkt das Spiel ausdrucksvoller, die Rhythmik zuweilen etwas weicher als üblich. Auch das Staccato wirkt nicht übermäßig „punktuell“.  Der „Danse de la terre“ erhält eine lehmige Schwere, woran auch die hohe Geschwindigkeit wenig ändert.

Der 2. Teil wirkt ebenso subtil wie in der 49er Fassung, aber lebendiger. Große Unterschiede ergeben sich im „Danse sacrale“, der erneut sehr kontrolliert wirkt, aber etwas dynamischer und energischer gespielt erscheint. Bei Roth werden die Effekte noch pointierter herausgearbeitet. Bei Zinman hört man die rhythmischen Schwierigkeiten noch ein wenig durch.

Zinmans Doppel-CD-Ausgabe ist besonders aus philologischer Sicht ergiebig, bietet sie doch als einzige Veröffentlichung den direkten Vergleich der ersten und der letzten Fassung des „Sacre“. Aus diesem Blickwinkel hätte sie sogar eine 5 verdient. Musikalisch gibt es mitreißendere, aber kaum gewissenhaftere Einspielungen.

 

4-5

Zubin Mehta

New York Philharmonic Orchestra

CBS–Sony

16:22  17:53  34:15

1977

 

Teldec

1990

16:15  17:48  34:03

Von Zubin Mehta sind wie bereits von Bernstein, Boulez, Chailly und Dorati drei Einspielungen bekannt geworden. Dier erste mit dem LAPO von 1969 (Decca) liegt uns leider nicht vor. Die beiden übrigen in New York, die erste davon zu seinem Einstand als Chef der Philharmoniker bei CBS. Auch hier ursprünglich eine Quadro-Aufnahme, die man derzeit auch in diesem Gewand als SACD (bei Dutton) erwerben kann. Uns lag jedoch nur eine schnöde Billig-CD vor, der aber ein ausgesprochen frischer und vorantreibender Gestus zu eigen ist. Das Orchester zieht mit dem ambitionierten Dirigenten voll mit und sprüht vor Spielfreude. Im packenden Spiel geht allerdings so manch eine Nebenstimme verloren. Mehta dirigiert in einem Zug durch. Im „Danse de la terre“ erklingen bei den Violinen vorantreibende Stereo-Effekte.

Das Orchester scheint in jener Zeit in guter Form gewesen zu sein, die Holzbläser klingen nicht mehr so hart wie bei Bernstein. Mehta versucht immer die Schönheiten der Musik besonders zur Geltung zu bringen.

Mehta findet auch in der zweiten Introduktion das richtige Maß an Detailakibie und fließendem Tempo. Hier wird nicht vergessen, dass es sich ursprünglich nicht um Stück für den Konzertsaal handelt, sondern um Ballettmusik. Dynamisch wird sehr genau der Partitur gefolgt. Besonders die lyrischen Abschnitte wirken stark, während bei den dramatischen Passagen die bruitistische Note zuweilen ein wenig zu kurz kommt. Nie hat man den Eindruck, hier sollten dirigentische oder orchestrale Qualitäten zur Schau gestellt werden. Im Hinblick auf differenzierte Artikulation und im Blick auf das Ganze ist er seinem Kollegen Barenboim weit voraus. Der „Danse sacrale“ erklingt in angemessenem Tempo, rythmisch schar und durchaus mit Ausdruck und Verve. Schlagtechnisch wirkt das Dirigat sehr sicher, was man natürlich nicht sieht aber dem präzisen, sicheren und kontrastreichen Orchesterspiel anhört. Das Tempo wird zudem im Verlauf angezogen, was den Eindruck von Extase ungemein steigert. Ganz am Ende geht Mehta wieder auf das ursprüngliche Tempo zurück, dennoch eine sehr gute Performance. Die Zeit vergeht wie im Flug.

Die Techniker waren sehr auf Räumlichkeit und Tiefenstaffelung bedacht, vernachlässigten aber dabei nicht die rechte Präsenz. Dynamische Exzesse, die Maazel drei Jahre später (bereits digital) vorführte werden vermieden. Der Gesamtklang wirkt recht ausgewogen, plastisch, voll und farbenprächtig.

Gegenüber der 77er Einspielung hat sich an Mehtas Auffassung 1990 nicht viel geändert. Ganz ähnliche Tempo, eher etwas weniger mit Spannung ausgefüllt. Das Orchester wird immer noch völlig ungefährdet und spielstark durch das Werk geführt, aber nicht mehr mir demselben Enthusiasmus. Nur phasenweise wirkt es etwas bemühter und rhythmisch nicht mehr ganz so exakt. Es ist jedoch, wie bereits bei der „Symphonie in drei Sätzen“ eine Steigerung spürbar. Insgesamt eine Wiedergabe von Strawinsky-Könnern, in dieser Version mit einemetwas geschöntem Spiel. Dass das Orchester einmal in einem schlechten Zustand gewesen sein soll, ließe sich mir dieser Einspielung nicht belegen.

Der Aufsprechpegel ist nun viel niedriger, sodass man unbedingt nachregulieren muss. Aber auch dann klingt das Orchester weniger präsent, als ob es weiter weg gerückt wäre. Bis auf die Gran Cassa, die nun extrem wuchtig und präsent klingt. Die Abbildung ist weniger breit, der Gesamtklang etwas feiner aufgelöst und ein wenig runder als 77.

 

4-5

Georg Solti

Chicago Symphony Orchestra

Decca

1974

14:41  17:17  31:58

CD und LP  Von Georg Solti gibt es zwei Einspielungen. Dieser Einspielung unter Studio-Bedingungen folgte 1991 eine weitere Live-Aufnahme in Amsterdam. Die Chicagoer ist unbedingt vorzuziehen. Während die Amsterdamer ziemlich misslungen ist, was bei Solti wirklich überraschen darf, ist die 74er umstritten. Den einen klingt die 74er ungehobelt, rau, ungebärdig und klotzig, den anderen dagegen als feurig und besonders energiegeladen.

Wir hören enorm geschärfte Rhythmen und energisch-impulsive, zugespitzte Verläufe. Mitunter grob oder gar krachend. Bei welchem Werk sollte dieser Gestus besser passen als beim „Sacre“? Bei Solti spielt das Orchester viel sicherer als bei Barenboim. Bei Ozawa wirkt der Zugang des Dirigenten geradliniger und das Orchesterspiel noch etwas sicherer aber nicht so exaltiert als bei Solti. Solti achtet auffallend darauf, dass das Holz nicht zu kurz kommt. Die Hörner kommen mit bester, um es korrekt zu sagen mit fast handgreiflicher Präsenz. Bei Solti herrscht der Blick aufs Ganze, während das Werk bei Barenboim wirkt wie aneinandergereihte kürzeste Episoden. Es wird wie in einem Stück durchgezogen. Man kam wohl mit wenigen Schnitten aus, weshalb man das Orchester und den „Sacre“ schon differenzierter gehört hat.

In der zweiten Einleitung nimmt Solti den Frühling mit viel warmen Streicherglanz schon ein wenig vorweg, das Eis ist bereits angetaut (insbesondere bei der LP). Sie bleibt atmosphärisch dicht. Das Solo der Celli wird sehr gut herausgearbeitet. Auch Solti such das cantabile. Immer wieder kommt der Temperamentsmusiker durch, wird dabei vom zumeist brillant klingenden Orchester voll unterstützt. Mangelnde Kontraste kann man Solti nicht vorwerden. Die einzelnen Triolen der Pauke kann man fast nicht unterscheiden, Sie wirken fast wie ein Schlag (das machen ziemlich viele so, ist aber eigentlich falsch, sind sie doch als drei einzelne Viertel notiert. Solti macht das viel Mal hintereinander. Im Diktat wäre es ein Folgefehler und würde nur einmal zählen. Wir fragen uns, wie es dazu kommen konnte. Aber wie gesagt, das unterläuft vielen, sodass von einer anderen Notation ausgegangen werden muss. Zum nachschauen, falls eine Partitur greifbar sein sollte: 1 nach 121, 2 vor 123, 2 nach 124 und 2 vor 128. In den Genuss von Chicagoer Hörnern in Bestform kommt man 1 nach Zf. 138. Die „Zwölftolen“ der einzelnen Trompete sind da, werden also auch gespielt, aber leise. Im „Danse sacrale“ hören wir saftiges Vollgas-Musizieren, das Strawinsky vielleicht weniger gefallen hätte, uns aber schon. Das CSO macht hier so richtig Spaß. Ganz besonders, wenn man eine gute LP zur Verfügung hat.

Wir hörten von der Aufnahme eine alte CD, eine nach dem AMSI remasterte CD, die mehr Raumklang bieten soll und auch Surround abgespielt werden kann und eine amerikanische LP. Die CD generiert eine lebendige Dynamik, sehr präsente Hörner und nur eine kaum herausgestellte Gran Cassa, die als dynamischstes Instrument weit hinter den Möglichkeiten zurückbleibt. Die AMSI-Version (damals als Budget-Angebot lanciert), klingt erheblich voluminöser, großräumiger und mit mehr Tiefenstaffelung. Der Aufnahmeraum wirkt plötzlich halliger als auf der normalen CD und der LP. Insgesamt wirkt der nun leicht schwebende Klang weicher, voller und etwas offener, auch dynamischer und präziser. Auch die Gran Cassa klingt etwas prominenter.

Die LP schließlich setzte bei der Tiefenstaffelung nochmal eins drauf, genau wie bei der nun glasklaren Transparenz und der besseren Differenzierung. Die Präsenz, nun hautnah, die Räumlichkeit, nun am großzügigsten und die Dynamik, nun am beherztesten, überzeugten uns am meisten. Schließlich reichte die Gran Cassa von der LP auch am tiefsten in den Basskeller hinab. Allerdings laufruhig ist die LP aus den USA nicht.

▼Eine weitere Einspielung von Georg Solti ganz weit unten in der Liste.

 

4-5

Gustavo Dudamel

Simon Bolivar Youth Orchestra of Venezuela

DG

2010

16:10  17:45  33:55

Bei dieser Einspielung aus Caracas sollte man nicht vergessen, dass es sich bei diesem Orchester immer noch um ein Jugendorchester handelt. Dessen ungeachtet oder gerade deshalb erleben wir eine bewusst musizierte dabei lebendige und differenzierte Wiedergabe, sprühend und zugespitzt in Gestus und Tempo. Auch den kantablen Stellen wird Leben eingehaucht. Die Gran Cassa klingt voll und tief bisweilen massiv und auch explosiv. Auch das Tam-Tam lässt sich nicht bitten bei der massiven Cortège. Insbesondere bei den Streichern merkt man an, dass die Besetzung nochmals vergrößert wurde. 180 Jugendliche musizierten hier gemeinsam. Das Mehr von 70 Spieler und Spielerinnen. Auffallend geschmeidig und herausragend weich klingen sie auch im „Danse de la terre“, der auch mit kerniger Rhythmik besticht und wahrlich viel Zug dahinter hat. Nur im fff des Tutti kommt ein wenig Verunklarung mit ins Spiel.

Auch die Introduktion zum zweiten Teil erquickt mit liebevoll, finessenreich und weich gespielten Soli. Die Empathie des Spiels klingt durch. Bei Zf. Klingt die Gran Cassa ultimativ. An Zf. 104 spielt sich weniger ein Versteckspiel als eine wilde Jagd nach der Auserwählten statt, die sich vielleicht noch rechtzeitig fliehen möchte.  Das Machtwort der Ahnen (Zf. 121) erfolgt dann mit unmissverständlichem Nachdruck. Zumeist bltzeblankes Musiziern.  Zf. 134: die „Zwölftolen“ der trompete kommen kaum zur Geltung. 138: fff der gut geblasenen Hörner dennoch zu indirekt (zu weit weg). „Danse sacrale“: Lebendig und brillant aber gegenüber dem besten (Dorati, 1959) doch noch zu sehr einstudiert. Selten ist das Tam-Tam so gut hörbar. Über die Klasse und die Schönheit des Spiels kann man sich nur wundern.

Der Klang der Einspielung wirkt großräumig, die Transparenz und Tiefenstaffelung gut bzw. sehr gut. Allerdings wirkt das Orchester ein wenig entfernt, vor allem das Blech. So geht ein wenig Unmittelbarkeit verloren. Es klingt dennoch recht voll, sauber, warm und sonor. Die Dynamik wirkt ausladend. Die Balance innerhalb der Orchestergruppen ist glaubhaft und wirkt natürlich. Nicht zuletzt durch die besonders große Besetzung wirkt der Klang sinnlich und kulinarisch.

 

4-5

Mariss Jansons

Oslo Philharmonic Orchestra

EMI

1992

15:58  16:42  32:40

Da wir die beiden neueren Einspielungen etwas genauer unter die Lupe genommen haben, beschränken wir uns bei der Vorstellung der ersten Einspielung Jansons´ auf ein paar Stichworte. Zf.  13 ff und sf der Hörner zu schwach, mf der Trompeten dagegen lauter. Schlagwerk zu beiläufig. Gute Transparenz auch bei tumultösen Partien, leicht und locker, ohne Überdruck, Tempi flott aber nicht gehetzt. Kantabilität wo möglich in den Vordergrund gerückz. Gute Steigerungen, gutes Niveau des Orchesters, klanglich nicht ganz die höchste Güte, rhythmisch keinerlei Probleme, sehr musikantisch, Blech blitzeblank. „Danse de la terre“ mit glasklarer Transparenz und stringent gesteigert.

Intro 2 wohltuend bewegt, keine stehende Landschaftsbeschau, anschaulich, tänzerisch und fließend, keine Romantizismen, immer im Tempo. Geschmeidiges Spiel, nichts Ungelenkes wie z.B. bei Karajan (1964 und 1972), Solti oder Barenboim. Zwölftolen gut hörbar. „Danse sacrale“ mit gut angetriebenem Tempo, keine Trägheit, kein Buchstabieren. Hervorragend zugespitzt. Schlagwerk präsent genug, aber nicht so dominant wie bei anderen. Orchester in diesem Tanz ganz hervorragend.

Klang: sehr gute Durchhörbarkeut, dynamisch gut, präsent genug. Schlagwerk durch aufnahmetechnische Disposition zu passiv wirkend (größtes Manko der guten Einspielung).

 

4-5

Robert Craft

London Symphony Orchestra

Naxos

1995

15:26  16:24  31:50

Von Robert Craft, dem langjährigen Assistenten Strawinskys ist uns die Eistenz von vier Aufnahmen bekannt. 1962 dirigierte er bei der ersten Reise Strawinskys in die UdSSR nach seinem Exil das Staatliche Sinfonieorchester der UdSSR, zu der Strawinsky nur lapidar dem Sinn nach meinte: Braucht man nicht. Die zweite erfolgte 1991 mit dem Orchestra of St. Lukes, die beiden letzten lagen uns zum Vergleich vor: 1995 mit dem LSO und 2007 zum 125jährigen Geburtstag des Komponisten mit dem Philharmonia Orchestra, beide für Naxos. Von den beiden letzten Einspielungen sagte uns die mit dem LSO insgesamt mehr zu.

Hier nutzt Craft die Fassung von 1947. Der Orchesterklang wirkt etwas klarer und heller als beim PO zwölf Jahre später. Das Spiel des LSO wirkt ein wenig leichter, weniger voluminös und eine wenig rauer, was aber sicher auch von der Technik modifiziert sein kann. Auffallend sind die noch viel leichter wirkenden Abstriche der Streicher bei Sostenuto e pesante (Zf. 49 ff). Das liegt nicht am absolut souveränen Spiel des LSO, sondern gehört zum Konzept des Dirigenten, der in dieser Einspielung überhaupt einen leichten und luftigen Gestus pflegt. Der „Danse de la terre“ erklingz in hervorragender Transparenz und schmissiger Ekstase. 1995 hält sich Craft noch genauer an des Meisters Tempi als 2007.

So wird auch die zweite Introduktion noch erheblich zügiger genommen als 2007, als der Dirigent bereits auf 84 Lebensjahre zurückblicken konnte. Das gleiche gilt auch für den „Danse de la terre“, der durch das angezogene Tempo auch schlüssiger und entschlossener wirkt. Die Hörner warten mit einem tollen fff au (Zf. 134 und 138). Bei der Gran Cassa bleibt „die Kirche im Dorf“. Die Akzente der Piccolo-Trompete bleiben bei Zf. 165 unhörbar. Insgesamt ist die 95er gegenüber der 2007er insbesondere wegen der beiden deutlich ekstatischer klingenden Schlusstänzen zu bevorzugen.

Klanglich ist sie allerdings weniger brillant und auch etwas weniger transparent geraten. Auch wirkt das Orchester ein wenig zurückgesetzt. Eine für Naxos sehr gute Aufnahmequalität.

▼Eine weitere Einspielung von Robert Crafts direkt im Anschluss.

 

4-5

Robert Craft

Philharmonia Orchestra London

Naxos

2007

15:39  17:40  33:19 

Download  Diese Einspielung ist Robert Crafts letztes Wort in Sachen „Sacre“. Er greift nun auf die 1967er Fassung zurück (die aber gegenüber der Ausgabe von 1947 nur „re engraved“ ist), streut aber auch Elemente der Fassung von 1913 ein. Der abschließende „Danse sacrale“ erklingt hingegen in der rhythmisch etwas vereinfachten Version von 1947. Die Bezeichnung der Fassung schien uns hier vor allem dazu zu dienen, einen zusätzlichen Kaufanreiz gegenüber der erst 12 Jahre alten Produktion mit dem LSO zu liefern. Hier nun kurz das Wesen der Aufnahme und ihre Einordnung: Tempi nun durchweg langsamer als 1995, damit auch langsamer als der Meister selbst. Holz stets enorm präsent, Altflöte mit sehr viel „Nebenluft“, Zf. 29, Zymbel und Triangel sehr deutlich, Hörner ohne echtes p, Gestus lebendig und wuchtig. Crafts Umgang mit dem Werk ist auch im hohen Alter immer noch souverän, die lange Erfahrung mit dem Werk ist nicht zu überhören. Auch das Tam-Tam ist deutlich herausgestellt, Craft zeigt das Werk durchaus noch als ein musikalisches Werk des Bruitismus, obwohl das Orchester in Top-Form spielt und sehr kultiviert klingt, nicht glatt. Der „Danse de la terre“ klingt angemessen wild aber nicht mit der Extase von Dorati, Markevitch, Chailly (1985) oder Bernstein (1958).

In der Introduktion zum zweiten Teil hat man größten Wert auf eine hautnahe Präsenz gelegt, das wirkt besonders stimmungsvoll. Die aufmerksamen Hörer werden aber bemerken, dass die Aufnahme hier mit anderen Einstellungen erfolgt sein muss, also nicht ohne Schnitt ausgekommen ist. Die Balance im Orchester ist insgesamt sehr gut aber nicht über jeden Zweifel erhaben (Zf. 90, Hörner (pp) viel zu laut gegenüber der Bassklarinette (p), die man leider gar nicht hört). Im zweiten Teil spielt die Altflöte nicht mehr mit „Nebenluft“. Die dynamischen Verhältnisse sind im Großen und Ganzen sehr stimmig. Überhaupt wurde hier sehr gewissenhaft gearbeitet. Das Orchester geht auch an seine Grenzen, was einen großartigen, mächtigen Klang zur Folge hat (ab Zf. 121), aber leises wirkt fast durchweg zu laut. Bei Zf. Könnten die Hörner ihr fff durchaus eindringlicher schmettern. Das Problem mit dem indirekten Klang wollte Strawisnky mit der Anweisung „Trichter hoch“ lösen, die Aufnahmetechnik hat seinen Wunsch jedoch nicht unterstützt. Zum Beginn des „Danse sacrale“ klingt das Orchester plötzlich halliger, als ob es in einen anderen Aufnahmeraum umgezogen wäre, was natürlich nicht der Fall war. Zum Hall scheint das Orchester nun auch etwas nach hinten gerutscht zu sein und die einzelnen Schallquellen wirken nun verkleinert. Dadurch wird extatisches Potential verschenkt. Allerdings agiert die Gran Cassa nun ohne Rücksicht auf Gehörverlust bei den umgebenden Musikern und auch bei den Hörers. Gegenüber den Einspielungen von Chailly (besonders Cleveland, aber auch Luzern) oder den mittlerweile einschlägig bekannten Extatikern (Dorati, Markevitch, Bernstein) aber auch Crafts eigener Einspielung mit dem LSO wirkt das Tempo etwas zu gemütlich, der Gestus statt hitzig nur lauwarm. Dennoch von musikalischer Seite eine mustergültige Einspielung, die in sich durchaus überzeugt. Aber das Bessere ist des Guten Feind.

Der Klang ist offen und glasklar, sehr präsent mit fast raumfüllenden Holzbläsern, sehr wuchtige und mächtige Gran Cassa, brillanter als bei Cambreling oder Currentzis, dynamisch und lebendig.

 

4-5

Herbert von Karajan

Berliner Philharmoniker

DG

1977

14:53  18:16  33:09 

CD und LP  An dieser Produktion arbeitete man insgesamt drei Jahre. In Angriff genommen wurde sie bereits 1975, 1976 musste sie wegen der schweren Rückenprobleme Karajans unterbrochen werden, sodass sie erst 1977, als ein glücklich genesener Maestro mit viel musikalischem Nachholbedarf wieder mit dem Werk in den „Ring“ steigen konnte, um das Projekt zu beenden. Für seine Einspielung von 1964 wurde Karajan von Strawinskys Kritik nicht verschont (wahrscheinlich wirkte sie bei Karajan wie ein harter Schlag, davon mehr bei der Besprechung der 64er weiter unten), sodass er immer wieder daran arbeitete, sie zu übertreffen. Der Mitschnitt aus London 1972 zeugt von diesen Bemühungen und dem damaligen Misslingen. Unserer Ansicht ist mit der Einspielung von 1977 durchaus eine substanzielle Verbesserung der musikalischen Darbietung verbunden, wobei es sich immer noch nicht genau erschließt, warum Karajan das Werk überhaupt in sein Repertoire aufgenommen hat. Er war ja nicht unbedingt ein genuiner Rhythmiker, wie beispielsweise Boulez und er quälte sich sicherlich mit dem Werk. Vielleicht wollte er es den Kritikern beweisen (wie mit den Einspielungen der Musik der Neuen Wiener Schule in den frühen 70ern), dass er es sozusagen drauf hat.

Man kolportiert, dass für die neuerliche Aufnahme des „Sacre“ kaum Schnitte notwendig waren und so fast eine Live-Aufnahme vorläge (im Text des Beihefts der Testament Live-Aufnahme aus London, 1972!).

Natürlich (möchte man sagen) prägt der Klang der Berliner und vor allem der Karajans auch diese Darbietung des „Sacre“. Ob sie sich nun mehr nach Strawinsky oder nach Karajan anhört, möge man selbst für sich entscheiden. Man hört exquisit geblasene Holzbläsersoli in der Einleitung, jedem Melodiefetzen wird nachgespürt und wenn man es so ausdrücken darf, er wird „kantabilisiert“. Die Philharmoniker klingen nun (im Gegensatz zu 1972) mit der gewohnten Präzision, ja Perfektion, klanglich prall, voll und glanzvoll. Das Sostenuto e pesante (bei Zf. 49 und nachfolgend) klingt nun viel tiefer, schwerer und voller. Karajan scheint mit den Taktwechseln und schwierigen Rhythmen nicht mehr kämpfen zu müssen. Die Hörner klingen nun ganz besonders voll und so „schön“, dass es ein besonderer Genuss ist, zuzuhören. Insgesamt geht es zügiger voran als zuvor, mit weniger „Sostenuto“. Beim sehr warm timbrierten und meist gar nicht einmal so „freundlichen“ Orchesterklang ist es etwas schwieriger den Nebenstimmen zu folgen als bei den transparenteren Aufnahmen von Boulez, Dorati oder Markevitch, um nur eine paar zu nennen. Die Innenbalance des Orchesters ist jedoch sehr viel stimmiger als in London 1972. Der Bassbereich ist besonders präsent, was zum fülligen, satten Gesamterscheinungsbild einiges beiträgt. Der Klang transportiert so etwas weniger aggressive Schärfe als bei den schlankeren Einspielungen der Berliner mit Rattle oder Haitink.

In der Einleitung zum 2. Teil, die bei Karajan wenig dissonant klingt, kommt der in diesem Fall unangemessene typische Schmelzklang Karajans wieder sehr gut zur Geltung, das disparate Nebeneinander oder Untereinander von cis-Moll, d-moll und dis-Moll, das bei Boulez (1969) vorbildhaft so sehr aneinander reibt, wird bei Karajan klangkulinarisch „versuppt“. Klangkulinarik pur und solchermaßen viel mehr Karajan als Strawinsky ist in diesem Abschnitt zu hören. Da gibt es wahrscheinlich keine Diskussion. Für viele sicher trotzdem ein Hochgenuss, andere wird es dagegen abschrecken.  Die Hörner zeigen bei Zf. 138 mit ihrem fff ein bewunderungswürdiges Durchsetzungsvermögen. Der „Danse sacrale“ klingt nun viel deutlicher, gewaltiger und perkussiver, letztlich viel stimmiger als in den beiden vorangegangenen Einspielungen. Karajan bleibt dem Bruitismus wenig schuldig, zeigt er hier doch eine maschinenhafte Unerbittlichkeit. Die klangliche Polyphonie und das Primitive des „Sacre“ ist Karajans Sache immer noch nicht. Er bereichert aber mit dieser Einspielung durchaus die Vielfalt des Gesamtangebotes an substanzeichen Einspielungen des „Sacre“.

Klanglich verfügt die nun in der Philharmonie erfolgte Aufnahme über kräftigere, vollere Klangfarben, eine höhere Transparenz und Körperhaftigkeit. Die Transparenz ist jedoch immer noch nicht gerade beispielhaft. Die Gran Cassa klingt nun erheblich wuchtiger, aber nicht so brillant wie in den besten Aufnahmen. Die Dynamik ist merklich geweitet (gegenüber 1963) und kontrastreicher. Ein Quercheck mit der alten LP zeigt, dass damals mustergültig produziert wurde. Es klingt noch etwas glanzvoller und dynamischer als von der CD. An der Transparenz ändert sich jedoch nicht viel. Keinerlei Störgeräusche!

▼Zwei weitere Einspielungen Karajans ziemlich weit unten in der Liste.

 

4-5

Bernard Haitink

London Philharmonic Orchestra

Philips

1973

15:30  18:31  34:01 

Schon Bernard Haitinks erste Einspielung zeigt ein bewegtes, musikantischer, recht flexibles Spiel von angenehmer Zurückhaltung und hoher Transparenz. Nichts wirkt hier zu laut oder auch zu leise. Die Akzente wirken stimmig, der Rhythmus sicher und ziemlich geschärft.  Die Interpretation wirkt geradlinig, schnörkellos und temporeich, fast spritzig. Das blech tönt sicher und rein, die Hörner sind klasse. Der rasante „Danse de la terre“ wird eindrucksvoll gesteigert.

Die Introduktion zum 2. Teil fällt durch die langsamere Tempogestaltung etwas ab. Der „Danse sacrale“ wird tadellos gespielt, wirkt jedoch etwas nüchtern. Eine Einspielung, die nichts falsch macht aber emotional nicht so richtig mitreißt. Sie vereinigt hohe Qualitäten auf sich, wirkt aber wenig individuell. Wir vermuten, dass sie Strawinsky sehr gut gefallen hätte, lässt si doch vor allem die Partitur sprechen.

Das Klangbild wirkt ausgewogen, gut gestaffelt und transparent. Die Räumlichkeit wie auch die Klangfarben wirken natürlich. Pauke und Gran Cassa sind weite voneinander entfernt aufgestellt, was ihre Individualität unterstreicht. Ihr Zusammenspiel ist trotzdem präzise. Sehr gutes Tam-Tam. Auch hier hohe Qualitäten aber insgesamt etwas unauffällig.

 

4-5

Yuri Temirkanov

Royal Philharmonic Orchestra, London

RCA

1988

16:18  18:56  35:16

Die Einspielung macht einen etwas heterogenen Eindruck. Sie verbindet sehr hohe Werkkompetenz mit einer etwas schludrigen Sorgfalt, denn es sind zwei deftige Patzer unkorrigiert stehen geblieben. Da es sich um keine Live-Produktion handelt, wären sie korrigierbar gewesen.

Der erste Patzer ereilt die A-Klarinette bei Zf. 10, die statt kontrolliert anzublasen ein unkontrolliertes Plärren erzeugt. Außerdem hätte sie „très en dehors“ zu klingen, also von weit draußen, was so ebenfalls konterkariert wird. Der Duktus erscheint bei Temirkanov, von dem es mittlerweile auch noch eine Einspielung mit den Sankt Petersburger Philharmonikern gibt, zurückhaltend., als ob er niemandem mehr etwas beweisen müsse. Das Spiel wirkt leicht und beweglich, nicht aufgeblustert, sondern stringent, etwas trocken, aber schön tänzerisch, als ob die Musik nicht von der (hier nicht vorhandenen) Szenerie ablenken soll. Es wirkt weniger motorisch als sensibel. Die sensible Note am „Sacre“ zu zeigen ist an sich keine schlechte Idee, sie sind aber verbunden mit teils recht schleppenden Tempi. Sie machen den fraglos vorhandenen episodenhaften Charakter des Werkes deutlicher als nötig, andere Maestri versuchen im Gegenteil alles unter einen Bogen zu zwingen, was machen gelingt es auch.

Die hell klingenden Violinen betonen das Eisige und Starre der Szenerie in der Introduktion zum zweiten Teil. Obwohl auffallend behutsam und sorgfältig gespielt wird bleibt diese Passage nicht ohne Spannung. Der zweite (kleine) Patzer betrifft die Solo-Violine bei Zf. 88.  Dass die Triolen der Pauken zu schnell sind (Zf. 121 und 122) kommt ziemlich oft vor und verwundert kaum noch.  Die Hörner entschädigen mit ausgezeichnetem Durchsetzungsvermögen des fff (Zf. 138). Wie bei „Leutenant Kije“ spart Temirkanov auch im „Danse sacrale“ nicht mit schrillen Flötentönen, die bei ihm ganz besonders die schmerzhaften, qualvollen Akzente befördern. Die Bässe hingegen werden unterbelichtet. Das Tam-Tam hingegen wird schrill und schatf eingefangen wie sonst hier. Durch die instrumentale Neubewertung klingt Temikanovs „Danse sacrale“ sehr individuell. Komplettiert wird der eindrucksvolle Abgang des sterbenden Mädchens mit einer sehr guten rhythmischen Genauigkeit und einer hervorragenden Steigerung. Kompliment vor allem an das komplette Blech. Das Orchester wirkt in dieser Einspielung insgesamt besonnener, sorgfältiger und auch schlanker als bei Yuri Simonov. Leider auch fehleranfälliger.

Klanglich: Klar und offen, guter Mix aus Präsenz und Räumlichkeit, sehr gute Staffelung, impulsive, trockene, allerdings wenig voluminöse Gran Cassa. Der deutliche Gesamtklang ist teilweise sehr dynamisch, jedoch wenig voluminös. Den Streichern fehlt es an Schmelz (Concertgebouw mit Jansons, Berliner, Staatkapelle!).

 

4-5

Seiji Ozawa

Chicago Symphony Orchestra

RCA

1968

15:00  17:25  32:25

Außer in dieser Produktion spielte Seiji Ozawa den „Sacre“ nochmals 1979 in Boston, dieses Mal für Philips ein. In unserem Vergleich müssen wir leider mit der Chicagoer Aufnahme vorliebnehmen. Ozawa bringt eigentlich die besten Voraussetzungen für die Realisierung des „Sacre“ mit, denn bei ihm hat man den Eindruck, dass ihm das Ergebnis immer überzeugender gelingt, desto komplizierter die Partitur ist, um die es geht. Das CSO, vielleicht auch noch von seiner Zeit mit Reiner gepägt agiert hier noch als Präzisionsklangkörper oberster Güte. Das Werk klingt nämlich viel besser strukturiert als bei Barenboim und leichter und rhythmisch flüssiger als bei Solti. Solti allerdings arbeitet die Grellheiten des Stückes noch besser heraus. Der „Danse sacrale“ temperamentvoll mit wild entfesselter Percussion. Auch Ozawa fasst die letzten beiden Akkorde zu einem zusammen.

Klanglich erreicht die Einspielung nicht mehr die ungeheuere Präsenz und Lebendigkeit der besten „Living Stereos“, deren Zeit bedauerlicher Weise um 1962 bereits abgelaufen war. Der damalige spezielle Klang hätte auch dieser Aufnahme sehr gut angestanden. Es ist uns überhaupt keine „Living Stereo“ des „Sacre“ bekannt. Eine schmerzliche Repertoirelücke. Die Gran Cassa wird nicht in vollem Umfang als Dynamik-Instrument genutzt, weshalb der Gesamtklang unspektakulär bleibt. Wir hören ein leichtes Rauschen, wenig Klangzauber, einen eher weniger sinnlichen Orchesterklang. Deutlich nüchterner als die Einspielung Skrowaczwewskis, nur um einmal eine konkrete Einordnung zu liefern.

 

4-5

Lorin Maazel

Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, München

BR Klassik

1998

16:26  17:43  34:09

Die erste Bekanntschaft mit Maazel haben wir bereits bei den SACDs mit dem Cleveland Orchestra gemacht. Die Einspielung aus München wirkt klanglich harmloser, aber viel ausgewogener und feiner im Musikalischen. Sie wirkt im besonderen Maß kühl kalkuliert und strategisch aufgebaut. Die perfekte Schlagtechnik Maazels verleiht den Orchestern in allen drei Einspielungen Sicherheit und Präzision. Verschiedentlich sind die Tempi weniger zügig als in Cleveland und die Brillanz des Orchesters wirkt nun lange nicht mehr so vorgeführt, wobei die Aufnahmetechnik bei diesem Kritikpunkt eine größere Rolle spielt als die musikalische Darbietung. Bei Zf. 53 wird Maazel erneut plötzlich langsamer, überhaupt nimmt er ein wenig Rubato, weniger als in Wien, wieder mit ins Portfolio der Gestaltung auf.  Das Orchester wirkt, nun allerdings (bei zwei Konzerten) aufgezeichnet nicht ganz so locker und perfekt wie das CO 1980 aber auch das SO des BR selbst in der Einspielung mit Jansons, die ebenfalls live erfolgte. Aber immer noch viel besser als die Amsterdamer unter Solti, live, 1991. Zum zweiten Teil nur so viel: Der „Danse sacrale“ hat nun mehr Tempo, das Blech präsentiert sich in Bestform. Insgesamt organisch wirkende, fast perfekte Wiedergabe, die einen Schuss Eleganz in die Archaik mischt.

Klanglich steht die Aufnahme zwischen der Wärme der Decca aus 1975 und der kühl timbrierten Telarc von 1980. Die Gran Cassa macht gegenüber 1980 einen gebändigten Eindruck, auch die Pauke wirkt mehr ins Gesamtklangbild integriert. Der Gesamtklang ist nicht ganz so sonor und brillant wie bei Jansons mit demselben Orchester 2009. Direkt nach der Telarc gehört, wirkt die BR-Aufnahme Maazels etwas blasser aber viel ausgewogener,

▼Eine weitere Einspielungen Maazels etwas weiter unten in der Liste.

 

4-5

Sylvain Cambreling

SWR Sinfonieorchester Baden Baden und Freiburg

Hänssler

2006

16:48  19:27  36:27

Gegenüber der Einspielung von Teodor Currentzis wirkt der Beitrag Cambrelings mit wärmerem Klang musiziert organischer und weniger ziseliert. Das Tempo giusto wirkt nicht so wie von der Tarantel gestochen wie beim Griechen. Cambreling lässt gelassen aber nicht unpräzise spielen. Das Orchester ist weicher konturiert und nicht immer völlig transparent. An der letzten Präzision, die Francois-Xavier Roth mit ihm bei der „Alpensinfonie“ erreicht, fehlt es dieses Mal noch. Immer wieder wird der Wunsch spürbar der Musik viel Kantabilität mitzugeben. Ab Zf. 68 kommt das Tam-Tam prominent ins Klangbild, ein Instrument das in den Aufnahmen dieser Liste oft ein Schattendasein hinter der Cran Cassa führen muss. Im „Danse de la terre“ agieren die Hörner zu schwach, die Dynamik ist gut aber die letzte Zuspitzung fehlt.

Der zweite Teil beginnt atmosphärischer als bei Currentzis, fast schon romantisch schwelgend mit einem teils impressionistisch anmutendem Farbenspiel. Auch die zurückgenommenen leisen Passagen wirken nie langweilig, Auch bei Zf. 138 bleiben die Hörner zu weit im Hintergrund. Dem „Danse sacrale fehlt dann zunächst doch die nötige Schärfe in Rhythmus und Artikulation, aber auch hier ein beeindruckendes Tam-Tam und eine hervorragende Steigerung. Eine gute Einspielung um „sacrephobe“  Musikfreund/innen an Strawinsky Werk zu gewöhnen. Für bereits akklimatisierte Spezialist/innen wirkt diese Darbietung ein wenig zu philharmonisch-weich. Ihr geht das Raue und Unkultivierte weitgehend ab.

Klanglich wirkt das Orchester etwas zurückgesetzt und weniger transparent als z.B. die Einspielung von Currentzis. Sie hat aber eine natürlich wirkende Räumlichkeit, eine gute Staffelung und wirkt ausgewogen. Die Dynamik könnte weiter gespreizt sein, der Gesamtklang überraschend warm. So wird dem Stück eine gewisse Behaglichkeit verliehen, die manchem unangebracht erscheinen mag. Denn auch das Schlagwerk ist eher weich konturiert, weniger straff und hart. Die Aufnahme klingt nicht mulmig.

 

4-5

Gennadi Roshdestwensky

London Symphony Orchestra

Nimbus

1987

16:46  18:42  35:28 

Roshdestwnsky nimmt im Verlauf der Introduktion jeden Überdruck raus, lässt sie wie einen langsamen Entstehungsprozess wirken, aus der sich bald alles entwickelt. Wie sonst nur Boulez und vielleicht noch Tilson Thomas legt Roshdestwensky die Faktur offen, insbesondere die harmonische. Bei 3 T. nach Zf. 12 lässt er die Pizzicati der 1. Violinen so klingen, als ticke die Uhr, oder als laufe eine Uhr ab. Die des Winters oder die des noch unbekannten Mädchens? Auch das Tempo giusto wirkt wie in Zeitlupe. Das sf der Hörner ist sehr kräftig. Das Blech allgemein strahlkräftig. Zu konstatieren ist eine akribische Notentreue, der Ausdruck wirkt aber nicht neutral oder gar lasch. Zum Mitlesen der Partitur ist diese Einspielung noch besser als die Salonens (LAPO) geeignet. Es entstehen immer wieder bildhafte Assoziationen, vieles klingt unerhört anders.  Jede neue Episode wird wie ein neues Charakterbild gestaltet. Das Prestissimo des „Danse de la terre“ erinnert auch hier wieder besonders an das Presto der siebten Beethovens, Leider nutzt der Dirigent nicht die Möglichkeit, dass sich erste und zweite Geigen antagonistisch gegenübersitzen.

Im zweiten Teil bringt Roshdestwensky die Paukentriolen in der richtigen Länge vier Mal (ab Zf. 121). Auch hier wirken die Tempi langsam ohne aber je zu schleppen, im Gegenteil, das Musizieren klingt außergewöhnlich plastisch. Immer hat man das Gefühl, dass sich in dieser Einspielung ein Könner und ein ausgezeichnetes Orchester zusammengefunden haben.  Der „Danse sacrale“ klingt in den massiven Passagen jedoch nicht immer ganz geordnet. Durch das reduzierte Tempo erscheint er komfortabler spielbar (bzw. tanzbar) zu sein. Auch Roshdestwensky führt die beiden Schlussakkorde zu einem zusammen. Phasenweise wirkt diese Einspielung wie eine Perlensuche. Sie bleibt nicht erfolglos. Es werden einige gefunden über die andere hinwegmusizieren.  Das Umstürzlerische wird der Musik jedoch zu großen Teilen entzogen. Das LSO spielt besser als unter Abbado (ist ja auch viel langsamer).

Klanglich wirkt die Aufnahme glasklar und (Nimbus-üblich) sehr weiträumig. Dieses Mal wirkt die breite und tiefe Staffelung jedoch nicht hallig. Höchste Transparenz wird auch im Tutti geboten. 

 

4-5

James Levine

MET Orchestra (Orchester des Metropolitain Opera House, New York)

DG

1992

16:05  17:17  33:22 

Mit einigen Aufnahmen bei der DG sollte das New Yorker Opernorchester auch als Konzertorchester weltweit hoffähig gemacht werden. Obwohl das Orchester sich bestens rausgeputzt hat, funktionierte das nicht so recht. An der Spitze ist eben einfach nicht für viele Platz, sonst wäre es keine Spitze mehr. Manches Orchester fällt dann einfach wieder runter, obwohl es die Fähigkeiten hätte. Dann kam ja auch noch die Klassik-Krise und weitere Krisen dazwischen, die den Ausleseprozess erheblich verstärkten.

Das MET Orchestra zeigt sich also in allerbester Form. Die Dynamik wird nach Herzenslust voll ausgespielt und dabei gerne auch einmal übertrieben. Z.B. Zf. 49: Bässe mf, aber trotzdem wackeln bereits die Wände. Das Blech ist wirklich eine Pracht und sticht, was die Brillanz angeht, so manches andere amerikanische Spitzenorchester aus. Allerlei Passagen wirken allerdings weniger schlank und ansatzweise dicklich. Der „Danse de la terre“ lässt an Explosivität und Stringenz nichts zu wünschen übrig. Der 1. Teil wird mit einem ziemlich dicken Pinsel farbkräftig aufgetragen.

Der 2. Teil gelingt nicht ganz so gut. Die Introduktion wirkte auf uns einfach ein wenig langweilig. In den lyrischen Passagen enttäuschen die Violinen durch geringe Klangfülle (mitunter erstaunlich dünn und spitz). Die Percussion wirkt hingegen besonders akzentuiert und wuchtig. Das Vivo wirkt vorantreibend (Zf. 104). Ein ums andere Mal fühlt man sich in einen Hollywood-Streifen versetzt. Der abschließende „Danse sacrale“ offeriert brachiale Pauken, schneidendes Blech und gestochen scharfe Rhythmik. Die sf wirken sehr kurz und emotional aufgebracht. Insgesamt stilistisch zwiespältig aber ein Fest für Freunde von „Brass and Percussion“.

Der Klang erfreut mit viel Farbe, Transparenz und brachialer Dynamik. Schlagwerk und Blech erreichen Höchstwerte an Wucht. Gute Staffelung wird vor allem in der Breite des Raumes, weniger in die Tiefe hinein erreicht. Der Gesamtklang wirkt sehr saftig mit einer ansatzweisen Tendenz zum dicklichen. Besonders sinnlich wirkte der Orchesterklang auf uns jedoch nicht, dazu fehlte dem Blech die Äquivalenz bei den Streichern. Dazu muss man nur einmal in eine Aufnahme der Berliner reinhören oder in Jansons Concertgebouw-Einspielung. Dann hat man diesbezüglich den Maßstab. Irritierend bei der MET-Aufnahme sind die mitunter leicht wechselnden Perspektiven (durch Schnitte?).

 

4-5

Pierre Monteux

Orcheste des Concerts du Conservatoire de Paris (heute: Orchestre de Paris)

Decca

1956

16:06  17:37  33:43

Download  Dies ist die einzige Einspielung Monteuxs, die stereophon einspielt wurde. Die französische Färbung insbesondere der Holzblasinstrumente und der Hörner könnte uns besonders gut an die Gegebenheiten der Uraufführung erinnern. Gerade das französische Fagott mit seinem ausgedehnten Solo in der Einleitung klingt in der hohen Lage durchaus fremdartig, was man vom Fagott des Originalklangensembles „Les siècles“ nicht unbedingt behaupten könnte, denn dieses intoniert ebenfalls mit einem (richtig)  alten Instrument ohne Intonationsprobleme. Die Simmen in der Introduktion wirken wie in den anderen Aufnahmen Monteuxs auch wieder völlig disparat. Das Orchester wirkt gut vorbereitet, dennoch klingen die Pauken weit unterbelichtet und es kommt trotzdem nicht zu einem wirklich guten Zusammenspiel. Die Violinen wirken stets ein wenig dünn. Die Abstriche bei Zf. 49 Sostenuto e pesante klingen nicht so schwer wie üblich. Bei Zf. 56 Tranquillo klingt die Klarinette nicht intonationsrein. Den ultimativen Biss bekommt man auch beim „Danse de la terre“ nicht geliefert, die Gran Cassa verschläft einmal ihren Einsatz oder setzt ein crescendo zu leise an, dass man ihn nicht hört. Orchestral ist der Tanz kein Knaller, er wirkt weicher als üblich und die Rhythmen weniger geschärft ohne deshalb voll oder abgerundet zu klingen.

Die Introduktion zum zweiten Teil erklingt sehr transparent und stimmungsvoll, da macht Monteux niemand etwas vor. Auch die Flageoletts gelingen sehr schön.  Der Gran Cassa fehlt hingegen die Energie, das dürfte allerdings am Alter der Aufnahme liegen. Der Gestus wirkt etwas betulicher als noch 1951. Erneut hat Monteux ein Auge auf das Tambourin. Damit hat er nicht Schule gemacht, denn zumeist geht es im großen Orchester unter. Auch die „Zwölftolen“ sind sehr gut hörbar. Die Hörner kommen wieder zu schwach ins Bild, was für den Gesamtklang sehr bedauerlich ist.  Der „Danse sacrale“ hat nicht den ultimativen Biss eines Markevitch oder Dorati.  Seltsam war das plötzliche Fehlen der kompletten Bläserfraktion von Zf. 186 bis Zf. 189. Man hört tatsächlich nur noch die Streicher und das Schlagzeug.  Diesmal geht der Tanz ohne Verlangsamung in einem Tempo durch. Im Gegensatz zu den Einspielungen von Dorati und Markevich haben die Einspielungen von Monteux ein wenig Patina angesetzt.

Diese Stereo-Aufnahme ist viel besser aufgefächert als bei den Monos der anderen Monteux-Einspielungen. Der Klang wirkt bereits ziemlich frisch und farbig. Die Streicher klingen noch ein wenig dünn, das Orchester insgesamt aber schon erstaunlich offen und brillant aber noch ziemlich wenig körperhaft und im Bass noch wenig konturiert. Klanglich ist sie den Bostoner Einspielungen vorzuziehen, orchestral sind die Bostoner die bessere Wahl.

 

4-5

Jonathan Darlington

Duisburger Philharmoniker

Acousence

2009, Live

16:06  19:14  35:20

DVD im Format Flac 24 Bit-96 KHz  Dieses Label bot seine Aufnahmen (oder bietet sie immer noch) im nicht kopiergeschützten Flac-Format an, ist also nicht mit der längst untergegangenen DVD-Audio zu verwechseln. Die Einspielung ist ein überzeugender Leistungsbeweis des Duisburger Orchesters, das sonst nicht gerade im Fokus der Tonträger-Industrie steht und noch mehr ein Plädoyer für den hochaufgelösten Klang und die engagierten Techniker des kleinen deutschen Labels. Dort gibt man auch kleineren Orchestern, die keine Rundfunkstation im Rücken haben, eine Chance, sich zu profilieren. So sind auch Einspielungen mit Orchestern aus Mainz, Hagen, Dessau oder Wiesbaden im Katalog zu finden.

Für den „Sacre“ das Duisburger Orchester gewählt zu haben, stellt sich als eine glückliche Wahl heraus. Sie sind auch die erste Adresse des Labels, was die Quantität der Einspielungen anlangt. Sie machen unter ihrem damaligen Chefdirigenten (2002 – 2011) einen erstklassigen Job, der das Pariser Conservatoire Orchester gerade oben drüber gelistet, auch im übertragenen Sinn alt aussehen lässt.

Das Fagott-Solo nutzt den vom Komponisten gewährten Gestaltungsspielraum (ad libitum) durchaus. Die ganze Introduktion wirkt sehr gut ausgehört. Besonders die sonst nicht so sehr im Fokus stehenden Streicher wirken in allen Gruppen sehr gut aufgefächert und präsent. Der Gestus wirkt unaufgeregt und recht souverän. Auch außerhalb der Hauptstädte gibt es also längst Orchester, die den „Sacre“ vollgültig spielen können. Das Blech könnte im Tutti jedoch noch ein wenig knackiger herauskommen, Dafür hört man die Bässe selten einmal so gut heraus (eine Domäne der Berliner Philharmoniker) wie hier, sogar wenn die Gran Cassa die Akzente setzt. Klasse!  Das Vivo bei Zf. 54 kommt frisch heraus, die sf im Blech wirken jedoch noch ein wenig zaghaft. Das Blech kann aber auch mal scharf zur Sache gehen und dabei auch unangenehm wirken. Der „Danse de la terre“ profitiert von der sehr plastischen Pauke und erreicht gegen Ende einen beängstigenden Furor, der sich auch in einer ohrenbetäubenden Laustärke Nachdruck verschafft (kein Lärm!).

Die Intro zum 2. Teil klingt fast so atmosphärisch wie bei Monteux, die Flageoletts der ersten Violinen sind jedoch nicht ganz klar und rein, winzig kleine Präzisionsprobleme gibt es eher an den ganz leisen Stellen (z.B. Trompete).  Die Fernwirkung der Hörner gelingt nicht so gut, was bei einer Live-Aufnahme schwierig ist, denn während der Aufnahme raus zu marschieren könnte mit Geräuschen verbunden sein und welches Orchester hat mehr als acht Hörner zur Verfügung, dass sich extra welche draußen bereithalten könnten?  Das pppp (es ist wirklich ein vierfaches Piano, was so viel bedeutet wie ein Viertel eines Piano und nicht vier Mal so laut wie ein einfaches Piano) des Horns gelingt sehr gut (Zf. 97).  Die Tempi werden sicher gehalten, können bei Bedarf aber auch modifiziert werden, wo dies angebracht erscheint. Das Kammermusikalische gelingt nicht ganz so perfekt wie bei den Orchestern mit den ganz großen Namen. Mit zunehmender Dauer des Mitschnitts ändert sich auch die Stimmung innerhalb des Orchesters, sodass der Gesamtklang nicht mehr ganz sauber erscheint. Das war beim Bonner Beethoven-Orchester, um einmal in der Nähe zu bleiben, nicht der Fall.  Die Soli kommen alle sehr präsent und laut, was auch mit der Dirigentenperspektive zusammenhängt, die uns vom Aufnahmeteam geboten wird.  Der „Danse sacrale“ wirkt vom Tempo her etwas vorsichtig, was das Unerbittliche nur unwesentlich schmälert. Das Blech klingt nun schon etwas angestrengt und angeraut, nicht mehr mit der überzeugenden Rundung, wie noch im ersten Teil, was auch für die anderen Instrumentengruppen gilt. Die Ekstase wirkt auch hier tödlich. Es wurde live in zwei Konzerten mitgeschnitten. Eine sehr gute Leistung aller Beteiligter.

Der Klang ist zumeist glasklar, großräumig und hervorragend gestaffelt und trotzdem sehr präsent, ausgewogen und natürlich. Der fast unkomprimierte wuchtige Klang der Gran Cassa löst Beben aus. Bisweilen wirkt das Tutti etwas dicht. Es wird große Plastizität und Brillanz erreicht.

 

4-5

Pierre Boulez

Orchestre National de l´RTF, Paris (heute : Orchestre National de France)

Concert Hall, Devega removo

1963

15:26  16:48  32:14

Download    Diese Produktion entstand anlässlich des 50. Jahrestages der Uraufführung des „Sacre“ als eine Art Probenmittschnitt. Es ist die erste von drei Einspielungen von Pierre Boulez. Der Komponist selbst hat sich damals als Kritiker betätigt, verglich sie auch noch mit Karajans 1964er Einspielung und schrieb dazu:

„Resümee: Erstens die Aufnahme: Die immense dynamische Breite von „Sacre“ wird auf das übliche Aufnahmestudio-Mezzoforte reduziert; neben der Verpackung allen Klangs in Hallraumflanell ist dies eine der schlimmsten Verfälschungen der Schallplattenindustrie. Lärm selber ist eine Art von Sprache und Lautstärke ein Element; und während die Nivellierung der Klangpegel bei einigen Musikstücken nur geringfügigen Schaden anrichtet, raubt sie der Partitur von „Le Sacre“ eine ihrer wesentlichen Dimensionen; das ist zum Teil der Grund, weswegen sogar heute eine Konzertaufführung für jeden einen Schock bedeutet, der das Werk durch Schallplattenaufnahmen kennengelernt hat. Zweitens die Aufführung: Sie ist weniger gut, als ich mir erhofft hatte, da die Ansprüche im Falle von Maitre Boulez sehr hoch sind. Man hätte vermutet, dass diese Musik sein Bier wäre, zumal die Tatsache, dass ihm Herrn von Karajans Art von Kultur völlig abgeht, hier von Vorteil ist. Von einigen schlampigen Stellen abgesehen, in dieser Aufführung überraschend, doch nicht von Wichtigkeit, gibt es einige sehr schlechte Tempi. Die Artikulation ist im Allgemeinen ausgezeichnet und sehr erholsam gegenüber der Aufnahme der Deutschen Grammophon Gesellschaft.“

Bereits vor seiner Dirigenten-Laufbahn hörte Boulez Abhandlungen über den „Sacre“ während seines Studiums bei Olivier Messiaen. Später verfasste er selbst Schriften über das Stück. Es wird also kaum einen kundigeren Interpreten für den „Sacre“ gegeben haben. Aber Theorie und Praxis sind ja bekanntlich „Zwei Paar Schuhe“. Uns stand ein günstiger aber dennoch hochwertiger Download der Einspielung zur Verfügung, sodass wir dem Komponisten gegenüber sicher ein wenig im Vorteil waren, was den Klang der Aufnahme anlangt, denn so übel und dynamisch nivelliert ist er im Vergleich zum damals verfügbaren Angebot nicht. Dann sollte man wissen, dass Strawinsky fast alles ziemlich niedergemacht hat, was zu beurteilen war. Im Falle „Sacre“ hielt er große Stücke auf Leonard Bernstein, dessen Interpretation der Psalmensinfonie (im Konzert), die er gemeinsam mit dem „Sacre“ erlebt haben muss, er ebenfalls sehr schätzte.

Aber zurück zu Pierre Boulez. Das Fagott-Solo wirkt nicht zuletzt durch den spezifischen Klang der französischen Bauart archaisch und urwüchsig. Das komplette Holz schließt sich rau spielend an. Es gibt eine Menge intonationssicherer intonierte Darbietungen des Holzbläsersatzes. Das scheint Strawinsky gar nicht gestört zu haben. Auch, dass das ganze Orchester ziemlich unkultiviert klingt nicht. Strawinsky selbst kommt ja auch vom „Sacre-Klang“ von 1913 her und nicht wie die heutigen Hörer von 2022. Außerdem passt der Pariser Klang von 1963 gut zu dem Stück. Glätte kommt so keine auf. Die Steigerungen werden sehr gut gebracht, fast schon stürmisch. Auch die Spontaneität des Orchesters gefällt, man merkt aber zu jeder Zeit, dass es stark gefordert wird. Boulez geht bis an die „Machbarkeitsgrenze“. Eine Aufnahme nach weiteren Proben und vielleicht nach den Konzerten wäre vielleicht vorzuziehen gewesen. Großen Wert legt es auf das Blech, dessen Strahlkraft durchaus überzeugt. Besonders die Trompeten und Hörner. Das bringt die Archaik zusätzlich „nach vorn“. Beim „Danse de la terre“, der mit viel Tempo gespielt wird und spannend gelingt, fehlt die letzte Dynamik.

Die Introduktion zum zweiten Teil, im schnellen Tempo gespielt, erklingt ohne Geheimnis. Das könnte Strawinsky bemängelt haben, mit den „einigen sehr schlechten Tempi“. Boulez selbst hat 1969 auch darauf reagiert. Das Schlagwerk klingt lebendig. Die Hörner sind 1 nach Zf. 138 trotz fff – Vorschrift schlecht vernehmbar. Der „Danse sacrale“ wirkt zupackend, viel aggressiver als z.B. bei Stefan Blunier. Den wild zuckenden Todestanz bringt Boulez sehr anschaulich. Die abenteuerlichen Taktwechsel und Rhythmen machen Boulez keine Probleme. Er kann sich hier ein vorantreibendes Tempo erlauben.  Vom Tam-Tam ist wieder einmal nichts zu hören.

Diese Einspielung wirkt abenteuerlich und frisch. Orchestral ist sie nur unterer Durchschnitt. Gegen den zweiten Versuch Boulez´ 1969 hat sie im Großen und Ganzen nicht den Hauch einer Chance.

Der Klang wirkt sehr präsent und transparent. Eine Staffelung in die Tiefe gibt es kaum. Der Gesamtklang ist von der Dominanz des Blechs geprägt. Die Gran Cassa kann zwar laut, wirkt aber wie aufgeschwemmt und kaum konturiert. Der tiefe Frequenzkeller ist ihr fremd. Sie ist jederzeit gut zu hören. Dass die Einspielung gegenüber dem Live-Konzert, zumal wenn man wie Strawinsky als Dirigent direkt inmitten der Schallquellen steht, dynamisch zurückfällt, sollte man ihr nicht zum Vorwurf machen. Heute kommt man da allerdings schon etwas näher dran.

 

4-5

Esa-Pekka Salonen

Philharmonia Orchestra London

Sony

1989

14:36  17:06  31:42

Anders als in der späteren Einspielung aus LA spielt das Fagott das Solo zu Beginn noch ohne Rubato. Das Tempo giusto im Tanz der Jungfrauen erfolgt noch erheblich flotter aber stromlinienförmig und nahezu akzentfrei. Überhaupt wird hier vieles flink und stromlinienförmig durchgepeitscht. Mit einem ein wenig selbstgefällig wirkenden, jugendlichem Überschwang. Die hohe Sicherheit im Zusammenspiel deutet dabei auf die ausgezeichnete rhythmische Zuverlässigkeit des Dirigates hin. Die „Rondes printainières“ werden als kontrastierender Ruhepol hingegen sehr langsam genommen und mit geschmeidigen, weichen Akzenten versehen. Bei den „Jeux des cités rivales“ dann wieder wie zuvor mit viel Aufruhr, schnellem Tempo und glatt durchgezogen, ohne sich mit Details sonderlich aufzuhalten. Der „Danse de la Terre“ erhält, was bei dieser Einspielung nicht mehr verwundert, ein stark aufgeheiztes Tempo, was dem Orchester wahrscheinlich ziemlich rücksichtslos vorgekommen sein muss. Es wird von ihm trotzdem hervorragend gemeistert.

Auch im zweiten Teil werden die schnellen Partien zu den Glanzstücken der Darbietung. Das altehrwürdige PO wird hat man seit seiner Aufnahme mit Markevitch wohl in keiner Aufnahme so virtuos und draufgängerisch erlebt. Der „Danse sacrale“ wird zu einem Fest für alle Fans von „Brass and Percussion“.

Gegenüber der späteren Einspielung aus LA (bei den SACDs gelistet) liegt der Focus noch viel weniger auf den einzelnen mit Leuchtkraft präsentierten Details und Nuancen als auf dem temperamentsvollen, fast draufgängerisch, aber zugleich auch extrem kontrolliert wirkenden Blick auf das Ganze.

Nicht dass der junge Salonen nicht bereits tief in die Partitur geschaut hätte, der ältere bringt einfach mehr davon zu Gehör. Wobei die auflichtende, sehr präzise Aufnahmetechnik der DG gewiss eine gehörige Rolle mitspielt. Der jüngere Salonen wirkt dafür emotional etwas mitreißender. Beide Einspielungen sind gute Beiträge zur Diskographie, auf die man nur ungern verzichten würde. Klanglich liegt die DG-Aufnahme vorne. Wären die glattpolierten Passagen zwischendurch nicht so stark spürbar, wäre die Philharmonia-Einspielung noch etwas höher einzugruppieren. Salonen wirkt oft wie der „Kühle“ aus dem Norden. Hier zumindest in Teilen - nicht.

Klanglich ist sie bereits transparent und mit einer plausiblen Räumlichkeit gesegnet.  Den frühen Makeln der Digitaltechnik ist sie schon weitestgehend entwachsen.  Die Dynamik ist gut, die Gran Cassa schnell und flink, sie klingt aber wenig wuchtig.

 

 

 

4

Lorin Maazel

Wiener Philharmoniker

Decca

1975

16:13  18:25  34:38

In Maazels erster Einspielung klingt der „Sacre“ deutlich weniger kantig und scharf wie üblich. Rubato hält relativ reichlich Einzug. Das Orchester nutzt, ähnlich wie die Berliner Philharmoniker bei Karajan, jeden cantablen Motivfetzten aus, um ihn schön zu gestalten. Das Musizieren wirkt schlank, man hat jedoch den Eindruck, dass Maazel das Stück „musikalischer“ machen will, als es sein will. Vielleicht um es den Wienern schmackhafter zu machen? Später macht er das übrigens nicht mehr in diesem Maß (1980 Cleveland und 1998 München). Die Wiener verleihen dem Stück eine große, balsamisch wirkende Klangfülle. Der Ausdruck den ein Kritiker (war es Ulrich Schreiber?) zur Zeit, als diese Aufnahme neu auf den Markt war, ist uns bestens im Gedächtnis haften geblieben. Er meinte, Maazel mache aus dem Stück eine „akustische Sacher-Torte“, spielte dabei sowohl auf die Herkunft der Aufnahme, als auch auf den Klang des Orchesters an. Nun herausschmecken lässt sich das nicht unbedingt, aber die Einspielung gleicht klanglich tatsächlich der ersten Karajan-Einspielung mehr als z.B. der in etwa zur gleichen Zeit auf den Markt gekommenen Chicagoer Einspielung von Solti, ebenfalls von Decca. Sie verliert so erheblich an statuarischer Kraft. Dass die Wiener das Stück nicht unbedingt lieben, zeigt sich schon daran, dass es unseres Wissens weder davor noch danach von ihnen noch einmal eingespielt wurde. Sie spielen jedoch sehr schön, absolut professionell, allerdings durchaus mit einer gewissen Süße. Beim „Danse de la terre“ verdienen sich die Wiener Hörner mit ihrem fantastischen Klang ein Sonderlob. Als Ganzes wirkt er jedoch erheblich weniger transparent als in den besten Einspielungen.

Konsumentenfreundlich wirkt auch die Introduktion zum zweiten Teil. Die Wiener überziehen ihn zwar nicht mit einer Zuckerglasur, aber schon mit großer Wärme. Die Lagerfeuer des vorchristlichen Russlands erwärmen hier die spätwinterliche Nacht so sehr, als hätte der Frühling bereits Einzug gehalten. Die Wiener Violinen betören wieder einmal mit ihrem Schmelz. Eine Spezialität Maazels (1 T. nach Zf. 103) ist die enorme Breite dieser Stelle, bei der sonst immer Pauke und Gran Cassa (f) alle Streicher (ff) zudecken. Hier hört man wirklich einmal auch alle Streicher. Alle anderen lassen die elfmaligen Schläge erheblich schneller passieren und wirken weniger affirmativ. Der „Danse sacrale“ klingt weich konturiert und zunächst etwas zu sanft und danach weniger transparent. Die Akzente wirken „süffig“ oder um im Bild zu bleiben, „schokoladig“. Kaum konvulsivische Zuckungen, an Dynamik mangelt es hingegen nicht.

Der Klang rauscht ein wenig und wirkt samtweich, körperhaft, voluminös und recht räumlich. Die Klangfarbenpalette wirkt reichhaltig. Er zerfällt nicht in Einzelteile. Guter Decca-Klang der 70er mit dem Blick aufs Ganze. Warm und ziemlich opulent. Ein Beitrag zur Diskographie in einer ganz eigenen Geschmacksrichtung.

 

4

Yannick Nézet-Seguin

Philadelphia Orchestra

DG

2013

15:26  17:29  32:55

Auch diese Einspielung entstand anlässlich des einhundertjährigen Jubiläums der Uraufführung. Das Orchester und die Klangtechnik erscheinen gegenüber der Einspielung mit Riccardo Muti nochmals ein wenig verbessert. Das Orchester spielt das rhythmisch so komplexe Werk nun mit einer Sicherheit als wäre es von Vivaldi. Man hat den Eindruck, als ginge es hier nur noch um Klassikerpflege, so leicht und einfach geht es von der Hand. Alles läuft wie am Schnürchen, leicht, geschmeidig, flott, absolut genau, hervorragend musiziert, aber auch völlig widerstandslos. Und glatt wie mit Schmierseife eingeseift oder geölt, vor allem durch den Verzicht auf Nachdruck, Bildhaftigkeit und Entdeckerfreude, sprudelt die Musik hier wie Quellwasser. Ein Beispiel: Zf. 49 Sostenuto e pesante erklingt ohne jede Schwere auszudrücken immer noch sehr geschmeidig.

Das Orchesterspiel klingt auch im zweiten Teil, nun ja, wenn perfekt noch steigerbar wäre, wäre diese Form hier angebracht. Sie bietet aber keinerlei neue Aspekte. Höchstens die Erkenntnis, dass sich das Orchester spieltechnisch auf dem allerhöchsten Niveau befindet und dass Herr Nézet-Seguin ein ganz ausgezeichneter Schlagtechniker sein muss. Dazu hätte es nicht unbedingt dieser Einspielung bedurft. Sie enthält sich jeder persönlichen Note macht nur das was in den Noten steckt, versucht aber das Ursprüngliche und Revolutionäre erst gar nicht auch nur ein kleines Bisschen nahezubringen. Die Einspielung geht ohne Eindruck zu hinterlassen spurlos an den Hörern vorbei. Uns hat sie jedenfalls keinen cm vom Hocker gerissen. Das Orchester spielt ähnlich perfekt wie das Cleveland Orchestra bei Chailly aber ohne dessen Abenteuerlust und Entdeckerfreude.

Ihr Klang ist glasklar, brillant, dynamisch, agil, natürlich und plastisch. Keineswegs besonders voll und rund. Die Ortbarkeit wird perfekt auf den Punkt gebracht. Die Gran Cassa klingt staubtrocken, tief und quasi durchtrainiert und ohne Bauch, jedoch mit dem gebührenden Nachdruck. Das Schlagwerk klingt als Ganzes enorm knackig.

 

4

Valéry Gergiev

Kirov Orchestra (heute: Orchester des Marijsky-Theaters, St. Petersburg)

Philips

1999

15:35  18:53  34:28

Aufgenommen wurde diese Darbietung bei einer der zahlreichen Residenzen des Orchesters in Baden Baden. Sie ist eine der drei uns bekannten rein russischen Einspielungen des „Sacre“. Die beiden anderen sind übrigens die im Vergleich leider nicht vertretene Einspielung von Yevgeni Svetlanov und dem Staatlichen Sinfonieorchester der UdSSR und die mit Vladimir Fedosejev mit dem Großen Rundfunk-Sinfonieorchester der UdSSR, die weiter unten noch in Erscheinung treten wird. Das zeigt auch, wie dünn die Strawinsky-Kultur in des Komponisten Heimatland immer noch ist. Sie macht mit ihrer bodenständigen und kraftvollen, aber nur vordergründiger Betrachtung standhaltender Virtuosität, gehörigen Effekt. Wenn man jedoch genau hinhört wirkt sie nicht sonderlich präzise. Das merkt man besonders an der leicht schwummrigen Transparenz im Tutti. Die instrumentalen Eckpunkte Trompeten, Pauken, Gran Cassa und Violinen treffen aber immer am Ende so passgenau zusammen, dass es kaum auffällt. Zudem wirkt die entfachte Dynamik elementar, das lenkt ab. Beim Sostenuto e pesante klingt es geradezu umgekehrt wie bei Nézet-Seguin. Sehr schwer wie der Bass-Gesang der Wolga-Schlepper vor allem durch die Betonung der Bässe und der Gran Cassa. Die einzelnen Tableaux gehen fließend ineinander über. Die Darbietung unterliegt in ihrem Brio ziemlich stark musikalischen Fliehkräften, wirkt bisweilen ohne rechte Struktur etwas zu klangflächig, al fescohaft und pauschal. Das Orchester hingegen klingt trotz allem noch substanzreich, farbenreich und kräftig. Aufgrund Gergievs Einspielung könnte man die Partitur jedenfalls nicht rekonstruieren, wie bei Salonen (DG). Da käme wahrscheinlich nicht viel mehr als ein grauer Blätterberg mit den exponierten Stimmen heraus. Anders als bei Barenboim wirkt das Orchesterspiel aber trotzdem noch geläufig, profunder, sogar hitzig. Beim „Danse de la terre“ erreicht Gergiev so etwas wie eine „vordergründige Perfektion des Wilden“, allerdings ohne viel Substanz dahinter, aber doch mehr als nur Fassade, er erreicht es, sagenhaften Druck in die Musik reinzudrücken.

Beim zweiten Teil herrscht zu Beginn dagegen ein undefinierter Klangbrei, wobei nicht ganz klar ist, ob damit eine Art von „Ursuppe“ gemeint ist, aus der das Leben (freilich erst nach dem Menschenopfer) entstehen wird. An schneidigen Bläserattacken mangelt es keineswegs, sie wirken fast wie Laserstrahlen. Den Trompeteneinsatz mit den „Zwölftolen“ vermisst man, aber immerhin ist die Piccolotrompete an dieser Stelle präsent.  Der „Danse sacrale“ kommt rhythmisch nicht so scharf umrissen wie bei den besten. Das Schlagwerk verblasst über weite Passagen gegenüber dem Blech. Der letzte Akkord klingt zwar besonders saftig, setzt aber verzögert ein. Was soll das? Insgesamt macht diese Einspielung einen ambivalenten Eindruck. Einerseits werden die Tempi rigide eingehalten und sie wirkt enorm aufgeheizt, macht aber nur einen vordergründig kontrollierten Eindruck, der sich bei genauem Hinhören jedoch nicht bestätigt. Die urwüchsig brutalen Elemente bringt das Orchester zur Geltung wie kaum ein anderes, an den komplizierten verliert es jedoch die Kontenance. Könnte es sein, dass Gergiev das Stück nicht durch und durch beherrscht?

Der Klang ist strahlkräftig, brillant, sehr dynamisch und insgesamt sehr angenehm. Die Gran Cassa klingt extrem wuchtig, der Bass des übrigen Orchesters bewirkt eine gute Grundierung.

 

4

Eliahu Inbal

Philharmonia Orchestra London

Teldec

1989

16:32  18:13  34:45

Das Fagott in Eliahu Inbals Einspielung klingt kaum wie ein solches. Auch die übrigen Holzbläser wirken zu Beginn wie versachlicht, geben also kaum persönliche Zutaten Preis. Der Eindruck ist entsprechend neutral. Die Farbgebung, die sich dadurch einstellt, wirkt kühl, quasi winterlich. Die Partituranweisungen werden strikt befolgt. Die Tempi wirken zügiger als sie sind, zünden aber nicht. Die Artikulation und Klangfarbe erklingen mustergütig neutral. Und das sogar beim zu dieser Zeit eigentlich so warm klingenden Philharmonia Orchestra. Es hat den Eindruck, als kenne Inbal die Meinung Strawinskys zum Thema Interpretation seiner Werke ganz genau. Rhythmisch sehr präzise und dabei sehr wohl gut akzentuiert wirkt das Spiel ebenfalls. Trotz der an den betreffenden Stellen angezogenen Tempi wird der Gestus kaum archaisch oder gar wild. Einen gewissen Drive vernimmt man auch beim „Danse de la terre“ durchaus, die letzten Schleusen werden jedoch nicht geöffnet. Trotz schnellen Tempos kommt das Orchester nicht richtig aus sich heraus, wird kein ekstatisches Level erreicht.

Die Introduktion zum zweiten Teil wirkt kristallin und eisig. Die frostige Landschaft wirkt so erneut ein wenig farbschwach. Im Verlauf wirken die fff der Hörner und Trompeten zu schwach, die Posaunen kommen etwas besser weg. Da hilft allein die Gran Cassa nicht viel. In Verbindung mit den nun mäßigen Tempi lässt sich bei den Hörern kein Feuer entfachen. Die Schusssteigerung allerdings ab Zf. 198 bekommen nicht viele so überzeugend hin. Insgesamt kommt Inbal Strawinskys Eigeninterpretation ziemlich nah, wirkt jedoch glatter, nicht ganz so stimmig (oder besser etwas zu stimmig) und weniger ekstatisch.

Der Klang ist klar, transparent und dynamisch, die Gran Cassa sogar sehr dynamisch. Die kühlen Farben werden sicher auch von der noch recht frühen Digitalaufnahme gefördert. Die Sony-Techniker konnten dem gleichen Orchester im gleichen Jahr lebendigere Klangfarben einhauchen (Salonen).

 

4

Antal Dorati

Detroit Symphony Orchestra

Decca

1981

15:52  17:42  33:34

CD und LP  Aus Antal Doratis (nun bereits 75 Jahre alt) atemloser Hatz in der Aufnahme von 1959 ist in dieser Einspielung, die im zehnten Todesjahr Strawinskys entstand, eine vergleichsweise großväterliche Temponahme geworden. Aber nur im Vergleich zu seinen eigenen Einspielungen, die nicht nur in dieser Beziehung die höchste Messlatte legen. Er lässt tief in die Partitur blicken und ohne das Orchester zu drillen, geht er nun maßvoller, aber auch konventioneller mit dem Stück um. Die ultimative rhythmische Straffheit und der emotional hocherhitze Ausdruck ist auf das Normalmaß abgekühlt. Das gute Orchester folgt den sachkundigen Anweisungen des Dirigenten sehr gut und weiß auch entlegener Stimmen offenzulegen. Die gar nicht so seltenen kantablen Passagen klingen nun im Vergleich zur 59er Aufnahme fast balsamisch. Der Dirigent geht nun rücksichtsvoller mit dem Orchester um. An die Besessenheit, die das Orchester aus Minneapolis gepackt hat, darf man allerdings nicht denken. Der „Danse de la terre“ ist in Tempo und Dynamik immer noch ziemlich mitreißend aber kein Vergleich zur Attacke der Wahnsinnigen, in der der Boden sich zu öffnen scheint, den man in der 59er Einspielung Doratis erlebt.

Im zweiten Teil klingt das Vivo ab Zf. 104 immer noch mit Verve, während der Paukeneinsatz 1 T. nach 121 ganz fehlt, obwohl er eigentlich ff zu hören sein sollte. Die Hörner 1 T. nach 135 klingen nun viel harmloser und wirken gegenüber 1953 und 59 nach hinten versetzt. Der „Sacre“ wirkt nun auch bei Dorati gebändigt, ist auch bei ihm zum „Klassiker“ geworden. Im „Danse sacrale“ klingt das Marcato nun längst nicht mehr so brutal, das Staccato nicht mehr so elektrisierend. Die Einspielung wirkt sehr gut erarbeitet und fernab lässiger oder glatter Routine gespielt. Die Gran Cassa klingt am Schluss sehr lange nach.

Der Klang wirkt nun ausladender und weiträumiger als bei den Mercury-Aufnahmen. Die Hörner werden nur noch matt belichtet. Die Gran Cassa klingt nun tiefer und voluminöser, wirkt im Tutti etwas halliger. Sie ist kaum weniger dynamisch aber lange nicht mehr so anspringend direkt und unmittelbar. Leichte Härte in den frühdigitalen Höhen, aber insgesamt gut zu goutieren.

Die LP klingt tiefer gestaffelt, weicher und etwas sonorer. Es sind fast keine Laufgeräusche zu hören. Die Dynamik lässt bei unserem Exemplar im Platteninneren, also gerade bei der extremen Dynamik des „Danse de laterre“ und des „Danse sacrale“ etwas nach.

 

4

Riccardo Chailly

Radio Sinfonie Orchester Berlin (heute: Deutsches Sinfonieorchester Berlin)

SFB

1981

15:55  16:32  32:27

LP  Im Mitschnitt des damaligen SFB, der anlässlich des Einstandes von Riccardo Chailly als Chefdirigent des Orchesters gefertigt wurde, hat der Dirigent bereits alles im Griff. Er hält die Tempi exakt, hat stets ein Auge auf das Holz und lässt uns die horizontalen Schichten der Komposition exakt verfolgen. Das Orchester verfügt über eine sehr gute Innenbalance, einen reichhaltigen Klang, ein exzellentes Marcato. Es spielt beschwingt und musikantisch auf. An die virtuose, völlig ungehemmte Leichtigkeit des Cleveland Orchestra in der Einspielung Chaillys nur vier Jahre später, kommt es nicht heran.

Auch der zweite Teil beginnt atmosphärisch dicht, klanglich leicht und luzide. Das „très lointain“ der Hörner (Zf. 89) wird sehr gut umgesetzt (auch von den Rundfunktechnikern). Das Orchesterspiel wirkt differenziert. Das Vivo ab Zf. 104 rasant. Ungeschnitten und ein Vergnügen zuzuhören. Was für ein Unterschied zur Schnitzeljagd bei Barenboim. Durch die Taktwechsel wird das Orchester sicher und recht locker geführt. Nur die beiden Schlussakkorde fallen zusammen.

Die Crux dieser Einspielung ist ihr Klang. Er lässt das Orchester zwar gut gestaffelt hören und legt es in ein gutes Panorama, aber die Dynamik lässt zu wünschen übrig, wirkt rundfunkmäßig komprimiert. Zudem wirkt der Gesamtklang wenig brillant, sogar stumpf. Kein Vergleich zur Decca-Aufnahme mit Chailly aus Cleveland von 1985.

 

4

Ernest Ansermet

Orchestre de la Suisse Romande

Decca

1957

15:52  17:45  33:37

Ernest Ansermet, ein langjähriger Weggefährte des Komponisten und Nachfolger Pierre Monteuxs bei den „Ballets russes“ Djaghilews, hat bereits eine Mono-Aufnahme im Jahre 1950 für Decca produziert. Decca selbst hatte damals schon ein Tonstudio in der akustisch hervorragenden Genfer Victoria-Hall installiert und immer auf dem neuesten Stand gehalten. Die erste Stereo-Aufnahme in Genf datiert bereits von 1954. Daher gibt es sehr viele Einspielungen von Ansermet und dem Orchester, die meist den damaligen Standard definierten. Zumindest aufnahmetechnisch. Wie bei Boulez´ erster Einspielung begrüßt uns zur Introduktion ein klanglich sehr helles Fagott französischer Bauart, das wahrscheinlich ähnlich klingt, wie es 1913 bei der Uraufführung geklungen haben mag. Die Intonation ist problematisch. Im weiteren Verlauf scheinen sich die verschiedenen Intonationsprobleme im Holzbläsersatz zu addieren. Der Gestus erscheint erheblich „impressionistischer“ eingefärbt, wie z.B. bei Ancerl oder dem Komponisten selbst. Monteux mag hier ein Wahlverwandter sein. Die „Abstriche“ ab Zf. 49 wirken recht konziliant, klingen nicht mit der Schärfe Ancerls. Die Flatterzuge bringen die Genfer sehr gut, oft genug hört man sie gar nicht. Die Gesamtatmosphäre erscheint stimmig. Klanglich bleibt das Blech bisweilen in der Lautstärke hinter den Streichern zurück. Die Transparenz verschlechtert sich bei orchestralen Massierungen, sodass sogar die Gran Cassa zu verschwinden droht. Dieses Phänomen ist kaum auf die Technik zurückzuführen. Im „Danse de la terre“ fehlt das Tam-Tam gänzlich. Das Orchester kommt an die Virtuosität der besten nicht heran und scheint auch dynamisch begrenzt, die lauten Instrumente (Blech, Gran Cassa) ragen dynamisch nicht aus dem Gesamtklang hervor. Das gilt auch für den „Danse sacrale“ der nicht mit dem beherzten Zugriff und der gleichen Spannung gegeben wird, wie dies bei Ancerl gelingt. Er klingt recht hell und das ekstatische Tempo der besten fehlt auch.

Noch eine kurze Ergänzung zum Verhältnis Ansermet-Strawinsky. Später kam es zu Verstimmungen im so viele Jahre freundschaftlichen Verhältnis. Bei Ansermet wegen der Zuwendung Strawinskys zur 12-Ton-Musik nach Schönbergs Tod, den er nicht nachvollziehen konnte und umgekehrt, weil Ansermet die vielen Neufassungen, die Strawinsky von seinen Werken (meist aus Copyright-Gründen) anfertigte, heftig kritisierte.

Ansermet beschreitet interpretatorisch einen Mittelweg zwischen Strawinskys Nüchternheit und dem überhitzten und bisweilen überzeichneten Gestus eines Gergiev. Heute vermisst man die Klarheit und kompromisslose Offenlegung der Faktur und eine bessere Orchesterleistung. Das kundige Dirigat ist zu würdigen.

Klanglich erwartet uns keine völlige Transparenz bei vollem Orchestereinsatz. Der Klang wirkt für heutige Ohren etwas dünn. Er ist aber für die Aufnahmezeit schon recht voll und brillant.

 

4

Eiji Oue

Minnesota Orchestra

Reference Recordings

1996

15:20  17:55  33:15

Das Fagott klingt in dieser Einspielung in der hohen Lage mehr wie ein Sopransaxophon. Bei Oue wirken die Marcati wenig heftig, was dem „Tanz der jungen Mädchen“ nicht schlecht bekommt. Auch das Sostenuto e pesante (ab Zf. 49) klingt sehr leicht (also keineswegs pesante) und kaum sostenuto (gehalten), auch die Phrasierung bleibt locker. Überhaupt wirkt das Stück nun wenig schwer, trotz der guten Präsenz der Basslinie. Die Tempogestaltung meidet die Extreme, der Gestus bleibt meist unforciert.

Das Orchester spielt weit weniger glatt aber auch weniger mühelos als das Orchester aus Philadelphia bei Nézet-Seguin oder das MET Orchestra. Die Darbietung wirkt lebendig vor allem in den schnelleren, eruptiven Passagen, die leisen geraten meist kühl und ausdrucksschwach. Einen spezifisch eigenen Weg schlägt Oue mit dieser Interpretation nicht ein.

Die einzelnen Instrumente werden sehr gut fokussiert, das Gesamtklangbild wirkt aufgeräumt, sauber und sehr dynamisch, verbreitet aber wenig Wärme, es ist ja auch noch Winter. Die Gran Cassa klingt besonders wenn man die HDCD-Kodierung beim Abspielen nicht aktiviert bisweilen rekordverdächtig brutal. Insgesamt hat der Klang wenig Schmelz, was besonders von den Streichern ausgeht (bzw. ihrer Aufnahme).

 

4

Krzystof Urbánski

NDR Elbphilharmonie Orchester, Hamburg

Alpha

2016

16:00  19:45  35:45

CD und Blu Ray  In dieser Einspielung aus der Elbphilharmonie kommen wir in den Genuss eines Holzbläserspiels auf höchstem Niveau. Die Tempi sind alles andere als hastig und strahlen viel Ruhe aus. Das präzise Spiel wirkt nie so glatt wie z.B. bei Salonen und dem Philharmonia Orchestra oder Nézet-Seguin. Nachteilig macht sich bemerkbar, dass die Balance zugunsten der Bläser verschoben ist, oder vielmehr umgekehrt, dass die Streicher viel zu schwach ins Bild kommen. Das Spiel mutet sehr subtil an, kann jedoch über weite Passagen keine rechte Spannung aufbauen, sie hängt sogar ein wenig durch. Auch der „Danse sacrale“ beginnt ohne Spannung zwar sehr präzise und deutlich, aber auch sehr langsam. Unbegreiflich ist es, dass nun die Bläser wie weggedimmt erscheinen. Wenn eine Tänzerin dafür in den Fokus rücken würde, wäre das noch hinnehmbar, dem ist aber nicht so. Gemeinsam mit dem fast schon zeitlupenhaften Tempo fehlt dem Tanz fast jeder Biss und er wirkt insgesamt flau und wenig mitreißend. Die Gran Cassa klingt allerdings uneingeschränkt furchteinflößend. Das allein reicht aber nicht.

Der Klang der CD ist füllig und körperhaft, sauber und klar, luftig und gut gestaffelt, dynamisch weit, jedoch wenig sonor. Die Streicher müssten präsenter sein, auch um den Bläsern ein adäquates Gegengewicht zu bieten. Der Klang könnte opulent genannt werden, wären die Streicher fülliger und wärmer eingefangen worden. Ob dies am Klang dieser Instrumentengruppe, an der aufnahmetechnischen Disposition oder an einer Eigenheit des Konzertsaals liegt, ließe sich kaum entscheiden, wenn der CD nicht auch noch eine Blu-Ray vom Konzertmitschnitt beigelegt wäre, der zwei Monate später als die CD-Aufnahme, ebenfalls in der Elbphilharmonie, entstanden ist. Im gehörten 5-Kanal-Modus (DTS Master-Audio 5.1) werden die Streicher gut, recht plastisch und im besseren Verhältnis zu den Bläsern positioniert. Am weichen, wenig bissigen, entfernten Gesamtklang ändert sich jedoch nichts, genauso wenig wie an den gewählten Tempi, die den Rhythmus zwar leichter ausführbar werden lassen, aber auch wenig ekstatische Zuspitzung hervorbringen. Man sieht jedoch, wie effektvoll der junge, auswendig dirigierende Dirigent das Orchester durch das Werk führt. Das Hamburger Publikum war begeistert.

 

4

Herbert von Karajan

Berliner Philharmoniker

DG

1963-64

15:31  19:01  34:01

Zum 50jährigen Jubiläum 1963 ist Karajans erste Einspielung aus der Dahlemer Jesus-Christus-Kirche nicht ganz fertig geworden. Eine Nachproduktion Anfang 1964 war noch erforderlich. Auch zu dieser Einspielung gibt es eine Kritik vom Meister persönlich, geschrieben im Oktober 1964 für die Zeitschrift HI-FI Stereo, teilweise aus Verärgerung über die unnützen Verallgemeinerungen in den meisten Schallplattenrezensionen. Die können wir uns nicht entgehen lassen:

„Resümee: Die Aufnahme ist im Allgemeinen gut, die Aufführung im Allgemeinen seltsam, wenn auch auf ihre eigene Weise verfeinert? in der Tat verfeinert: ein domestizierter Wilder, kein wirklicher. Der Hauptfehler liegt im Hang zum sostenuto; hier sind die Längen der Töne eigentlich dieselben, wie sie bei Wagner oder Brahms wären: das dämpft die Energie der Musik und lässt das, was an rhythmischer Artikulation vorhanden ist, mühsam erklingen. Aber vielleicht hätte ich damit beginnen müssen, dass die Musik der Kultur ihrer Ausführenden fremd ist. Schönberg erkannte sie als einen Angriff auf die mitteleuropäische Tradition, als er sagte, es erinnere ihn an »die wilden Negerpotentaten, die nichts weiter anhaben als Krawatte und Zylinderhut«. (Als ihm 1925 berichtet wurde, ich hätte erklärt, sein Zwölftonsystem sei eine Sackgasse, antwortete er: »Es gibt keine sackere Gasse als >Sacre<.«) Aber ich zweifele, ob „Le Sacre“ befriedigend im Rahmen der Tradition des Herrn von Karajan aufgeführt werden könnte. Ich möchte nicht unterstellen, dass er nun dabei nicht in seinen Tiefen sei, sondern dass er in meinen Untiefen ist? beziehungsweise meinen einfachen Massenbildungen und Vergegenständlichungen. Es gibt im Sacre du printemps einfach keine Bereiche der Seelenforschung.“

Zu ergänzen wäre, dass die Einspielung weniger transparent klingt als die allermeisten hier versammelten. Das karajansche „Sfumato“ ist jedoch in vielen seiner Einspielungen noch stärker zum Einsatz gekommen. Die ausgeprägte Legato-Kultur Karajans findet in diesem Werk einfach nicht das passende Objekt. Rhythmisch ist der „Sacre“ sowieso ein Brett, dass sich von Karajan nur schwer bohren ließ. Er übte immer weiter daran und verbesserte sein Ergebnis schließlich in der zweiten Studioaufnahme. Sicher nahm er sich Strawinskys Kritik zu Herzen (vielleicht nur insgeheim). Die Berliner hätten mit Dorati, Fricsay oder Markevitch damals sicher ein ganz anderes Ergebnis hinbekommen, aber auch mit Karajan spielen sie motiviert auf. Wo bekommt man überhaupt so eine schöne Flöte oder so ein schönes Horn geboten? Glenn Gould meinte damals zu der Einspielung, sie sei die fantasievollste und für sich genommen die inspirierteste, wobei unbekannt ist, wie viele er überhaupt kannte. An romantisch leuchtenden Klangfarben wird nicht gespart. Seltsamkeiten gibt es allerdings auch. Von Zf. 32 bis 37 („Jeu du rapt“) dreht man plötzlich den Pegel runter (wahrscheinlich ein eingesetztes Stück vom Vorjahr?). Die Akzente wirken nicht immer hart genug. Das Orchester spielt nicht immer ganz zusammen, der ein oder andere Rhythmus gerät ein wenig weich. Das ppp gelingt aber, wie so oft bei Karajan unerhört gut und die Strahlkraft des Bleches ist überragend, klingt mitunter aber mehr nach Strauss, Brahms oder Wagner, als spezifisch nach „Sacre“. Was aber auch daran liegen könnte, dass man das Orchester damit am besten kennt und sofort mit diesen Komponisten assoziiert. Die Percussion wirkt klanglich zurückgedrängt, fast so, als wollte man nicht so viel von ihr hören.

In der Introduktion wird jedes Legato und Cantabile dankbar und eifrig angenommen und schönst möglich ausgeformt. Die Flageoletts der Geigen klingen einmalig schön. Ein Fest an Klangfarben mit durchaus geheimnisvoller Wirkung. Die dynamische Abstufung ist überaus verfeinert und vom Papier her zutreffend. Diese Überfeinerung mag manch Hörer/in dennoch geschmäcklerisch vorkommen. Heidnisches Russland trifft Galeries Lafayette sozusagen. Auch bei Karajan sind die Triolen der Pauke eigentlich zu schnell (1 nach 121, 122, 3 nach 122 und 3 nach 124), das machen aber einige so (die Minderheit). Die Streicher klingen mit der Sordine unglaublich schön. Details wie die „Zwölftolen“ der Trompete (1 nach 134) fallen dagegen unter den Tisch. In der „Action rituelle des ancêtres“ bleibt Karajan nicht ganz im Tempo. Der rhythmisch so tückische „Danse sacrale“ wirkt recht langsam (wie bei Urbánski) und wie vorsichtig durchgezählt. In der zweiten DG-Aufnahme gelingt Karajan das viel besser. Es kommt einem so vor, als wäre überall ein Bindebogen mitgedacht worden. Reduzierte Ekstase.

Der Klang belässt das Orchester in natürlich wirkenden Relationen zueinander, nichts wirkt aufgeblasen oder zurückgesetzt. Aufnahmetechnisch dieselbe Disposition wie bei Brahms oder Tschaikowsky. Weich und rund wie immer. Wie meist bei den Berlinern: gute Durchzeichnung der Basslinie. Insgesamt ein wenig streicherlastig (wie immer beim Karajan jener Zeit). Die Gran Cassa fällt nicht aus dem Gesamtklang heraus, aber auch kaum auf.

,

4

Teodor Currentzis

MusicAeterna

Sony

2013

15:56  19:15  35:11

Und schon wieder eine „Jahrhundertaufnahme“, aber nur wegen des Aufnahmejahres, nicht aus musikalischer Sicht. Die Introduktion in einheitlicher Lautstärke wirkt ziemlich starr, zumindest bis zum ff der Es-Klarinette. Erst ab Zf. 13 Tempo giusto wird es hier lebendiger und energetischer. Dann allerdings drängend. Durchaus tänzerisch und sehr transparent. Die Gran Cassa ist eine wahre Wuchtwumme.  Bei Zf. 25 hören wir das Horn sehr schön von draußen. Das Orchester kommt an die Virtuosität und an den Klangfarbenreichtum z.B.  der Cleveländer bei Boulez nicht heran. Das Wilde und Archaische bleibt im herkömmlichen Rahmen einer guten Einspielung. Das Guero (die Ratschgurke) im Abschnitt „Cortège du Sage“ (Prozession des Weisen) ist unhörbar, damit ist sein einziger Einsatz „vergurkt“. Der „Danse de la terre“ stellt das Tam-Tam sehr aufmerksam vor, wirkt ziemlich hurtig und kühl und lässt die extreme Ekstase (Markevitch, Dorati (1953 und 59), Bernstein (1958) vermissen.

Das Tempo der zweiten Introduktion wirkt langsam und träge, eine besondere Atmosphäre will sich nicht einstellen.  Auch eine Vorahnung auf das, was noch kommen soll, bleibt aus. Irgendwie einschläfernd.  An 1 nach Zf. 103 schaltet Currentzis dann auf stürmisch. Es gibt jedoch immer wieder spannungslose Abschnitte. Der „Danse sacrale“ wirkt dann lahm und lasch, wie durchbuchstabiert, als Ganzes irgendwie desinteressiert und lustlos. Es fehlt vor allem ein crispes Tempo. Einige interessante Details retten nicht viel. Wir vermissen die Überraschungsmomente und/oder die Spontaneität von Currentzis´ Mozart-Aufnahmen. Gut gespielter, gut klingender Durchschnitt.

Der Klang zeigt eine gute Transparenz und eine ordentliche Staffelung. Die Dynamik ist gut. Die Körperhaftigkeit bleibt für so eine relativ aktuelle Aufnahme hinter der Erwartung zurück. Der Gesamtklang wirkt ein wenig seziert und steril, bleibt nur eine Summe von Einzelheiten ohne zu einem klingenden Plenum zu werden.

 

4

James de Preist

Oregon Symphony Orchestra

Delos

2000

15:19  16:44  32:03 

Das Fagott-Solo ist so präsent und plastisch, dass es sehr nah am Ohr der Hörer erklingt. Das gilt auch für alle weiteren Soli der Introduktion, die in der typisch amerikanischen Ton- und Farbgebung erklingen. Vor allem bei den Streichern ist das Spiel mitunter rhythmisch etwas verschliffen. Der „Abstrich“ bei den Streichern bei „Rondes printainières“ klingt wenig gewichtig. Das Spiel wirkt als Ganzes nicht gerade leichtgängig, aber auch nicht schwerfällig. Das Orchester ist ausgeglichen besetzt, spielt ziemlich schlackenlos, wenn auch nicht übermäßig brillant. Die Tempi überzeugen, der Gestus erscheint an den betreffenden Stellen wenig eruptiv. Die „Klangregie“ des Dirigenten ist untadelig, wenn man auf etwas Biss verzichten kann. So wird gerade die Intro zum zweiten Teil feinsinnig ausgehört, jedoch mit impressionistischer Note. Dass die Pauke nur schwach durchkommt, ist ein Verlust. Bei der dynamischen Gran Cassa gelingt das viel besser, was den Verlust bei der Pauke aber umso auffälliger werden lässt im ansonsten gut organisierten Klang. Der „Danse sacrale“ wird flüssig gespielt in einer insgesamt zurückhaltenden Gesamtlautstärke, nur um gegen Ende ohrenbetäubende Grade zu erreichen (kein Lärm!). Auch die Pauke fordert jetzt selbstbewusst ihr Recht. Die gut abgestufte Gran Cassa schießt nun quasi explosionsartig „den Vogel“ ab.

Gut gemeistert und dabei ohne ins Schwitzen zu kommen, eine solide Unternehmung.

Homogen, klar und deutlich, jedoch nicht wie bei Currentzis beinahe schon seziert, wirkt der Gesamtklang sogar einigermaßen warm und natürlich abgetönt.  Das Blech und das Holz kommen besser zur Geltung als die zurückhaltenden Streicher. Besonders den Violinen fehlt die rechte Substanz.  Die Dynamik ist in Ordnung, abgesehen von der am Ende „den Vogel abschießenden“ Gran Cassa. Es fehlt insgesamt ein wenig an Strahlkraft.

 

4

Eduardo Mata

Dallas Symphony Orchestra

Dorian

1991

16:39  19:35  36:14

Bei Eduardo Mata erklingt die Introduktion mit den genauso vorgesehenen leisen Tönen. Sie wirkt hier aufsehenerregend schüchtern und unschuldig, wie es bisher noch nie geklungen hat. Im weiteren Verlauf stört dann jedoch das tranige Tempo und die teils behäbigen Akzente. Das Spiel ohne Drive wirkt beschaulich, so als dufte es bereits nach Veilchen und die Krokusse und Narzissen stünden bereits in voller Blüte. Ob Mata sein Orchester nicht überfordern wollte? Dafür gibt es keine Anzeichen, denn zumindest in diesem Tempo spielt es makellos. Der Gestus wirkt nicht durchbuchstabiert, das wäre in dem Zusammenhand unbedingt zu erwähnen. Erstaunlicher Weise bringt Mata bei Zf. 48 tranquillo nun ein zügiges Tempo. Das Warum bleibt sein Geheimnis. Ab Zf. 49 Sotenuto e pesante ist er aber sogleich wieder im alten Fahrwasser. Beim „Danse de la terre“ kommt keine archaische Wildheit auf. Viel domestizierter noch als bei Karajan (1964). Das revolutionäre im Gestus der Musik bleibt ganz weit im Hintergrund.

Bei der Introduktion zum zweiten Teil werden die impressionistischen Farbreize gut herausgearbeitet. Man fühlt sich eher einer lähmenden Schwüle (Largo), denn vorfrühlingshafter Kühle ausgesetzt. Dem dolcissimo (Zf. 87) wird das Spiel vorbildlich gerecht. Insgesamt wirkt die Szenerie durchaus geheimnisvoll. Das Tänzerische der folgenden Abschnitte bleibt durch das behäbige Tempo etwas unterbelichtet. Das „Ritual“ wirkt dadurch hingegen treffend statisch. Es fehlt dieser Einspielung keineswegs an vorbildlicher Detailarbeit, so sind die „Zwölftolen“ der Trompete hervorragend hörbar (Zf. 134) und der Hörnerchor (1 nach 138) wird exzellent präsentiert, ihr fff überstrahlt den Rest des Orchesters, wie es die Partitur nahelegt. Der „Danse sacrale“ fällt einerseits mit mustergültiger Detailarbeit und andererseits mit der angezogenen Handbremse auf, mit der es hier voran geht. Die Partitur könnte wohl mitgeschrieben werden, aber kann man sich bei dem Tempo wirklich tottanzen?

Das Orchester wird besonders in die Tiefe des Raums sehr gut gestaffelt, es fehlt hingegen anspringende Präsenz. Die Transparenz ist sehr gut, die Instrumente werden sauber und genau fokussiert. Die Klangfarben wirken bereits natürlich und warm getönt. Die Gran Cassa verfügt mit ihrer besonders weit gespreizten Dynamik über hohe Schauwerte.

 

4

Rafael Frühbeck de Burgos

New Philharmonia Orchestra London

EMI

1966

15:52  18:28  34:20

Diese Einspielung ließ die Hörer bereits 1966 in der Introduktion tief in das Orchester hineinhören. Bei Zf. 8 wird die Altflöte zwischen Piccolo und großer Flöte erstmals völlig präsent gemacht. Das Spiel des Orchesters wirkt spannend, die Akzente gelingen besonders grell und Genauigkeit geht vor Tempo. Eine musikalische Darbietung, die das Rohe der Komposition auch durch schönes Spiel und Legato-Kultur konterkarieren möchte, ähnlich wie bei Karajan. Wie er lässt auch Frühbeck die einzelnen Blöcke kraftvoll aufeinanderprallen. Sostenuto e pesante klingt hingegen zu leichtgewichtig. Bei Frühbeck wirkt „Sacre“ eher wie ein lebendiger Organismus, weniger sacral-statuarisch. Das Orchester spielt recht kontrastreich und engagiert, aber nicht ganz perfekt. Beim „Danse de la terre“ wird leider eine Hallglocke über das Orchester gezogen, die merklich Transparenz raubt. Traute man dem Orchester nicht zu, einem scharfen Blick standzuhalten?

Auch im weiteren Verlauf erweisen sich die leiseren Partien als die starken. Das fängt schon bei der Introduktion an, die vielgestaltig und ausdrucksstark erscheint. Sie werden auch vom Team der Technik transparent und mit viel Präsenz gefördert, während die lauten immer gefährdet erscheinen, als wäre nicht genug Kapazität für die Dynamik des Orchesters vorhanden. 1959 bei Markevitch gelang das noch viel besser. 

Noch schnell zwei Anmerkungen: Bei Zf. 129 erreicht Frühbeck ein suggestives Spiel wie beim Stierkampf, bei Zf. 134 gibt es keine „Zwölftolen“ von Trompete und Flöte. Der „Danse sacrale“ erklingt langsam und behäbig, jedoch differenziert und ziemlich spannend. Die Marcati und sf werden stark herausgestellt. Trotz langsamen Tempos gute Zuspitzung. Je lauter das Orchester spielt, desto schärfer und schriller erscheint der Klang. Knackig und straff ist er nicht. In dieser Einspielung hat die Technik mehr Probleme als das musikalische Personal.

Vernehmbares Rauschen, recht plastisches, groß dimensioniertes, gut gestaffeltes Klangbild, leicht hallig. Transparenz und Präsenz sind so lange in Ordnung, bis das Orchester voll aufdreht, dann wird es unübersichtlich, bisweilen zudem auch schrill. Der zu unbedämpfte Raum führt dann zu einer gewissen Härte, wirkt dann blechern und scharf. Die Violinen klingen mitunter silbrig und wenig sonor, Gran Cassa und Pauke weit entfernt und wenig wuchtig. Sie sind sehr klein abgebildet. Die Pauke wirkt zu weich.

 

4

Djansug Kachidze

Tiflis Symphony Orchestra

HDC

unbekannt

17:31  18:32  36:03

In Tiflis wird das Fagottsolo in eine sakrale Aura entrückt. Die Introduktion erhält besonders sehnsuchtsvolle Züge. Im weiteren Verlauf wird die folkloristische Herkunft des Stückes deutlich gemacht. Der Trompeteneinsatz 5 Takte nach Zf. 21 bleibt aus. Da der Aufsprechpegel bereits sehr hoch ist, erlangen die dynamischen Spitzen einen ohrenbetäubenden Level. Trotzdem bleibt der Orchesterklang klar und transparent. Das Sostenuto e pesante wirkt leidend und gedrückt., sodass die „Frühlingsrundtänze“ im weiteren Verlauf auch keinen Grund zur Freude evozieren. Die „Abstriche“ der Streicher klingen wie unbeantwortbare Fragen. Die Melodiefetzen werden, ohne jeden Versuch sie mittels Kantabilität zu erheben, in ihrer ganzen Einfachheit voll ausgespielt. Horntriller klingen ziemlich harmlos, dafür die Tuben 3 T. vor Zf. 65 ff besonders bedrohlich. Der „Danse de la terre“ wirkt wohl sortiert aber nicht besonders aufregend. Das Orchester bietet solide Mittelklasse, einige gut hervorgezauberte Details bei zumeist sehr gelassenen Tempi.

In der Introduktion zum zweiten Teil werden die Dissonanzen ungeschönt ausgespielt, sie klingt leider durchweg viel zu laut. An Präsenz und Transparenz mangelt es hingegen überhaupt nicht. Die Gran Cassa wirkt über lange Strecken schwach, als ob keine Reserven mehr da wären, erst ab Zf. 124 erhebt sie ihre eigenständige „Stimme“. Im „Danse sacrale“ hören wir ein beeindruckend entschlossenes Marcato, das Tam-Tam kommt hervorragend heraus, wie die Schläge einer metallenen Peitsche. Eine bemitleidenswerte „Auserwählte“, die auch das noch ertragen muss. Zum Finale hin wird heißblütig gesteigert.  Insgesamt ist die Einspielung keineswegs so randständig in der 4er-Grupee platziert, wie es aussieht. Bis zur nächsten folgt ein gehöriger Abstand.

Der extrem hohe Aufsprechpegel bewirkt eine enorme Präsenz der Holzbläser, die Instrumente scheinen zum Anfassen vor den Hörern ausgebreitet. Der Klang ist über weite Passagen hin sagenhaft transparent, sehr großräumig aber bei höherer Lautstärke leicht schwammig. Vordergründig wirkt die Aufnahme extrem dynamisch, was sich aber nach dem korrekten Einpegeln normalisiert.

 

 

 

3-4

Sixten Ehrling

Schwedisches Radio-Sinfonie-Orchester Stockholm

BIS

1988

15:47  17:43  33:30

Auch Sixten Ehrling mit dem schwedischen Orchester erreicht eine große Deutlichkeit in der Introduktion. Die Staccati kommen aber längst nicht so spitz und scharf wie bei Dorati. Ehrling lässt die Piccolo-Flöte ganz besonders als schrilles Element hervortreten, diese Chance lassen die allermeisten Dirigenten ungenutzt. Auf eine exakte Realisierung des Notentextes kann man sich bei Sixten Ehrling verlassen. Der Darstellung fehlt es jedoch an jugendlicher Frische, ohne dass sie müde wirken würde. Das immanent Wilde kommt für den Hörer, nur durch seinen weiten Abstand zum Geschehen, gefiltert und mittelbar zur Geltung. In Anbetracht des vom guten, aber nicht überragenden Orchester getriebenen Aufwands ist das bedauerlich.

Auch im zweiten Teil wirkt die Darbietung dynamisch sehr verhalten, denn nur das Schlagwerk bringt die erforderliche Durchschlagskraft mit.  Im „Danse sacrale“ werden vom Spiel her alle Schleusen geöffnet, die erforderliche Wirkung bleibt durch die erhebliche Distanzierung jedoch weitgehend versagt.

Der Klang zeigt eine übertriebene Tiefenstaffelung, wie so oft bei diesem Label wirkt das Orchester zudem zurückgesetzt, was die Distanz weiter erhöht. Musik zum Zuschauen, nicht zum Miterleben ist die Folge. Fehlt so doch jede dazu erforderliche anspringende Präsenz. Dennoch wird eine sehr gute Transparenz vor allem der Holzbläser erreicht. Der Gesamtklang erscheint etwas weniger rund und klangfarbliche Kühle macht sich breit (Violinen!).

 

3-4

Daniel Barenboim

Chicago Symphony Orchestra

Teldec

2000

16:05  18:16  34:21

Von Daniel Barenboim sind uns zwei Einspielungen bekannt, wovon die erste aus Paris noch etwas mehr unter der Unerfahrenheit des Dirigenten mit einem richtig großen Orchester und komplexen Rhythmen leidet. Die zweite aus Chicago wirkt auch aufnahmetechnisch besser durchgezeichnet. Sie beginnt aber, wie bei den alten Monos und einigen frühen Analog-Aufnahmen, sehr laut, vom vorgegebenen p keine Spur. Die Holzbläser wirken wie herangezoomt. Im weiteren Verlauf geht es im Tempo wenig geradlinig und vom Rhythmus her bisweilen unorganisiert weiter. Wozu braucht es hier ein derartiges Rubato? Fast hat es den Eindruck, dass einzelne Takes aneinandergeschnitten wurden, die nicht ganz dasselbe Tempo hatten. Eine greifbare Atmosphäre stellt sich nicht ein. Barenboim scheint nur auf vordergründige Klangpracht aus zu sein. Diese wird auch geliefert. Es scheint, als gäbe Barenboim nur den Rahmen vor und überlasse das Orchester im Übrigen seinem Schicksal. Dieses Prozedere fängt das als fabelhaft bekannte CSO besser auf als das Orchestre de Paris 14 Jahre zuvor. So zeigt auch der „Danse de la terre“ oberflächlichen Drive aber wenig Stimmentransparenz. Man hört eigentlich nur das lauteste Blech und die heftigsten Akzente der Gran Cassa heraus, ansonsten nur Mulm. Die Einspielung erinnert an die Gergievs, gelingt aber nicht mit dessen Drang und Verve.

Auch der zweite Teil beginnt ungeniert viel zu laut mindestens mf statt p. Allerdings spielt das CSO lange nicht mehr so „impressionistisch“ wie das OdP, die Struktur ist nun besser durchhörbar. Das CSO scheint mit Barenboims Dirigierstil besser zurecht zu kommen. Es spielt kraftvoller und ein wenig unmittelbarer, mit mehr Autorität. Der „Danse sacrale“ wirkt nun besser durchgezeichnet (im Vergleich zu 1984), vom Schluss-Crescendo hört man nichts.

Der Klang ist deutlich dynamischer und präsenter als 1984 in Paris. Die Gran Cassa erheblich imposanter.

 

3-4

Charles Dutoit

Orchestre Symphonique de Montréal

Decca

1984

15:57  18:57  34:54

CD und LP  Dutoit nutzt eine Partitur von 1921, was kaum aufgefallen wäre, wenn es nicht im Booklet zu lesen wäre. Das wäre die erste offizielle Ausgabe gewesen. Gleichmäßig, nahezu akzentfrei und in einer Lautstärke zieht die Musik anfangs ihre Bahn. Aber immerhin klar durchgezogen und tadellos gespielt. Im Verlauf kommen dann zwar die Bewegung und Dynamik ins Spiel, muss ja auch, steht so in der Partitur, die Ecken und Kanten fehlen aber noch immer. Falls das Orchester den Biss bringt, mildert ihn die Akustik stark ab.

Ganz anders als bei Dorati (1953 und 59, weniger 81) wird bei maßvollen Tempi die wohlige Kantabilität hier hochgehalten. Das Spiel in den leisen Partien wirkt deutlich und geschmeidig. Kontrastreichtum und ländliche Rauheit sucht man vergeblich, geboten wird stattdessen großstädtischer Feinschliff. Durch die Klangtechnik werden wir auf Distanz gehalten.  Das Orchester wirkt in keiner Weise aus der Reserve gelockt. Wenn wir an die hervorragende Einspielung Dutoits bei der „Sinfonie in drei Sätzen“ denken, wundern wir uns nun über die vertane Chance bei „Sacre“.

Tiefe Abbildung und leichter Hall lassen auf eine Kirche als Aufnahmeraum schließen. Das Klangbild und die leichte frühdigitale Härte erinnern an die Dorati-Einspielung von 1981, die uns aber insgesamt besser gefiel. Die Klangfarben wirken bei Dutoit kälter und abweisender. Der Sound des Orchesters wirkt in Montréal sogar ein wenig künstlich, wie leblos. Keine Chance für den Frühling.

Die LP verstärkt das softe Klangbild noch ein wenig, ein Rezept gegen die digitale Härte hat sie leider auch nicht.

 

3-4

Leonard Bernstein

London Symphony Orchestra

CBS-Sony

1972

15:47  19:40  35:27

Diese mittlere Einspielung Bernsteins entstand anlässlich eines Gedenkkonzertes zum einjährigen Todestag des Komponisten in London, wozu der Dirigent eingeladen wurde. Man nutzte dazu das EMI-Studio in der Abbey Road. Es war vielleicht nicht die beste Idee, dafür ein Studio der Konkurrenz anzumieten, denn aufnahmetechnisch ist der Einspielung zumindest von unserer CD gehört eine glatte Enttäuschung. Mittlerweile gibt es bei Dutton eine SACD-Ausgabe, die das originale Quadro-Format der Aufnahme wieder zugänglich macht. Da könnte es sich ganz anders anhören.

Bernsteins Herangehensweise erscheint nun rubato-reicher und mehr von romantischer Attitüde erfüllt als noch 1958. Vielleicht lag es an dem noch nahen Tod des Komponisten? Die Holzbläser (besonders Oboe und Englischhorn) klingen hart, die Tutti wirken monumentaler (z.B. Zf. 32 ff), das Orchester generell wenig transparent, im ff des Tutti wird es auch schon einmal tumultös. Das Orchester wirkt sehr stark gefordert, als wolle es Bernstein noch besser machen als zuvor. Wenig schlank wirkt der Klang und nicht selten hollywoodartig aufgebauscht. Der „Danse de la terre“ klingt zwar enorm effektvoll aber weniger strukturiert und mitreißend gespielt, klingt er einfach zu massig.

Noch ein paar Stichworte zum 2. Teil. 1 vor Zf. 85 klingen die beiden Trompeten als spielten sie in der „West Side Story“. Bei Zf. 129 klingt das Englischhorn urplötzlich viel weiter vom Hörer entfernt als noch in der ersten Einleitung. Bei Zf. 132 klingen die Trompeten wie aus weiter Ferne, vielleicht um einen Quadro-Effekt zu demonstrieren oder zu verstärken? Das Tam-Tam kommt sehr gut ins Bild. Der „Danse sacrale“ klingt in dieser Akustik lärmend, vor allem in den letzten Passagen. Viel weniger suggestiv als 1958. Den Musikern sei daraus kein Strick gedreht. Es war ein Spiel auf fremden Platz, auf dem es akustisch nicht harmonierte. Übrigens: Auch in London lässt Bernstein den letzten Akkord mit Verstärkung von Tam-Tam, Zymbel (?) und Ratschgurke spielen.

Klanglich ist diese Einspielung, das kam ja bereits heraus, weniger gelungen, vielleicht war das Beatles-Studio einfach zu klein für das riesige Orchester? Im Tutti ist der Klang jedenfalls viel weniger transparent als 1958 im New Yorker Hotel. So ist eine Tendenz zum mulmigen Durcheinander zu konstatieren. Es lässt sich nur schwer einen Vordergrund und einen Hintergrund ausmachen. Insgesamt zwar voluminöser als 1958, aber nun klotzig. Die eindeutige Empfehlung geht an den 58er Jahrgang.

 

3-4

Simon Rattle

National Youth Orchestra of Great Britain

ASV-Brillant

1977

15:33  17:46  33:19 

In Simon Rattles erster Einspielung dirigierte es, selbst erst 22 Jahre jung, das Jugendorchester Großbritanniens. Das Fagott zu Beginn wirkt entfernt, um nicht zu schreiben entrückt. Das restliche Holz bleibt ebenfalls in dieser Position. Er schlägt ein relativ entspanntes, mitunter betuliches Tempo an, vielleicht auch um das jugendliche Orchester nicht in Schwierigkeiten zu bringen. In diesen Tempi (objektiv sind sie meist schneller als sie wirken) machen die Jugendlichen jedoch einen durchaus sattelfesten Eindruck, ohne je an das Simon Bolivar heranzureichen. Einige Soli und mitunter auch das Zusammenspiel wackeln etwas, es fehlt eben noch ein wenig an selbstbewusster Souveränität. Vor allem bei Trompeten und Hörnern könnte die Treffsicherheit, den höchsten Standard anlegend, noch besser sein. Trotzdem entwickelt sich ein recht spannender Gestus, aber nicht, weil man den jungen Musikern die Daumen drückt, dass alles gut geht.  Das Tam-Tam wird selten so angemessen ins Bild gerückt, nämlich richtig grell. Der „Danse de la terre“ ist besonders gut eingeübt worden, da merkt man den jungen Virtuosen die Lust am Musizieren besonders an. Das hohe Tempo zu gehen muss ja auch Spaß machen, wenn es so gut klappt.

Auch die zweite Introduktion wird gut gestaltet und im abschließenden „Danse sacrale“ erreicht das junge Orchester sogar eine sehr gute Transparenz, spielt fast keine Fehler und klingt sogar richtig sonor. Die Hörner bringen nun einen großartigen Sound hervor. Rattles Tempo wirkt erneut langsam, nicht aus Rücksicht, denn in seiner zweiten zehn Jahre später schlägt er das gleiche Tempo an. Langer Nachhall am Ende. Insgesamt eine tolle Leistung der jungen Musiker, die sich während der Aufführung stets steigern konnten.

Leider wirkt der Klang relativ distanziert, bleibt aber dabei noch erstaunlich transparent.

 

3-4

Dennis Russell Davies

Sinfonieorchester Basel

Eigenproduktion des Orchesters

2013

17:24  18:20  35:44 

Diese Einspielung, erneut eine aus dem „Jahrhundert“-Jahr 2013, wirkt durchgängig ein wenig konventionell und mit zurückhaltenden Tempi musiziert. Mitunter ein bisschen langweilig und buchstabiert. Das Orchester spielt insgesamt professionell aber nicht superpräzise. Es fällt beispielsweise gegenüber dem Orchester „Les siècles“ der im gleichen Jahr entstandenen Einspielung Francois-Xavier Roths in allen Belangen ab. Der Gestus wirkt, auch in den Soli etwas steif-statuarisch, was auch Teil der Interpretation sein könnte. So hat Strawinskys „Ödipus Rex“ stilistisch seine Wurzeln bereits im „Sacre“. Zugleich wirkt das Spiel auch ziemlich legato-fixiert. Nach so vielen nach Geschwindigkeitsrekorden heischenden „Danses de la terre“ wirkt der aus Basel etwas träge. Ein Tanz auf dem noch tief gefrorenen Permafrostboden.

Die Introduktion zum zweiten Teil wirkt ein wenig zu schwelgerisch und vibratoreich, bei erneut statisch-verträumtem Tempo. In dieser Einspielung will kein Drive aufkommen und auch im zweiten Teil spielt das Orchester nicht immer ganz präzise. Auch der „Danse sacrale“ klingt bieder, ohne das gewisse „Thrilling“ und wenig spritzig. Wirkt sogar etwas träge und bieder. Die Gran Cassa klingt bauchig und plump.

Die Aufnahme wirkt weniger farbstark und im ff des Tutti leicht nebulös. Wenn es leise zugeht aber schön transparent. Der Klang der Gran Cassa ist tief klingt aber oft über ihren Notenwert hinaus nach, mitunter wird sie aber auch nicht ungeschickt und fast unmerklich von den Bässen klanglich verlängert. Dynamisch wirkt die Aufnahme eingeschränkt.

 

3-4

Sir Eugene Goossens

London Symphony Orchestra

Everest

1959

16:44  20:56  37:40 

An den Erfolg bei unserem Vergleich der „Sinfonie in drei Sätzen“ kann Sir Eugene Goossens dieses Mal nicht anknüpfen, obwohl ihm auch beim „Sacre“ das damalige Monteux-Orchester zur Verfügung stand. Schon die Introduktion klingt wenig brillant, ab Zf. 11 gibt es dann schon ein erstes (bewusst herbeigeführtes?) Durcheinander. Ab Zf. 2 wird das Tempo dann sehr langsam und ohne jeden drängenden Gestus. Ab Zf. 37 wird es dann zügiger, aber ein echtes Presto wird kaum erreicht. Bei Zf. 49 pesante wird es dann sehr schwer nachdem es bei Zf. 48 bereits sehr tranquillo zuging. Der „Danse de la terre“ wirkt zu Beginn wenig transparent und blockartig, erklingt aber in einem wirklich aberwitzigen Tempo. Das Prestissimo wird voll eingelöst. Leider wird dieses Spannungsniveau im zweiten Höhepunkt, dem „Danse sacrale“ nicht mehr erreicht. Er hört sich an wie ein Probedurchlauf bei dem man noch mit sehr stark reduziertem Tempo auf größtmögliche Sicherheit geht. Insgesamt wirkt die Einspielung seriös aber betulich, die erforderliche Dringlichkeit in der Temponame fehlt, aber auch das archaisch-urwüchsige. Goossens führt das Orchester dieses Mal kaum an seine Grenzen.

Das Orchester wird gut in die Breite hinein gut gestaffelt, weniger gut in die Tiefe aber es wirkt trotzdem sehr übersichtlich. Der Klang wirkt nicht sonderlich brillant, sondern etwas gedeckt und verhangen, Die Dynamik bleibt wenig eruptiv. Kaum zu vergleichen mit Sargents „Kije“ ebenfalls bei Everest aus derselben Zeit.

 

 

 

3

Vladimir Fedoseyev

Großes Rundfunk-Sinfonie-Orchester der UdSSR

Melodiya-ZYX

1981

16:12  19:31  35:43 

Selten ist eine exzellente Interpretation so qualvoll anzuhören wie in dieser Einspielung. Dirigent und Orchester hätten eine adäquate technische Realisierung mehr als verdient gehabt, denn die Tempi sind konzise, die einzelnen Stimmen sind prima zu verfolgen, es hagelt unerbittliche Schläge und das Orchester spielt präzise wie eine Maschine. Der „Danse de la terre“ erklingt in echtem Prestissimo. Die „Zwölftolen“ von Flöte und Trompete (1 T. nach Zf. 134) werden sehr gut hörbar gemacht. Der „Danse sacrale“ wird so wild und bissig gegeben, dass förmlich die Fetzen fliegen. Mit anderen Worten alles bestens?

Nein. Obwohl uns der Klang des Orchesters bestens bekannt ist, klingt es hier wie durch den aufnahmetechnischen Fleischwolf gedreht. Leises wird laut gemacht, lautes leise. Das ff im Tutti klingt einfach schrecklich, aber nicht im Sinne von kongenial zum Stück, sondern im Sinne von unerträglich. Permanent ist ein tieffrequentes Rumpeln zu hören, bekannt von alten LPs, die Streicher klingen erbarmungslos drahtig, das Gesamtklangbild hat wenig Tiefenstaffelung, keine rechte Dynamik und einen gnadenlos harten, schrillen Charakter. Es gab einmal von dieser Einspielung eine LP, die in den achtziger Jahren höchste Bewertungen in anerkannten Fachblättern bekam. Von den dort beschriebenen uns noch gut im Gedächtnis haftenden Qualitäten, ist nach dem Remastering durch Zyx nichts mehr übriggeblieben. Der Gipfel ist der unterschiedliche Nachhall für einzelne Orchestergruppen, als ob sie separat aufgenommen worden wären. Manche bekommen sogar noch eine Echofahne mit auf den Weg ins klangliche Fiasko.

 

3

Daniel Barenboim

Orchestre de Paris

Erato

1986

16:02  18:20  34:22 

In Barenboims erster Einspielung beginnt das Durcheinander der Stimmen schon bald nach dem Fagott-Solo. Es folgt ein Musizieren an den Hauptstimmen entlang, was solange ganz gut geht, bis es komplexer wird, denn bei zunehmender Massierung der Stimmen oder auch zunehmender Dynamik, wird es auch zunehmend undeutlicher.  Ab „Jeu du rapt“ (Spiel der Entführung) rückt das Klangbild plötzlich nach hinten, da wurde wohl eifrig geschnitten. Das Spiel wirkt rhythmisch flüchtig. Die Tempi wenig stringent, eher schleppend. Das gewollt wirkende Rubato drückt eine gewisse Unsicherheit aus, statt sprudelnder Musikalität (oder sind weitere Schnitte der Grund für die Temposchwankungen?) Die Artikulation wirkt legato-geprägt und gehalten statt marcato und straff. Noch viel mehr als bei Karajans erster Einspielung. Beim „Danse de la terre“ wird das Tam-Tam auffallend gut exponiert, auch das Tempo ist gut, aber das Orchester steigert sich überhaupt nicht. Wenn die Gran Cassa nicht wäre, sowieso ein Aktivposten der Einspielung, die Lautstärke bliebe während des Tanzes so gut wie gleich.

Die Introduktion zum 2. Teil atmet den Geist des Impressionismus, ist wenig strukturiert. Der weitere Verlauf erscheint schwammig und langweilig, ohne Biss, denn dem Rhythmus fehlt es an Härte und zugespitzter Schärfe. Im „Danse sacrale“ fehlt dem Orchester die rechte Grundspannung, nur Tam-Tam und Gran Cassa irrlichtern rhythmisch und akustisch hervor, alles andere wird zum Hintergrund degradiert. Insgesamt eine sehr wenig profilierte Darstellung des Jahrhundertwerkes. Dirigieren mit eingeschaltetem „Autopilot“, das funktioniert beim „Sacre“ nicht.

Der Klang ist weit aufgefächert und suggeriert einen sehr großen Raum. Zwischen Fagott und Englischhorn liegen in der Introduktion, wenn man dem Höreindruck glauben darf, duzende Meter. Bei der Dynamik werden bei weitem nicht alle technischen Möglichkeiten ausgeschöpft.

 

3

Hans Peter Gmür (?)

Philharmonia Slavonica (?)

Intersound-Disky, ZYX, De Agostini, Masters Classic, VMS, Mona Lisa, Pilz, New Classical Dimension

Unbekannt, Live

16:36  17:53  34:29

Bei einer Besprechung von Aufnahmen des „Sacre“ von Hartmut Lück in den frühen Neunzigern erwähnt der Autor, dass der hier angeführte Dirigent Stein und Bein schwört, den „Sacre“ nie produziert zu haben. Da es sich um einen Live-Mitschnitt handelt, käme so allenfalls ein „Raubmitschnitt“ infrage. Da es die gleiche Aufnahme auch unter dem Dirigenten Carlos Pantelli gibt, scheint es müßig, weiter zu graben, wer nun tatsächlich der Dirigent war. Letztlich kommt diese Art von „Fakes“ aus der Fälscherwerkstatt von Alfred Scholz. Auch beim Orchester bleiben Fragen offen, so könnten es auch die Münchner Symphoniker sein, die ebenfalls bei der einen oder anderen Ausgabe dieser Einspielung genannt werden. Die Philharmonia Slavonica (die Slowakische Philharmonie oder die Slowenische?) gibt es eigentlich gar nicht. Ähnlich verhält es sich bei der Einspielung Swarowskys, der das Werk ebenfalls nie eingespielt hat. Dahinter soll sich Milan Horvat und das ORF Sinfonieorchester verbergen, dem man auf diese Weise Tantiemen vorenthalten konnte. Diese Einspielung konnten wir leider nicht kurzfristig auftreiben.

Was verbirgt sich nun hinter diesem Silberling musikalisch und klanglich? Fagott so là là, Englischhorn unschön, Oboe mit Intonationsmängeln, wenig energische Rhythmik, träge und lethargisch wirkender Gestus, staccato und marcato wenig ausgeprägt, und davon wimmelt es nur so im „Sacre“. Die Verläufe erfahren kaum Zuspitzung. Die Es-Klarinette klingt „echt schräg“ (Zf. 48), Phrasen werden teilweise nicht ganz ausgespielt. Das mittlerweile oft zitierte Sostenuto e pesante ist weder schwer noch voll, noch gehalten. Bei Zf. 54 Vivo ist die Figur der Flöten unvollständig, bei Zf. 56 erneut eine total schräge Es-Klarinette. Die Dynamik wird wenig kontrastreich gestaltet, die Crescendi klingen halbherzig. Das Orchester hat mit dem Notentext seine liebe Not.  Das Zusammenspiel ist oft mit kleinen Mängeln behaftet, oft unausgewogen und unpräzise. Alles deutet auf ein „Muckenensemble“ (Adhoc-Orchester) mit wenig Vorbereitungszeit hin. Oder ein anderes, jedenfalls mit wenig Vorbereitungszeit.

Auch dem zweiten Teil fehlt es an Klangzauber und Raffinesse. Stets erscheint die Intonation gefährdet, die Dynamik eingeebnet. Der „Danse sacrale“ klingt lahm und uninspiriert, der Dirigent hat dabei alle Mühe, den Laden einigermaßen zusammenzuhalten. Nun der langen Sätze kurzer Sinn: Man merkt hier erstmal, wie gut die anderen Orchester das schwierige Stück gemeistert haben, insofern hat auch diese Einspielung ihre Daseinsberechtigung.

Noch ein paar Worte zum Klang. Das Orchester wirkt räumlich distanziert, klingt mit wenig Fülle, wenig Tiefenstaffelung und schlecht aufgefächert. Die Dynamik ist unbefriedigend. Einige Huster und laut aufgenommene Umblättergeräusche deuten auf eine Live-Aufnahme hin, trotzdem prickelt es überhaupt nicht. Vom Kauf abzuraten.

 

3

Herbert von Karajan

Berliner Philharmoniker

Testament

1972, Live

15:31  18:08  33:39 

Auch dies ist ein Konzertmitschnitt dem der Dirigent, hätte er von seiner Veröffentlichung gewusst, dieser mit Sicherheit niemals zugestimmt hätte. Wahrscheinlich auch wegen des Todes des Komponisten 1971 wieder von Karajan aufs Programm gesetzt, erklang der „Sacre“ auch auf einer Tournee 1972, aufgenommen in diesem Fall von der BBC in der Royal Albert Hall. Es ist anzunehmen, dass die Techniker von einer anderen Sitzordnung des Orchesters ausgegangen sind, denn so unausgewogen wie er hier zu hören ist, kann man sich den Klang der Berliner eigentlich gar nicht vorstellen. Indiz dafür sind die vielen viel zu schwach und zum Teil farblos ins Bild kommenden Holzbläsereinsätze (z.B 1 vor Zf. 7: Flöte viel zu schwach, ähnlich Zf. 27). Besonders drastisch bei Zf. 40 ff hört man die Trompeten (mf) als Hauptstimme, obwohl dies in allen anderen Einspielungen einschließlich in den beiden von Karajan selbst, korrekt eindeutig die Hörner sind (f). Das birgt so wie hier geschehen keinen Sinn. Auffallend ist, wie schlecht die Hörner generell in Bild kommen. Aber auch die Akzente wirken seltsam schlaff, oft wirkt die Artikulation sogar akzentfrei. Der Gestus wirkt über weite Passagen hölzern, das Zusammenspiel spröde. Der „Danse de la terre“ erklingt kaum fiebrig erhitzt. Man hat das Gefühl, dass sich Dirigent uns Orchester nicht wohlfühlen mit dem Stück. Zumindest an diesem Abend. Vieles läuft einfach nicht richtig rund in London. Trotzdem tosender Beifall in London, was den Verdacht stärkt, dass es im Konzertsaal selbst wohl ganz anders geklungen haben mag. Karajan selbst meinte zum Konzertauftritt, dass eine bessere Horngruppe und eine bessere Unterstützung seitens der nebengeordneten Holzbläser nötig wären. Wie bitte? Die Berliner hätten eine bessere Horngruppe nötig? Wenn er da mal nicht vom eigentlichen Problem ablenken wollte.

Die Klangtechnik ist alles andere als hellhörig zu nennen. Blech und Holz sind zu weit im Hintergrund platziert, sodass das Blech wie ein Papiertiger wirkt, statt richtig die Pranken zu zeigen. Man hört zwar, dass es dasselbe Orchester ist wie 1964, aber es klingt, als wären ihm die Flügel gestutzt worden. Blech en miniature eben. Besonders die Hörner trifft es hart, so matt wie sie an diesem Abend klingen.

Wenn Karajan, dann bitte die DG-Einspielung von 1975-77 wählen.

 

3

Sir Georg Solti

Concertgebouw Orchester Amsterdam

Decca

1991, Live

15:02  18:24  33:26 

Es bleibt völlig unverständlich, wieso die CD dieses Live-Mitschnittes aus Amsterdam veröffentlicht werden konnte, denn er stand unter keinem guten Stern. Oder anders formuliert, es ging fast alles schief. Schon das Beiheft bringt außer der korrekten ersten und letzten Seite innen die Beschreibung von Soltis Einspielung mit Debussys „La mer“ und „Trois Nocturnes“, die auf der CD gar nicht enthalten sind. Dann klingt auch das Fagott bereits in der Introduktion schwerfällig und klanglich nicht top.  Ein ganz schlimmer Schnitzer unterläuft dem Pauker. Statt seinem Einsatz bei T. 6 und 7 nach Zf. 63 Folge zu leisten, bringt er ihn erst T. 8 und 9 nach Zf. 43. Da passt er dann überhaupt nicht mehr. Im weiteren Verlauf klingt dann auch einmal das weltberühmte Amsterdamer Orchester flach, wackelig und ziemlich unausgewogen, wie infiziert vom Malheur des bemitleidenswerten Kollegen. Danach ist die Aufführung nicht mehr zu retten. Es ist kaum anzunehmen, dass dem Pauker das gleiche Malheur an den zwei weiteren Abenden noch einmal unterlaufen ist, warum hat man nicht den Mitschnitt eines anderen Abends mit dem korrekten Einsatz genommen?

Zur Introduktion des zweiten Teils erscheint das Orchester ein wenig erholt, ausgewogener und klanglich voller, aber es passieren immer wieder kleine Missgeschicke, die man von ihm nicht kennt. Letztlich erklingt auch der „Danse sacrale“ für Solti untypisch ziemlich betulich, bar jeden ungarischen Feuers. Solti und dem Orchester hat man mit dieser Veröffentlichung, die übrigens zumindest in Japan immer noch im Katalog steht und käuflich zu erwerben ist, einen Bärendienst erwiesent. Unser Rat: wenn Solti, dann mit dem CSO, 1974.

 

 

Vergleich beendet am 8.6.2022