Aufnahmen in herkömmlicher Aufführungspraxis:                   

 

EFK bedeutet: mit Verwendung der erweiterten Flötenkadenz zwischen dem 3. und 4. Satz

 

5

Herbert von Karajan

Berliner Philharmoniker

DG

1972

12:54  6:52  4:24  8:50  33:00

 

Dass Mendelssohn nicht zu den bevorzugten Komponisten Karajans gehörte ist allgemein bekannt. Sein Repertoire sah anders aus: Beethoven, Brahms, Strauss und Bruckner waren seine Hausgötter, die ständig wiederholt wurden. Es kann angenommen werden, dass Karajan diese Sinfonie sogar nur erlernt und mit dem Orchester eingeübt hat, um seine Gesamtaufnahme der Sinfonien dieses Komponisten zu komplettieren. Vielleicht hatte er auch noch etwas dem Komponisten gegenüber gut zu machen? Vielleicht war genau das aber auch ein Segen, dass die Partitur frisch erarbeitet werden musste, denn das Ergebnis hört sich ebenso ungewöhnlich für das Werk wie auch ungewöhnlich für den Personalstil des Maestro an, nämlich frisch und unverbraucht, individuell, geradezu liebevoll-innig und hingebungsvoll.

Doch eins nach dem anderen. Der 1. Satz erhält großes Format. Sofort bemerkt der Hörer die typische Legatokultur Karajans und der Philharmoniker zu jener Zeit. Die Crescendi und Decrescendi auf jeweils einem Ton, wie ausdrücklich in den Takten 5, 6, 7 und dann wieder in 15, 16, 17 und 18 notiert sind, ignoriert Karajan (allerdings wie viele andere auch). Sie passen wahrscheinlich nicht in seine Vorstellung des linienorientierten Spiels. So hört man im Andante vielleicht mehr Karajan als Mendelssohns Vorbild an dieser Stelle, Palestrina, jedoch ist das Spiel ungemein ausdrucksvoll. Keineswegs unpassend sondern natürlich und bereits ziemlich weit in die Romantik gerückt. Die beiden „Dresdner Amen“ klingen fast wie eine kleine Gralserzählung, nirgends klingen sie so von innen magisch leuchtend schön und unerreichbar wie hier. Wie eine Verheißung. In diesem Stadium darf das auch so sein, denn die Glaubenskämpfe folgen ja erst im Hauptsatz.

Das Allegro con fuoco erklingt energisch und aufgewühlt, nicht in dem Maß wie bei Bernstein oder gar Mitropoulos aber doch für Karajan-Verhältnisse extrem nachdrücklich. Der Geigenklang ist von irisierender Schönheit und kontrastiert vortrefflich zu dem hier meist als Antagonist fungierenden Blech. Die bei Mendelssohn besonders heikle Balance kann man trotz der satten Besetzung der Streicher noch als gewahrt bezeichnen, bilden die Bläser doch ein im Klangvolumen ebenso fülliges Gegengewicht. Das Orchester hat in jener Zeit seinen klanglichen Zenit erreicht. In der Durchführung werden die dynamischen Kontraste  durchaus ausgereizt und dramatische Akzente gesetzt. Durch die Durchführung „restlos erschöpft“ wird die Reprise deutlich langsamer begonnen. Der weitere Verlauf wird trefflich gesteigert. Der ganze Satz erscheint unter einen großen Bogen gespannt, aus dem nur die drei „Dresdner Amen“ wie Inseln auratisch hervorscheinen. Die Philharmoniker werden ordentlich gefordert und sind mit großem Ernst und gespannter Virtuosität bei der Sache.

Die beiden Binnensätze gelingen in dieser Einspielung, wenn man vom – wohl von vielen Musikliebhabern möglicherweise als zu langsam empfundenen – Tempo im 2. Satz und was sicher noch wichtiger wäre, von Mendelssohn deutlich schneller gewünschten Tempos einmal absieht in einzigartiger Weise. Nach den Kämpfen im 1. Satz wirkt der 2. nun geradezu unwirklich verspielt, wie aus einer anderen Welt. Karajan lässt ihn extrem klangverliebt und innig spielen. Das betrifft die Phrasierung und die Artikulation gleichermaßen. Das Holz, die Bratschen und Celli sind dabei an Klangschönheit nicht zu überbieten. Das Verhältnis von Streichern zu Bläsern erscheint hier sogar als vollkommen. Im Trio kann man die Spielkultur nur bewundern. (Eine Oboe zum verlieben! In die Celli eigentlich gleich mit.) Man hört hier auch keinen Breitwandsound, der manche der Einspielungen Karajans schwer erträglich macht.  Man agiert stilvoll, versiert und ganz fein. Fast ein Wunder, jedenfalls aber ein Hochgenuss.

Der 3.Satz mit einer Cantabilität wie aus einer anderen Welt gelingt anmutig und innig. Er wird mit berührender Akkuratesse gespielt und geht zu Herzen. Das Rezitativ in der Mitte des Satzes lässt an die Jesusrezitative der Passionen Bachs denken und wird ebenso bis zu tiefer Tragik ausgelotet. Keine andere Aufnahme kommt da heran. Allein die Realisierung dieses Satzes würde es schon erlauben, diese Einspielung an Spitze zu stellen. Der 4. Satz glänzt mit meisterhaft gestalteten Übergängen. Das Allegro maestoso wirkt nicht pompös, auch wenn sich das Staccato bei Karajan  hier als der kleine Bruder des Legato outet, also die Ähnlichkeit gegenüber der Verschiedenartigkeit deutlich überwiegt. Die Steigerungsverläufe sind toll angelegt, die Celli erneut Sonderklasse, die Klarinette spielt endlich einmal wirklich das geforderte dolce und nicht nur den Standard-Ton und die Fugati sind eine Pracht. Ein Finale mit Glanz und Gloria beschließt die Sinfonie, erhaben und auch nicht ganz ohne Pathos, aber das ist hier doch auch bereits irgendwie mit einkomponiert.

Die ganze Sinfonie klingt einfach so, dass man selbst gerne sofort konvertieren möchte. Vor allem die beiden Binnensätze erreichen eine unerhörte Sensibilität und Ausdruckstiefe. Der Klang der Aufnahme ist voll und saftig, könnte aber durchaus noch etwas transparenter sein. Noch eine Warnung zum Abschluss: Trotz aller hier geschilderten Euphorie seien die Verächter der orchestralen „Vollfettstufe“ und diejenigen, die den Dirigierstil Karajan von vorne herein ablehnen, vor der Aufnahme gewarnt. Agiler und gewissermaßen zeitgemäß „halbfett“ klingen die drei im Folgenden genannten Orchester. Dass die Berliner da auch wieder dabei sind, ist durchaus kein Widerspruch.

 

5

Leonard Bernstein

New York Philharmonic Orchestra

CBS – Sony

1967

11:46  6:24  3:58  8:59  31:07

 

Leonard Bernstein hat die Sinfonie zwei Mal eingespielt, wobei die erste mit den New Yorkern die zweite mit dem Israel Philharmonic in jeder Beziehung übertrifft. Sie gelingt emotional packender, anrührender und unmittelbarer. In Punkto Unmittelbarkeit ist sie auch der Karajan-Einspielung überlegen.

Der 1. Satz beginnt schon gleich ausdrucksvoll und spannungsgeladen. Holz und Streicher sind zudem viel enger verzahnt als beim gerade zuvor gehörten Ashkenazy. Die sf haben Saft und Kraft. Die reichhaltige Dynamik wird im Sinne des Spannungsaufbaus eingesetzt und ist keinesfalls Selbstzweck. Der Scan der Originalpartitur, die Bernstein zu dieser Aufnahme nutzte, ist übrigens im Archiv der Philharmoniker unmittelbar einsehbar. Der Gegensatz zwischen pp und ff ist größtmöglich, wenn man einmal von der Aufnahme Heras-Casados absieht.  Das Allegro con fuoco begeistert mit Streicherfiguren, die trefflich loderndes Feuer imaginieren. Der dramatische Widerstreit wird eindrücklich erfahrbar. Das Orchester spielt mit stupender Virtuosität, was ihm beileibe nicht in allen Aufnahmen gelingt. Auch hier wird die ganze Palette an Dynamik und Farbe genutzt. Das Tempo wirkt beinahe wie direkt vom Heiligen Geist inspiriert. Das Stringendo gelingt herausragend. Das dritte „Dresdner Amen“ wirkt nach dem Geschehen der Durchführung noch reiner und klarer. Aber auch bei Bernstein, trotz Verwirklichung der überreichen Artikulationsanweisungen und des aufopferungsvollen fulminanten Kampfes, bleibt nur ein die in Bezug auf die Glaubensproblematik unaufgelöstes Satzende. Bis dahin gab es aber kein Nachlassen bei Spannung, Drive und Ausdruckswillen.

Der 2. Satz betont das Rhythmische und Tänzerische mehr als dies bei Karajan der Fall war. Das Ergebnis ist tatsächlich vivace. Die Charakterisierung gelingt minuziös besonders auch durch die exakte Beachtung der Partituranweisung und deren eloquente Umsetzung. Auch hier wirkt die Dynamik anspringend und reichhaltig differenziert. Im kurzen Trio gelingt eine treffliche kleine Schilderung des Landlebens. Gegenüber den Berlinern könnten die New Yorker Holzbläser und die Celli aber noch eloquenter und „schöner“ klingen. Aber die frische „Würze“ der New Yorker hat auch ihre Liebhaber verdient. Für den 3. Satz lässt sich Bernstein die nötige Zeit, um das Gebet zur freien Entfaltung zu bringen. Die Phrasierung  gelingt sprechend im Sinne  einer Klangrede mit flexibler, innig wirkender bisweilen gar brüchiger Stimme. Die Violinen klingen mit dem vollen, aber fein differenzierten Ton genau richtig, um ein kleines Drama ablaufen zu lassen. Allerdings ist der Einsatz der Flöte 3 Takte nach A als einziges Manko viel zu laut und aufdringlich geraten. Er sollte pp sein.

Zu Beginn des 4. Satzes wird der Choral in allen Nuancen genau ausgehört und jede einzelne Stimme genauestens akzentuiert, wodurch sich ein enorm plastischer Gesamteindruck ergibt. Das Allegro vivace als Überleitung klingt sehr lebendig, die meisten Einspielungen ignorieren hier den Zusatz vivace und verfehlen auch den Allegro- Eindruck. Nicht so Bernstein. Auch im Allegro maestoso duldet er keine gefühlsduselige Frömmigkeit sondern findet zu einem vorantreibenden freudig erregten Duktus. Die Fugati sind bestens durchhörbar. Nur bei 6:40 liegen die Hörner etwas daneben, aber das kann den inspirierten, geistvollen Fluss der Musik nicht hemmen. Der Schluss gipfelt in einem erhabenen Choral voller Saft und Kraft.

Obwohl älter als die zuvor gehörten Einspielungen von Abbado und Ashkenazy klingt die Aufnahme von 1967 voller und runder, zudem auch wesentlich transparenter. Sie ist lebendig, dynamisch und angenehm präsent und bietet ein sehr farbiges, pralles und offenes Orchesterpanorama. Gewarnt werden soll hier noch von einer Pickwick-Duet-Ausgabe, die die  Sinfonien 3,4, und 5 vereint aber der gelungenen Interpretation der 5ten mit einem vergleichsweise ausgemergelten, undifferenzierten und verfärbten Klang nicht gerecht wird. Von diesen drei eingespielten Sinfonien gelingt Bernstein übrigens die 5. am besten.

▼ eine weitere Aufnahme desselben Dirigenten folgt weiter unten in der Liste

 

5

Dmitri Mitropoulos

Kölner Rundfunksinfonieorchester (heute: WDR Sinfonieorchester Köln)

Medici

1957, LIVE

11:20  6:15  3:47  8:55  30:17

 

MONO  Mitropoulos in seinen früheren Jahren Freund in den späten Jahren Konkurrent und Vorgänger Bernsteins um den Posten des Chefdirigenten bei den New Yorker Philharmonikern, könnte diesem die Blaupause zu seiner Interpretation geliefert haben. Sie ähneln sich stark. Leider lag uns die New Yorker Einspielung Mitropoulos´ nicht vor, der direkte Vergleich wäre noch interessanter gewesen. Aber auch die Kölner Aufnahme zeigt Parallelen. Zuerst zeigte das Abhören der Aufnahme einen denkbar großen Kontrast zu den beiden Einspielungen Kurt Masurs. Um wie viel glutvoller gelingt die Sinfonie bei dem Griechen! Denkbar weit ist der dynamische Ambitus, die Artikulation bisweilen schroff und kantig. Das Blech blitzt fast grell immer wieder mal erhaben, mal übermächtig, mal bedrohlich aus dem Gesamtklang heraus. Die Kontraste werden fast expressionistisch ausgereizt, heftiger noch als bei den besten „Historisten“. Beim Allegro con fuoco scheint es im Sendesaal lichterloh zu brennen. Mit voller Gewalt prallen die (Glaubens)Gegensätze aufeinander, wahrlich schmerzliche Auseinandersetzungen sind da zu vernehmen. Diesbezüglich geht Mitropoulos noch über Bernstein hinaus. Die Kölner Musiker scheinen hier über sich hinauszuwachsen. Ihr Spiel ist vollsaftig und zugespitzt und leidenschaftlich sicher bis an die Grenzen des Machbaren. Die Gestaltung führt fast über Mendelssohn hinaus und lässt in ihren existenziellen Graden bereits an Bruckner (besonders an die 9.) denken. Und an Beethovens neunte, beide bekanntlich auch in d-Moll.

Der 2. Satz erklingt eigentlich in einem Tempo das bei anderen zu einer behaglichen Stimmung geführt hätte. Aber das Metrum wird sehr fest beibehalten (es wirkt aber nicht starr) und der Rhythmus wird stark akzentuiert. Hinzu kommen wie heraus gemeißelte sf. Dadurch wirkt der Gestus sehr ernst und fast unheimlich, ein Totentanz? Im Trio klingt die Oboe leider noch mit dem Klang der frühen Jahre, dünn uns recht starr. Sine verspielte Note behält dieser Satz nun nicht mehr. Er passt so ungewöhnlich gut zu seinen Nachbarn. Viel besser als in den leichten, lockeren und buchstäblich tanzbaren Versionen.

Der 3. Satz klingt extrem ausdrucksvoll. Schon die ersten beiden Takte ziehen uns hinab in die Tiefen der Verzweiflung Wenn dieser Betende „seinen“ Gott nicht erreicht, dann schafft es wohl niemand. Bewegender und expressiver geht es kaum noch. Mitropoulos macht sich keine Gedanken, ob das Spiel stilistisch der Frühromantik adäquat ist, er lässt spielen, als sei es seine tiefste Herzensangelegenheit oder als ginge es gar um Leben und Tod.

Im 4. Satz beginnt die Flöte dankenswerter Weise mit sehr wenig Vibrato auch hier sind die Einzelstimmen sehr gut verfolgbar. Auch hier klingt das Allegro vivace toll und auch das Allegro maestoso spannend. Obwohl im gemäßigten aber festen Tempo.  Jedes Marcato bohrt sich in das Bewusstsein des Hörers. Der fast statuarische Ernst könnte auch an eine Klemperer-Aufnahme denken lassen. In jedem Fall aber an eine feste Burg uneinnehmbar und wie aus dem vollen Granitstein gehauen.

Seltsam an dieser Einspielung waren nur ein paar zusätzliche Takte vor dem Schlusschoral, die in keiner anderen zu hören waren. Merkwürdig genug klangen sie im Gestus, als wären sie „Wellingtons Sieg“ (Beethoven) entsprungen.

Der Klang der Mono-Aufnahme ist extrem dynamisch, sogar recht transparent aber auch mit einem etwas rauen Gesamtklang versehen.

 

5

Lorin Maazel

Berliner Philharmoniker

DG

1961

10:29  5:16  3:00  7:50  26:35

 

Diese Einspielung dürfte zu den erfolgreichsten (Nicht-Karajan-Einspielungen) des Katalogs der DG gehören. Seit ihrem Erscheinen blieb sie immer greifbar, meist gemeinsam mit der Italienischen bisweilen aber auch in Kombination mit anderen Werken (z.B. Francks Sinfonie d-Moll). Im Gegensatz zur Einspielung Karajans beherzigt Maazel die Schwelldynamik in den dort angegebenen Takten ganz genau. Die Einleitung ist durchaus gespannt, das „Dresdner Amen“ jedoch kein Verweis auf Wagner sondern eher schlicht aber auch licht gehalten. Die Aura Karajans wurde wohl auch gar nicht beabsichtigt. Das Orchester nimmt auch hier sofort für sich ein, hat aber unter Karajan noch mehr Feinschliff, Brillanz und auf eine gewisse Weise dieses Mal auch Ausdruckskraft.  Das Allegro con fuoco wird von einem jugendlich-ungestümen Vorwärtsdrang geprägt, der kein Pardon kennt. Wie im Sturm wird die letzte Patina hinweggefegt. Die Akzente sitzen „auf den Punkt“ genau. Soweit es der Sturmlauf erlaubt wird auch die Detailarbeit noch hinreichend geleistet. Es werden echte Glaubenskämpfe ausgetragen. Der vorgelegte Impetus lässt sich wohl als ausgereizt aber auch keinesfalls äußerlich bezeichnen. Wie schon beim kürzlich vorgelegten Vergleich des „Capriccio espagnol“ gelingt es Maazel vor allem in den Ecksätzen die Berliner aus der Reserve zu locken und das Spiel mit einer hier fast schon fiebrigen Intensität aufzuladen.

Der 2. Satz kommt dem von Mendelssohn angesprochenen imaginierten Volksfest wohl sehr nah mit dem temperamentvollen Duktus und dem extrovertierten Ton. Das beschwingte Trio überzeugt mit deutlichem Flötengezwitscher. Die Bläser und die angesprochenen Streichergruppen spielen noch nicht mit derselben Leuchtkraft aber mit einer akzentreicheren Phrasierung. Der 3. Satz, erheblich schneller als bei Karajan wirkt durch diese Maßnahme zwar nicht gerade oberflächlich, erhält aber keinesfalls die singuläre Tiefe wie bei Karajan. Der Charakter ist eher liedhaft und gleicht einem Intermezzo. Allenfalls wird im Gebet von einer Glaubenskrise erzählt, sie aber keinesfalls selbst durchlebt oder durchlitten.

Auch im 4. Satz profitiert der Eingangschoral vom farbigen Spiel der Berliner, der sich zu einem kräftigen, sehr transparenten Gemeindegesang entwickelt. Immer mehr Individuen (= Instrumentalisten) schließen sich an. Auch das Allegro maestoso klingt kraftvoll und zielstrebig, wird recht scharf teils gar schroff akzentuiert. Die Fugati klingen hier mehr nach Mozart als nach Bach, aber Mozart war ja auch ein großes Vorbild für den jungen Mendelssohn. Das atemlose Bekenntnis wird spannungsmäßig unter einen weiten Bogen gespannt. Stets fällt aber auch die hohe Transparenz bei der doch schon recht alten Aufnahme ins Ohr. Das Finale wird „mit vollem Werk“ mächtig herausposaunt, dass es dem Hörer fast den Atem verschlägt. Gegenüber Bernstein fehlt die Tiefe des 3. Satzes und bei gegenüber dessen Klangbild die letzte Transparenz.

Der Klang ist aber generell offen, geschmeidig, brillant, voll fast prall. Nur die Transparenz könnte noch etwas besser sein.

 

 

 

4-5

Charles Munch

Boston Symphony Orchestra

RCA

1957

10:38  4:07  3:24  8:47  26:56 

 

Auch als SACD.   Charles Munch bildet zwar in seiner Darstellung nicht die Quadratur des Kreises, bildet aber so etwas wie die Quersumme aus den Einspielungen von Mitropoulos, Maazel und Toscanini. Es überwiegt großer Ernst, dieser wird aber auch kombiniert mit einem „Schuss“ sportiver, beinahe zügelloser Virtuosität. Das Orchester klingt besser als die Kölner oder das NBC, an die Klangfülle und den Feinschliff der Berliner bei Maazel kommen die Bostoner hier aber nicht heran. Der brennende Impetus lässt die Einspielung fast an die diejenige Mitropoulos´ herankommen, sie ist aber nicht ganz so drastisch und unerbittlich.  Dennoch wird Espressivo hier großgeschrieben. Der Verhältnis Streicher/Bläser wirkt noch ausgewogen, bisweilen drängen sich jedoch die Violinen ungestüm vor, bisweilen gehört die Bühne aber auch dem extrem knackigen Blech. Der Satz wird insgesamt virtuos und mit großer Hingabe gegeben. Mendelssohn interpretiert wie Beethoven oder als Hochromantiker unter vollen Segeln. Da bleibt kein Raum für anämisches Spiel, wie man es allzu oft von Mendelssohn-Aufnahmen kennt.

Der 2. Satz erklingt denn auch mit großem Ernst, fast wie ein Scherzo von Beethoven. Manche Biographen behaupten ja, Mendelssohn wäre einer der wenigen Nachfahren gewesen, die kein Problem mit Beethoven und dem Komponieren von Sinfonien nach ihm gehabt hätten. Mit ihm auseinandergesetzt hat er sich aber bestimmt, das hört man der 5. oft an und in der Darstellung Munchs besonders. Das Tänzerische wird voll ausgespielt, aber viel zu Lachen gibt es hier während des Tanzens nicht. Wahrscheinlich um die Sinfonie auf eine Plattenseite unterzubringen, lässt Munch die Wiederholung der Takte 10 – 62 und die Wiederholung des Trios weg. Eine in diesem Vergleich einmalige (Un)Tat.

Im 3. Satz gestaltet Munch das Gebet erheblich konzilianter als Mitropoulos, aber nicht weniger konzentriert. Es wirkt nun eher wie eine nachdrückliche Bitte. Die Violinen klingen nun erheblich weicher als noch im 1. Satz und auch als die Violinen bei Mitropoulos. Sehr frei und intensiv im Duktus vor allem auch das kurze Rezitativ in der Mitte des Satzes.

Der Anfangschoral im 4. Satz erhält sehr individualisierte und charakteristische Stimmen und lässt sich so transparent gestaltet sehr gut verfolgen. Das Allegro maestoso klingt bei allem Impetus erheblich transparenter als bei Mitropoulos, keine Stimme wird vernachlässigt. Das Orchester spielt stets ausdrucksvoll (fabelhafte Celli) und mit einem reichhaltigen und farbigen Klang, was in diesem Satz oft weniger gut gelingt. An die Berliner (mit Karajan und Maazel) und New Yorker kommt das BSO aber auch in diesem Satz nicht ganz heran. Zudem wirkt der ungemein temperamentvolle Gestus geistreich und inspirierend.

Der Klang ist sehr offen und präsent. Die pralle Dynamik überzeugt. Die Transparenz ebenso. Sowohl beim CD-Layer der SACD als auch bei der parallel gehörten XRCD. Die XRCD wirkte dabei noch urwüchsig-dynamischer, die SACD runder und ausgewogener. Bisweilen verzerren die ungestümen ersten Geigen im ff etwas, vor allem bei der XRCD.

 

4-5

Leonard Bernstein

Israel Philharmonic Orchestra

DG

1978

11:34  6:23  3:48  8:58  30:43

 

Das Orchester haben wir noch vom Capriccio espagnol unter Mehta in Erinnerung. Hier klingt es deutlich geschliffener und auch präziser. Die dynamische Spreizung ist zwar immer noch überdurchschnittlich und die Verläufe immer noch spannend, aber an den spontanen und unmittelbar wirkenden Zugriff der New Yorker kommt diese Einspielung nicht mehr heran. Die sf und ssf wirken auch nicht mehr so expressiv. Das con fuoco und stringendo wirken aber immer noch ziemlich mitreißend.  Der 2. Satz erscheint rhythmisch noch etwas geschärfter, dennoch nicht mehr so quicklebendig. Man spürt nun mehr Melancholie und nostalgische Erinnerung.

Im 3. Satz wurde die kritisierte f-Stelle der Flöte nicht mehr wiederholt, sie klingt jetzt wie von Mendelssohn gewünscht p. Die ersten Violinen können das Kunststück der New Yorker nicht wiederholen, sie klingen weniger flexibel, voll und ausdrucksvoll. Im 4. Satz hören wir mit den Holzbläsern eine besonders hellhörig und schön herausgearbeitete Harmoniemusik, die dann in Kombination mit dem Blech wie eine Kirchenorgel klingt. Eine gelungene Assoziation, falls sie von Bernstein beabsichtigt wurde. Der Übergang zum Allegro maestoso klingt nun nicht mehr so beherzt und furios vorantreibend. Generell wird der ganze Satz nicht mehr mit der Unbedingtheit und der packenden Dramatik aufgeladen wie noch 1967. Er wird aber immer noch klug disponiert gesteigert und wirkt auch keinesfalls uninspiriert. Entweder Bernstein konnte das Orchester nicht so überragend motivieren oder es kann mit der Qualität der damaligen New Yorker einfach nicht ganz mithalten. Das IPO wirkt generell etwas bemüht und blasser als die aus dem Vollen schöpfenden New Yorker.

Ist die  1967er stilistisch eher hochromantisch orientiert, klingt die mit dem IPO eher nach Klassizismus. Ihren Rang hat sie sich jedoch sehr wohl verdient.

Der Klang der Aufnahme ist weit weniger hallig als der bei der Abbado-Aufnahme desselben Labels und viel besser durchhörbar. Sie klingt aber weniger plastisch  und dynamisch und zudem etwas trockener und flächiger als Bernsteins 1967er. Auch in dieser DG-Aufnahme wirkt das Orchester etwas zurückgesetzt, wenn auch nicht so übertrieben wie bei Abbado. Angeblich handelt es sich hier um einen Live-Mitschnitt. Vom Publikum ist aber nichts zu hören.

 

4-5

Colin Davis

Staatskapelle Dresden

Hänssler

1997, LIVE

12:20  6:45  3:53  9:27  32:25

 

Von Colin Davis lagen zum Zeitpunkt des Vergleiches zwei Aufnahmen vor. Zu dieser mit den Dresdnern gesellt sich noch eine weitere mit dem Sinfonieorchester des BR. Beide werden, wie wir es von diesem Dirigenten schon mehrmals gehört haben, aus der Ruhe heraus entwickelt. Die Dresdner wirkt dabei bereits im 1. Satz deutlich bewegter als die Münchner, viel mehr, als es die nur etwas kürzere Spielzeit suggeriert. Das Orchester klingt ganz hervorragend und noch etwas „griffiger“ als das Münchner Renommierorchester. Es verlässt auch seine Komfortzone mehr als es Davis bei den Münchnern gelang, denn wir hören ein spannenderes, etwas kontrastreicheres und auch ausdrucksvolleres Spiel. Besonders hervorzuheben ist, dass den Dresdner Musiker „ihr Amen“ besonders leuchtkräftig gelingt, wenngleich sie Karajans Magie nicht ganz erreichen.

Als etwas zu langsam erscheint der 2. Satz. Ein Allegro vivace müsste sich eigentlich flotter und tänzerischer anhören. Immerhin gelingt es hier etwas lebendiger als in München. Aber was für ein Genuss sind die eloquenten und klangschönen, man darf ruhig schreiben „herrlichen Holzbläser“ und die „wundervollen Celli“ der Staatskapelle. Der Satz wird sehr behutsam und mit viel Liebe zum Detail in einer besonderen Kantabilität gestaltet. Ein gefühlvolleres Spiel ist kaum vorstellbar. Ein Scherzo ist es aber nicht, das hier gegeben wird.

Beim 3. Satz gibt es keine nennenswerten Unterschiede zur Münchner Einspielung, hier klingt es eher noch etwas intensiver.

Auch der 4. Satz, natürlich erneut mit den herrlichen Holzbläserfarben, nicht nur zu Beginn, erklingt nun durchweg gespannter als in München. Das Allegro vivace könnte ebenso wie dort jedoch lebendiger sein, das Allegro maestoso wirkt hingegen durch den gesteigerten Impetus deutlich vorantreibender. Die Fugati werden deutlich herausgearbeitet. Das Spiel begeistert, obwohl energischer und spannender geraten als in München, aber ebenso mit viel Feinsinn. Das Finale klingt bei Davis und der Staatskapelle besonders festlich also der ursprünglichen Absicht des Komponisten, wie wir annehmen müssen, besonders gerecht werdend. Leider liegen ausgerechnet vor dem Schlusschoral die Hörner etwas daneben. Live ist eben Live. Eine in sich konsequente und sehr stimmige Einspielung.

Auch der Klang dieser Aufnahme des MDR ist dem des BR überlegen. Er klingt offener, dynamischer und klarer. Man bemerkt hier durchaus, dass sich die Aufnahmetechnik in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Der Beitrag des Publikums ist aus akustischer Sicht vernachlässigbar.

 

4-5

EFK

Andrew Manze

NDR Radiophilharmonie Hannover

Pentatone

2017

11:12  6:00  4:19 2:29  8:11  32:11

 

SACD  Manze, eigentlich von der Barockmusik herkommend und ein Vertreter der historisch informierten Aufführungspraxis, wählt hier eine ohrenscheinlich recht opulente Besetzung der Streicher und lässt außer einem ziemlich vibratoarmen Spiel im Resultat eher  an die herkömmlichen Interpretationshaltung denken, wobei diese ja auch mittlerweile alles andere als uninformiert war oder ist. Er bildet klanglich so eine Art Schnittmenge aus den neueren Aufnahmen von Fey, Gardiner, Heras-Casado oder Manacorda einerseits und Litton und Gardner andererseits, wobei er den letzteren eher mehr gleicht. Manze verwendet die neue Partiturausgabe mit der erweiterten Flötenkadenz, was die oben beschriebenen Vor- bzw. Nachteile mit sich bringt.

Manze hält auch das Andante im 1. Satz fließend, die dynamischen Kontraste werden ausgereizt aber nicht forciert. Vor dem „Dresdner Amen“ baut Manze eine kurze Pause ein, wahrscheinlich um die Spannung etwas zu steigern. Das Allegro con fuoco geht er mit großer Entschlossenheit an. Die Ergänzungen (einige Takte nur) im 1. Satz erschienen uns eher redundant. Sein Stringendo klingt unwiderstehlich.

Das Klangbild im 2. Satz klingt offener und auch etwas luftiger als im Satz zuvor. Es wird auch für die anderen beiden noch folgenden Sätze beibehalten. Manze lässt hier die Musik wie von selbst fließen, im Trio weicht jeder Druck und es entsteht, wie in einer Miniatur-Pastoralen, ein kleines ländliches Idyll, das Orchester wartet mit einigen berührenden Momenten auf.

Im 3. Satz wählt der Dirigent ein sehr langsames Grundtempo, wie dehnbar doch so ein Andante sein kann...Gekonnt wird hier mit einer bewusst starren und auch relativ harten Artikulation eine kurze aber klare Abrechnung mit dem betreffenden Gott (oder vielmehr der betreffenden Kirche) gemacht. Der zusätzliche kleine Satz mit der erweiterten Flötenkadenz nutzt die Flöte zu einem großen Auftritt, stilvoll und vibratolos. Für unseren Geschmack wirkt das Tempo hier etwas gedehnt.

Auch der 4. Satz beginnt mit einem zwar deutlichen, aber auch gedehnten Choral. Die einzelnen Stimmen  (Gläubigen?) müssen sich erst noch sammeln und ihren neuen Glauben in Stellung bringen, bevor das Allego vivace und maestoso mit inspirierten und hellwachen Spiel (besonders die Violinen gefallen dabei) mit ordentlichem Zug die Glaubengemeinschaft mitreißen. Manze gelingt es zwischen warmen Klang und vorantreibendem Impetus die Waage zu halten.

Die Technik sorgt für großräumige Klangverhältnisse und gute Staffelung. Es wird eine sehr natürlich wirkende Konzertsaalatmosphäre erreicht. Voll und üppig klingt das Orchester, also auch nicht gerade historisierend. Empfindlichen Ohren könnte es schon zuviel der Raumwirkung sein und der Hall zu dominant vorkommen.

 

4-5

Peter Maag

Orquesta Sinfonica de Madrid

Arts

2000

12:15  6:11  4:26  8:22  31:14

 

Das Orchester aus Spanien geht nicht so verschwenderisch mit dem Klang um. Er wirkt stets eng umrissen und fokussierter als die Klangwolken aus Hannover. Das unterstützt die Interpretationshaltung des Dirigenten merklich. Er befördert im 1. Satz einen tragischen Unterton mit archaischen und statuarischen Blech. Die Temponahme zu Beginn mit dem langsamen Andante unterstützt diese Anmutung zusätzlich, ebenso die außerordentlich nachdrückliche, kontrastreiche Artikulation. Man fühlt sich durchaus zurück ins (fast noch) Mittelalter versetzt. Es folgt ein sehr spannendes, ziemlich rubatoreiches und mit großem Ernst dargebotenes Allegro con fuoco. Die Phrasierung des Orchesters klingt klar und keinesfalls schwerfällig. Anders als beim zuvor gehörten Andrew Litton. Die Spielweise ist jedoch nicht sonderlich frei und locker, vielleicht ein Hinweis darauf, dass Maag es bis an seine Grenzen fordert? Auffallend ist bei der ansonsten wie selbstverständlich wirkenden Beherzigung der Spielanweisungen, dass das „Dresdner Amen“ bei Maag keine dynamische Abstufung erfährt. Insgesamt gefällt die Gestaltung des 1. Satzes mit seiner sehnsuchtsvollen Note, die sonst weniger zu hören ist, sehr gut.

Der 2. Satz fällt dem gegenüber etwas ab. Er wirkt eher exakt als lebendig gegeben. Teilweise gar behäbig. Für ein Gestaltung als Scherzo würde die humoristische (sei es auch bärbeißig wie mitunter bei Beethoven) fehlen. Als Menuett würde er fast eher durchgehen. Im Trio bleibt entsprechend die Flöte gegenüber der Oboe zu weit im Hintergrund, also keine „Zwitscherflöte“. Das angesprochene bayerische Brauchtum würde hier ziemlich bieder rüberkommen.

Das Andante des 3. Satzes wird sehr langsam intoniert. Das kurze Rezitativ in der Mitte klingt zu zurückhaltend und zu starr. Karajan gelang der Satz erheblich anrührender mit dem ihm zur Verfügung stehenden verschwenderischen, hoch emotionalen Orchesterklang an seiner Seite. Maag klingt dagegen trocken. Man denkt unweigerlich eher an eine dunkle, ja düstere Kirche mit wenig Lichtblick. Der 4. Satz beginnt mit einem weihevollen Andante con moto, vielleicht nur um dann im Allegro vivace alles an Beschleunigungsvermögen herauszuholen. Das gelingt nur wenigen Vertretern der herkömmlichen Praxis so überzeugend. Auch das Maestoso wirkt angetrieben, die sf und fp genauestens beachtend und nicht zuletzt darum auch sehr lebendig. Die schlanke Tongebung des Orchesters befördert die Transparenz der Fugati ungemein.

So lässt sich zusammenfassend schreiben, dass sich in Maags Einspieling zwei sehr für dich einnehmende Ecksätze zwei weniger intensiven Binnensätze, die uns nicht so ansprachen, gegenüber stehen. Eine etwas heterogene Angelegenheit. Da war wieder das arithmetische Mittel gefragt (2x5 und 2x4).

Der Klang der Aufnahme ist ebenfalls eher schlank als voll. Das Orchester erhält eine gute Staffelung und Transparenz. Der Kangkulinariker wäre sicher mit Manze besser bedient. Der Asket eher mit Maag.

 

4-5

Louis Lortie

Orchestre Symphonique de Quebec

Atma

2009

10:00  4:29  3:02  7:25  24:56

 

Schon wieder ein dirigierender Pianist? Ja, aber warum auch nicht. Der Name ist uns ja noch vom Vergleich der Aufnahmen des 2. Klavierkonzertes von Camille Saint-Saens in bester Erinnerung und er hat auch vor dem Orchester alles im Griff. Das fängt schon mit einem ausgewogenen Verhältnis der Gruppen im Orchester an. Die Bläser erklingen stets sehr deutlich und werden von den Streichern, auch wenn sie in der Durchführung des Hauptsatzes die wildesten Figurationen spielen nicht verdeckt. Die dynamischen Kontraste könnten hingegen etwas mehr ausgereizt werden, vor allem den ff fehlt etwas die geforderte Dominanz.  Insgesamt gelingt diese Darstellung jedoch durchaus stimmig, jedoch vermissten wir durch den durchgängig samtweichen und leicht entfernten Klang etwas die „Pranke“ des Kampfes der Gegensätze und den gerne auch einmal scharfen „Biss“ des Blechs.

Der 2. Satz gelingt pointiert mit einem durchaus zugespitzten Verlauf. Der Scherzo-Charakter wird hier konsequent nachgezeichnet, durchaus auch mit Spielwitz und humorig. Auch im 3. Satz gelingt die Darstellung, trotz des zügigen Tempos, sehr intensiv. Mit dem flexiblen Spiel wird der Nerv des Satzes genau getroffen. Auch der Choral und das temperamentvolle Allegro vivace wissen zu gefallen. Das Allegro maestoso klingt leicht und locker mit leuchtendem Geigenklang. Bei den Fugati gefällt das sehr leicht genommene Marcato, der den Bach-Anklängen sogar fast schon Flügel verleiht und beinhae mozartisch klingen lässt. Es klingt wie losgelöst, schwerelos. Das Orchester zeigt sich eigentlich ohne Schwächen.

Dies war keine Zufallsproduktion, kein Füller um die CD noch zu den beiden Klavierkonzerten auf eine ordentliche Spielzeit zu bringen. Mehr scheint es, der Pianist habe sich hier mit großer Professionalität einen Herzenswunsch erfüllt. Im Ganzen wirkt die Sinfonie, gerade auch im Vergleich zu der Maags geradezu leichtgewichtig.

Der Klang zeigt eine sehr gute Transparenz. Die Staffelung gelingt auch in der Tiefe gut. Der Klang kommt wie auf Samtpfoten daher, könnte aber vielleicht noch etwas brillanter und profilierender sein. Durch die etwas distanzierte Dispostion des Klangs geht die rechte Durchschlagskraft im ff etwas über Gebühr verloren.

 

4-5

Wolfgang Sawallisch

New Philharmonia Orchestra London

Philips

1966

11:33  5:54  3:29  8:57  29:55

 

Neben der Maazel-Aufnahme dürfte die Einspielung Sawallischs als Klassiker unter den Einspielungen der Reformations-Sinfonie gelten und vielen dürfte sie als gute Bekannte in bester Erinnerung sein. Sawallisch und sein Orchester zeigen sich kenntnisreich, gut vorbereitet und durchaus inspiriert. Im Andante verzichtet auch er (wie bereits Karajan und andere) auf die Schwelldynamik. Er zieht den geraden Ton vor. Die Bläser kontrastieren den weichen Streicherklang sehr gut. Eindeutig werden sie als Aggressoren dargestellt. Im Allegro con fuoco bemerkt man noch deutlicher, dass das Orchester hier bei Philips viel weicher und runder als bei vielen Klemperer-Aufnahmen klingt. Das Spiel wirkt auch farbiger als die bei den anschließend in der Liste erscheinenden Wiener Philharmonikern unter der Leitung von Dohnanyi. Auch dramatischer, ohne aber ohne den Zugriff von Mitropoulos, Bernstein oder Munch zu erreichen, wo der Glaubenskrieg an vorderster Front tobt. Sawallischs Darstellung trifft die Mitte. Im 2. Satz wird sorgfältig phrasiert und alles mit einem großen Ton bedacht. Der rhythmische Aspekt erscheint ein wenig zackig, aber noch beschwingt. Es gibt viele schöne Momente zu genießen. Der 3. Satz erklingt solide und gekonnt, die Violinen klingen schön aber ohne die strahlende Homogenität der Berliner unter Karajan, von der Tragik dieser Einspielung ist Sawallisch weit weg.

Im 4. Satz beginnt die Flöte mit erfreulich wenig Vibrato. Das Allegro vivace klingt temporeicher als zumeist. Die Übergänge gelingen geschmeidig. Das Maestoso könnte aber etwas lebendiger sein, hier wird nichts übertrieben. Der Bass wird nicht aus den Augen verloren und klingt erheblich besser durchgezeichnet als beim kurz zuvor gehörten Prohaska. Aber nichts klingt hier majestätisch oder gar bombastisch. Stets bleibt Sawallisch mehr der sachliche Verwalter der Musik Mendelssohns.

Ein konservativer Mendelssohn im besten Sinn erklingt bei Sawallisch, ein Mendelssohn der Mitte. Irgendwie wirkt dies sympathisch auf uns. Man könnte fast glauben, die konservative Ecke wäre vielleicht doch Mendelssohns Platz, wenn uns andere nicht bereits eines Besseren belehrt hätten.

Den Technikern gelingt eine plausible  Bühne, die Streicher klingen voll und weich, das Klangbild erreicht den Hörer offen, gut gestaffelt und transparent.

 

4-5

Christoph von Dohnanyi

Wiener Philharmoniker

Decca

1977

11:28  5:25  3:53  8:19  29:05

 

Bei dieser Einspielung fällt als erstes der gut gestimmte, reine Klang des Orchesters auf. Rhythmisch präzise und durchaus dramatisch ist die Herangehensweise des Dirigenten. Nichts wird hier aufgebauscht. Das Hauptaugenmerk scheint nicht auf feurig angestimmtes Kampfesgetümmel (seien es auch nur die unerbittlichen inneren Kämpfe) zu liegen sondern darauf nur immer die Ausgewogenheit zwischen Romantik und Klassizismus zu wahren. Dabei wird Mendelssohn dennoch sehr ernst genommen. Die Wiener wirken jedoch nicht als würden sie aus der Reserve gelockt. Ihr Spiel wirkt ausgewogen, aber auch ein wenig trocken. Von Dohnanyi möchte eher absolute Musik darstellen, weniger das hinterlegte Programm, so es denn eines gäbe, was so mancher Musikwissenschaftler schon auszumachen versuchte.

Der 2. Satz erklingt rhythmisch leicht und erneut sehr exakt. Dabei erheblich detailreicher als beim gerade zuvor gehörte Delogu.. Das Musizieren wirkt gewissenhaft und nobel, das Tänzerische aber nicht vergessend. Der Satz wirkt nicht gerade positivistisch, sondern erhält auch eine melancholische Note, einen Unterton der nostalgischen Erinnerung, vielleicht aus einer Zeit, als es die Glaubenskriege von nicht gab? Der 3. Satz, recht zügig genommen, erfreut durchaus mit ausdrucksvollem Violinenklang, hier sogar mit etwas Rubato. Die legendären Wiener Streicher haben wir aber schon durchaus charaktervoller und farbiger spielen hören.

Der 4. Satz profitiert vom geschmeidigen Spiel der Wiener. Die Fugati  werden sehr gut gearbeitet, das Marcato wird nicht übertrieben. Insgesamt läuft der Satz aber etwas zu glatt durch. Weniger inspiriert als z.B. bei Bernstein (IPO) oder Davis (Staatskapelle).

Gegenüber diesen beiden, aber natürlich auch den Mitgliedern im 5er Club wirkt Dohnanyis Beitrag zur Diskographie deutlich kühler und technokratischer.

Nach dem zuvor gehörten Delogu hörte sich die Decca-Aufnahme wie ein Labsal an. Besonders klar und deutlich und ohne jede Verzerrung oder Rauhigkeit. Gegenüber den besten jedoch mit wenig Tiefenstaffelung. Die letzte Brillanz oder auch Fülle (wie z.B. bei der Dresdner Einspielung von Colin Davis) fehlt ebenfalls.

 

4-5

Alfred Wallenstein

Los Angeles Philharmonic Orchestra

Kopie der bei der Bibliothèque National de France gelagerten LP deren Label leider unbekannt blieb

1958 ?

11:21  4:49  2:55  7:50  26:55

 

MONO  Wie so oft beim Download-Anbieter Qobuz sind die Angaben zum betreffenden Download nur rudimentär. Label der Originalquelle, wenn sie eine LP war, werden grundsätzlich nicht genannt. Diesmal lief auch unsere Recherche leider ins Leere. Als Aufnahmedatum fungiert meistens lediglich das Datum, wann die betreffende LP ins Archiv der französischen Nationalbibliothek gewandert ist, hier war es 1958. Da Wallenstein jedoch von 1943 bis 1956 als Chefdirigent des beteiligten Orchesters fungierte, ist das tatsächliche Aufnahmedatum sehr wahrscheinlich in diesem Zeitraum zu suchen. Alfred Wallenstein dürfte den meisten Musikfreunden heute nur noch als Begleiter von Arthur Rubinstein bekannt sein, mit dem er häufig auch im Aufnahmestudio zusammengearbeitet hat. In unseren Vergleichen begegnete er uns gemeinsam mit Rubinstein bereits mit dem 2. Klavierkonzert von Camille Saint-Saens.

Wallensteins Zugriff ist, wie so oft bei Dirigenten seiner Generation, straff, fast eisern. Besonders wichtig scheint ihm gewesen zu sein, dass große Bögen gespannt werden. Liebevolle Detailausgestaltung ist seine Sache nicht. Bei Toscaninis Beitrag im Anschluss finden wir diesbezüglich einen ganz ähnlichen Ansatz. Im getragenen Andante zu Beginn verzichtet er ebenso wie andere seiner Generation auf die bereits genannte „Schwelldynamik“ auf den einzelnen Blechbläserakkorden. Das Allegro con fuoco  wird ungleich geschmeidiger artikuliert als bei Toscanini. Die sf bleiben bei ihm jedoch stromlinienförmiger. Und bei ihm ist auch nicht jede Punktierung gleich eine Kriegserklärung wie bei dem legendären Italiener. Wallenstein hat immer die große Linie im Auge. Die Durchführung gelingt ihm aber auch wild und atemlos. Der Eindruck von Kriegsgetümmel stellt sich leicht ein. Das „Dresdner Amen“ wird gut phrasiert, Wallenstein lässt also keineswegs über diesen wichtigen Markstein der Entwicklung hinwegspielen. Das Orchester macht diese Tour de force anstandslos mit. Es spielt dabei durchaus klangschöner als das damals so hoch im Kurs stehende NBC SO Toscaninis.

Der 2. Satz, mit einem wirklich flotten Duktus, stampft fast wie eine Polka, wenn da nicht der falsche Takt wäre. Vielleicht hat Wallenstein auch Bayern mit Böhmen verwechselt, von Amerika aus liegt beides ja eng beieinander (kleines scherzando des Verfassers). Jedenfalls verliert er das Tänzerische nicht aus den Augen. Und er heizt den Tanzenden richtig ein, falls er denn ein Dorffest (oder Pfarrfest) suggerieren wollte. Der 3. Satz trifft den Gestus eines Gebetes sehr gut, wie zu erwarten hier auch zügig und nicht sonderlich inständig. Eher wie ein einseitiges Gespräch unter Gleichen auch hier mit nur relativ wenig Liebe zum Detail.

Im 4. Satz wird der Dirigent dem Allegro vivace voll gerecht, warum drängen da nur so wenige Interpreten so wie er? Viele lassen das Allegro weg und schleppen, andere vergessen völlig, was vivace bedeutet, nicht so Wallenstein. Auch das Allegro maestoso erhält einen drängenden, wie befreit wirkenden Gestus, so wie er Mendelssohn vorgeschwebt haben müsste.  Die Philharmoniker spielen auch hier lebendiger als das NBC SO unter Toscanini. Gegen Ende imaginiert das Spiel eine spiralförmige Steigerung, als ob man sich nach oben begeben würde (gen Himmel?). Der Aufbau dieses Satzes wirkt konzise, das Tempo atemberaubend. Wallenstein bietet so etwas wie eine ganzheitliche Sicht auf die Sinfonie, spannend und atemlos, nicht gerade detailversessen, aber die Patina im Sturmwind wegblasend.

Die Crux bei dieser Einspielung ist ihr Klang. Zwar hört man so gut wie keine Laufgeräusche der alten Scheibe, (kein Rauschen, kein Knacken, kein Knistern), aber es wird nur eine enges Frequenzband bedient und auf eine räumliche Anmutung darf der Hörer auch nicht hoffen. Die Transparenz ist noch hinreichend.

 

4-5

Arturo Toscanini

NBC Symphony Orchestra

RCA

1953, LIVE

10:34  5:28  3:08  10:15  29:25

 

Wir sind hier Zeuge einer echten Live-Übertragung mit all ihren Unwägsamkeiten. Das Orchester ist mental noch nicht ganz „da“. Es wackelt ein wenig im Zusammenspiel und die Intonation des Blechs wirkt unsicher. Teilweise auch bräsig. Toscanini verlangt ihm zu Beginn jedoch die „Schwelltöne“ ab, was Wallenstein zuvor unterließ.  Im Allegro con fuoco klingen die sf hart und unerbittlich, das Blech bringt seine Punktierungen wie eine Kriegserklärung, die Pauke hört sich an wie Geschützfeuer. Die Streicher brennen ihre Figurationen lodernd mit dem typischen Toscanini-Furor ab. Ihr Klang ist dabei jedoch recht „strohig“. Das „con fuoco“ gelingt hochdramatisch und aufgewühlt.

Der 2. Satz ist außergewöhnlich gestaltet. Er klingt zwar vital, aber auch voller Biss. Da gibt es nichts zu tanzen. Da stimmt was nicht, die Tanzpaare bekämen es wohl mit der Angst zu tun. Da wird zugespitzt und mit festem Zugriff musiziert. Das Trio immerhin klingt dann doch wiegend mit einer schalmeienhaften Oboe.  Der 3. Satz hingegen wird gesanglich und fließend dargestellt, wie eine „Lied ohne Worte“, das Rezitativ in der Mitte jedoch ausdrucksvoll gesteigert.

Im beginnenden 4. Satz stört die Oboe den Bläsersatz doch ungemein, statt gleiche unter Gleichen zu sein, kann sie sich richtig laut und unangenehm in den Vordergrund spielen. Im späteren Verlauf hört man sie auch noch sehr präsent, wenn eigentlich das Blech mit einem gesunden Forte dominieren sollte. Sie hat sich wohl einen besonderen Platz vor dem Mikrophon gesichert. Im Allegro maestoso geht es deftig, bisweilen auch etwas ruppig aber auch inbrünstig zu, als ob sich Toscanini als Jünger Luthers verstünde. Der missionarische Eifer berührte uns ungemein, auch wenn es bisweilen ungeschliffen oder gar etwas ungelenk klang. Die Botschaft ist Toscanini offensichtlich wichtiger.

Toscaninis individuelle, vielleicht auch dem noch nicht lange zurückliegenden Krieg mit geschuldete Lesart hätte eigentlich schon in den frühen 50ern das vorherrschende Image der Sinfonie konterkarieren können. Jedenfalls zeigt sie großes Potential dazu.

Wie bei Wallenstein ist der Klang das Manko der Einspielung. Sie klingt dynamisch ziemlich eingeschränkt, dazu kommt noch, dass sie zum Scharfen hin verfärbt ist und auch noch erbarmungslos trocken klingt.

 

4-5

Bernard Haitink

London Philharmonic Orchestra

Philips

1978

11:08  5:54  3:54  8:13  29:09

 

Haitinks Auseindersetzung mit Mendelssohn krankt ein wenig an der leicht aus der Balance geratenen Besetzung. Besonders die 1. Violinen dominieren etwas das Geschehen, während die Bläser etwas benachteiligt wirken. Die Techniker hatten die Balanceprobleme zuvor bei Sawallischs Einspielung besser lösen können. Vielleicht war auch die Besetzung der Streicher einfach etwas zu stattlich. Ansonsten wirkt das Spiel des Orchesters klar, stets spannend, sauber, kontrastreich, vital und engagiert. Haitink hält sich dabei nicht allzusehr mit akribischer Artikulation auf, aber der Gestus stimmt. Im 2. Satz ist das Spiel nicht ganz so schlackenlos wie zuvor bei Gardiner oder Dohnanyi (beide WP), aber farbiger. Der Scherzo-Charakter geht eher verloren. Tänzerisch ist er schon noch, aber nicht beschwingt. Eher nachdenklich und besonnen als humorig oder aufgedreht. Das Trio gelingt schön schwebend. Auch der 3. Satz gelingt gut, ein „richtiges“ Andante, ausdrucksvoll, sowohl in den beiden gesanglichen Außenteilen, als auch im rezitativischen Mittelteil. Der 4. Satz kämpft etwas mit dem sehr zurückhaltenden wenig lebendigen Vivace, dafür gelingt das Allegro maestoso  fast schon stürmisch. Nichts wird hier aber übertrieben, nicht erscheint unterbelichtet, auch die Fugati oder das Marcato nicht. Die Einspielung wirkt in sich konsequent und bodenständig, ja sie hat sogar „Zug dahinter“ und wirkt stringent. Man merkt: Haitink ist die Sache sehr wichtig. Über feine Details geht er jedoch mitunter nonchalant hinweg.

Der Klang zeigt eine gute „Mischung“ von Präsenz und Raumanmutung. Er ist recht körperhaft und dynamisch, klar und recht frisch. Viel präsenter als er z.B. bei Abbado gelang.

 

4-5

Riccardo Muti

Philharmonia Orchestra London

EMI

1979

12:07  6:34  4:09  8:57  31:47

 

Riccardo Mutis Einspielung ist derjenigen Karajans nicht unähnlich. Mitunter könnte man sogar an einen Kopierversuch denken. An reiner Opulenz des Klanges überflügelt das Philharmonia Orchestra hier sogar die Berliner Philharmoniker. Die Orchesterleistung ist ebenfalls sehr gut, der „Sound“ makellos geschliffen. Kaum jemand würde hier noch an den Orchesterklang Klemperers erinnert werden. Der 1. Satz erhält aber auch eine beeindruckende Geschlossenheit. Die Expressivität eines Mitropoulos oder Munch erreicht Muti jedoch nicht. Er zirkelt im Vergleich etwas mehr auf Größe und Erhabenheit ab, ohne es dabei jedoch an Intensität mangeln zu lassen.

Im 2. Satz klingt das Philharmonia ähnlich vollmundig wie die Berliner, ebenfalls weich und abgerundet, klar artikulierend und durchaus auch detailreich und schwebend aber etwas zu behaglich und weit entfernt vom Charakter eines Scherzos. Das Trio, etwas nostalgisch und verträumt klingt gar einschmeichelnd. Die Leuchtkraft und Fokussierung des Klangs, die Maazel und noch mehr Karajan von seinem Orchester bekommt, kann das PO nicht bieten. Das Gebet im 3. Satz wirkt hingegen etwas larmoyant, zwar sehr, sehr schön gespielt aber es zählt hier nur die Oberstimme. Die Begleitung scheint gänzlich zu verschwinden, jedenfalls klingt sie viel zu leise. Bei Muti hat dieser Satz nichts erschütterndes, kein Aufbegehren, keine Inbrunst. Der Bass klingt allerdings außergewöhnlich satt.

Der 4. Satz mit einem andächtigen Choral zu Beginn, schwillt bis zum Allegro vivace schön zu einem prächtigen ff an. Das Allegro maestoso klingt aber lange nicht so transparent wie beim zuvor gehörten Munch. Durch den opulenten Bass und das schwere Marcato bekommt Mutis Darstellung hier einen Hang zur Monumentalität. Die Soli gelingen sehr klangschön. Die Dynamik wirkt durch das wenig beherzigte pp etwas einseitig zum Lauten hin verschoben. Das Animato bei M ist, erstaunlich für Muti, nur schwach ausgeprägt. Das Finale klingt sehr breit, fast schon etwas zu monumental.

Muti gelingt insgesamt eine klangsatte Version der Sinfonie auf sehr hohem orchestralem Niveau realisiert und nicht ohne Empathie gespielt, aber auch ohne besondere Einfälle.

Der Klang bereitet dem Hörer ein wohliges, voluminöses, sehr weiches und angenehmes Klangbild bei dem es sich behaglich aufgehoben fühlen kann. Auch durch den satten Bass wirkt es auffallend dunkel timbriert. Es ist aber zu hoher Dynamik fähig.

 

4-5

Edward Gardner

City of Birmingham Symphony Orchestra

Chandos

2013

10:54  5:10  3:28  7:53  27:25

 

SACD  Das Andante zu Beginn wirkt bei Gardner hochromantisch ausdrucksvoll aber auch sehr weich konturiert. Bei den zuvor gehörten Gardiner-Einspielungen wirkte alles deutlich klarer. Das Allegro con fuoco, etwas zahmer und weniger rhythmisch akzentuiert als bei Bernstein (NY), Fey oder Gardiner (vor allem LSO) lebt vor allem vom warmen und blühenden Klang der Streicher (natürlich besonders der Violinen). Trotz der gewählten großen Besetzung spielen sie detailreich, auch klanggewaltig vor allem gemeinsam mit den Kollegen der Bläserfraktion. Im 2. Satz fällt auf, dass die Dynamik lange nicht so im Vordergrund der Betrachtung steht und viel weniger anspringt als bei den vorgenannten. Auch das Tempo, im mittleren Bereich des Vergleiches, wirkt tendenziell behaglich. Wenig Scherzo-Brisanz also gegenüber den beiden Vorgängern im Alphabet (Fey und Gardiner). Der 3. Satz wird dem Charakter eines Gebetes durchaus gerecht, auch hier wieder in einem mittleren Tempo und sehr gesanglich gegeben. Nicht erschütternd, aber auch nicht oberflächlich. Gardner strebt hier eher einen Intermezzo-Charakter an. Der 4. Satz beginnt mit einem sehr flotten und dynamischen Andante con moto lässt dann aber im Verlauf wenig Unterschied  zwischen sf und fp erkennen. Mit dem leichten orchestralen und gestischen „Speckansatz“ wirkt das alles etwas zu leicht und glatt. Es fehlt die Tiefe, die Bernstein auch noch mit dem IPO erreichen konnte.

Das Klangbild wirkt farbenreich, sehr klar, rund und differenziert. Die Ausgewogenheit zwischen Präsenz und Raumklang kann man als nahezu perfekt bezeichnen. Der bassstarke Klang wirkt hingegen dynamisch eher ausgewogen als aufmüpfig.

 

4-5

Christoph Poppen

Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern

Oehms

2007

11:11  5:35  4:24  7:28  28:38

 

Diese Einspielung erfolgte innerhalb einer Gesamteinspielung der fünf Sinfonien Mendelssohns als erstes großes Aufnahmeprojekt für die CD als frisch fusioniertes Orchester. Das Orchester hatte noch nicht ganz wieder die Homogenität der Bruckner-Einspielungen des Vorgänger-Orchesters (Rundfunksinfonieorchester Saarbrücken) mit Skrowaczewski erreicht. Im ruhig genommenen Andante verzichtet Poppen auf die bereits mehrfach angesprochene Schwelldynamik auf den einzelnen Tönen der Blechbläser. Er bleibt im Andante etwas blass, weniger klanglich als dramaturgisch gesehen. Dem „Dresdner Amen“ gibt er jedoch einen warmen Klang. Im folgenden Allegro con fuoco agieren das Orchester bzw. die Streicher agil, mit einer bereden Artikulation, konzentriert und wenig Vibrato. Durchaus profiliert, wenn auch lange nicht so wild wie beim zuvor gehörten Munch,  nicht so jugendlich frisch wie bei Maazel oder klanglich vollendet wie bei Karajan. Auch der Dynamik, durchaus genau beachtet, fehlt ein berstendes ff. So fehlt ein wenig die existenzielle Dimension des Glaubenstreites. Er klingt zwar beachtlich aber nicht drastisch bis zum überhaupt Möglichen ausgespielt.

Im 2. Satz hören wir einen recht ernsten aber energischen Tanz, etwas zu beherrscht und daher zu wenig vivace, zu wenig überschwänglich. Im Trio erfreuen die bewegliche Oboe, die trillernd auf sich aufmerksam machende Flöte und die sonoren Celli am meisten. Nach dem Trio wird der Duktus etwas beherzter.

Der 3. Satz entspricht einem sehr ruhigen Andante, etwas schwer, fast ein wenig lastend. Die ersten Violinen könnten hier durchaus etwas mehr dolce und Homogenität verströmen, aber der introvertierte, hier fast traurige Gestus des Gebetes ist treffend erfasst und stimmungsvoll umgesetzt, sehr viel mehr als zuvor bei Paul Paray. Auch das Rezitativ klingt sehr gesanglich.

Der Choral im 4. Satz klingt sehr transparent, das Allegro vivace zu Beginn eher träge. Aber wie so oft geht hier mit dem crecendo auch ein kleines accellerando einher. Das Allegro maestoso wird sehr schnell, leicht und recht locker genommen, eigentlich sogar beschwingt und mit Esprit. Der Bläserklang überzeugt, auch die Klarinette, der als eine der wenigen hier mit einem schönen dolce aufwarten kann. Die Fugati klingen sehr durchsichtig und ausdrucksvoll. Der Schlusssatz überzeugt am meisten, insgesamt gelingt Poppen im Vergleich eine stimmige Darbietung.

Der tendenziell schlanke Klang bietet eine sehr gute Transparenz, ist aber nicht sonderlich voll. In gewisser Weise ist er das Gegenteil zu den zuvor gelisteten Einspielungen von Muti und Gardner. Der Raumklang ist gut aber nicht gerade ausladend. Tendenziell klingt es eher trocken und der Orchesterklang könnte von einer etwas brillanteren Technik durchaus profitieren.

 

 

 

4

Claudio Abbado

London Symphony Orchestra

DG

1984

12:06  5:46  3:45  9:03  30:40

 

Sowohl die hellhöriger und sorgfältige Interpretation als auch das hochklassige Spiel des Orchesters hätten eine bessere Platzierung verdient, wenn die DG eine weniger waberndes, die Strukturen tendenziell verschleierndes Klangbild hervorgebracht hätte. Die klare Artikulation des Orchesters erscheint so nachhaltig konterkariert. Die Dynamik verpufft im Raum, das Nacherleben der Musik wird durch die weite Entfernung des Geschehens vom Hörer stark erschwert. Statt satter Klangfarben hört man nur pastell. Von körperhaftem Klang kann keine Rede sein, er erscheint trotz noch guter Differenzierung im Einzelnen ziemlich flächig. Doch nun zurück zur Musik. Das beginnende Andante führt uns zwar zurück ins Jahr 1530 mit den Plaestrina-Anklängen, die einschüchternde Schwelldynamik auf den einzelnen Tönen wird jedoch eher halbherzig ausgespielt., aber immerhin angedeutet. Im Allegro con fuoco verschwimmen die engagierten Streicherfiguren im Londoner Akustik-Nebel, trotz präzisen und impulsiven Spiels. Das stringendo 6 T. vor K gelingt Abbado überzeugend, das con fuoco 12 T. nach O angemessen vorantreibend.

Auch im 2. Satz werden dem präzisen Spiel der Londoner durch den langen Nachhall Klangfahnen zugegeben, die sie hinter sich herziehen. Man könnte meinen, das könnten die Fähnchen der Prozession sein, die Mendelssohn in seinem Brief angesprochen hat, aber soweit ging das Gespür der Techniker, wie wir meinen, nicht. Wir glauben vielmehr, dass da ein Klangideal im Spiel war, das sich nicht durchgesetzt hat. Gemeint war das von Abbado eher idyllisch, leicht und fast ungetrübt, ein Stück Sommernachtstraum inmitten der Reformation. Im 3. Satz werden die sf nahezu eingeebnet, er scheint uns im Ganzen zu laut und etwas zu flott. Auch für Abbado scheint  der 3. Satz eher einen leichten Intermezzo-Charakter zu haben. Im 4. Satz vermeidet das LSO durch leichtes und lockeres Spiel jeden Anflug von unangemessener Monumentalität. Die Fugati klingen deutlich, wenngleich Abbado die Marcati eher etwas überprononciert und lange durchzieht. In den leiseren Partien zeigt die se Einspielung ihre Stärken, wenn der Klang von der Technik unbeeinflusst durchatmen kann. Ansonsten fühlt man sich bisweilen vom Klangcharakter her in eine Kathedrale oder an einen Dom versetzt. Ob dies Mendelssohn als passend erschienen wäre? Angesichts dieser Rahmenbedingungen standen Abbado und das LSO im Londoner Nebel nahezu auf verlorenem Posten.

 

4

Felix Prohaska

Orchester der Wiener Staatsoper

BnF, Vanguard

1952

10:42  4:30  3:53  8:51  27:56

 

MONO Diesmal konnte das genaue Aufnahmedatum und das Original – Label der Einspielung, die dem Download zugrunde lag, ermittelt werden. Die Platte zeigte kaum Laufgeräusche und einen recht guten, sehr dynamischen Mono-Klang. Es gab keine Verzerrungen und die Klangfarben erschienen ziemlich realistisch. Auch Prohaska verzichtet im Andante auf die schon oft angesprochene Schwelldynamik. Das Blech kommt ausgezeichnet zur Geltung und überhaupt scheinen die heiklen Verhältnisse der Orchestergruppen gewahrt. Durch die kräftigen Akzente des Blechs und die intensiven Figuren im Hauptsatz werden die Wogen im Hauptsatz ordentlich hoch getrieben, die Unerbittlichkeit eines Munch oder gar Mitropoulos wird jedoch nicht erreicht. Prohaska treibt die Wiener aber ordentlich an und fordert sie in der Durchführung mehr als Dohnanyi, mit zunehmender Dauer immer zugespitzter. Er schreckt auch vor Grellheiten nicht zurück. So weist der Satz eine stetig steigende Spannungskurve auf.

Im 2. Satz gelingt Prohaska ebenfalls mittels hellhöriger Lesart, kraftvollen Blecheinsätzen und flottem Tempo ein sehr aufgeweckter, frischer, gar aufmüpfiger Gestus. Ein Tanz auf heißen Sohlen. Im Gegensatz zum 3. Satz, dessen Diktion sehr zurückhaltend anmutet, mit fast zahm wirkenden sf. Hier vermisst man auch eine cantable Klanglichkeit, die vor allem den Violinen hier abgeht. Der Gestus zeigt kein Aufbäumen, kein Anklagen, wirkt eher wie ein Gespräch zwischen guten Bekannten. Der 4. Satz wird klar durchgezeichnet und zeigt großen Ernst. Echte Freude über die „feste Burg“ will jedoch nicht so recht aufkommen. Die Basslinie wird nicht so gut wiedergegeben, was den Fugati etwas Deutlichkeit nimmt. Der Darstellung fehlt als Ganzes etwas die Feinzeichnung, die klare Sicht auf, das, was die Sinfonie ausmacht ist gewährleistet.

 

4

Raymond Leppard

English Chamber Orchestra

Erato

1977

11.25  4:52  2:56  8:25  27:38

 

Nicht überall wo Kammerorchester drauf steht, ist auch Kammerorchester drin. So klingt diese Einspielung durchaus großformatig. Di Streicher dominieren sogar die Holzbläser, auch wenn beide Gruppen die gleiche Lautstärke zu spielen haben. Der letztlich in diesem Satz noch unentschiedene Kampf der und um die Glaubenrichtungen wird gut dargestellt, aber nicht explizit zugespitzt und erbittlich, wie bei den besten. Es stellt sich jedoch durchaus eine einnehmende Klanglichkeit ein. Erheblich leichtgewichtiger als z.B. bei Karajan oder Davis. Der 2. Satz gelingt sehr farbig, tänzerisch-beschwingt und temperamentvoll. Nicht besonders einfallsreich, nichts überzeichnet, nichts pauschal,  aber es passt einfach. Das flotte Andante schnurrt ein wenig unbekümmert ab, man meint, Leppard könnte sich ruhig etwas mehr Zeit lassen, um sich richtig auf die Tiefen des kleinen Satzes einzulassen. Er macht aus der kurzen Seelenschau eine etwas zu unbedeutende Episode. Dafür weiß er den 4. Satz auf  treffende Weise anzupacken. Das Andante trifft sehr gut den Choralcharakter. Im Allegro vivace muss man sich erst sammeln, bevor langsam aber stetig das Allegro maestoso losstürmt. Nebenstimmen erhalten hier jedoch mitunter nicht die Prägnanz wie in anderen Beitragen zur Diskographie. Auch das Zusammenspiel könnte hier noch etwas präziser sein.

Der Klang wirkt – wie bereits erwähnt – großräumig und transparent, er wirkt warm, farbig und offen. Die Staffelung ist ebenso gut, die Dynamik exzellent. Man glaubt hier eine der sehr guten, vollmundigen Philips-Aufnahme vor sich zu haben. Wahrscheinlich wollte man der etwa zeitgleichen Haitink-Einspielung keine Konkurrenz im eigenen Hause zur Seite stellen.

 

4

Colin Davis

Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Orfeo

1984

12:40  7:02  4:19  9:41  33:42

 

Zu Beginn stören hier  kleinere Intonationsprobleme bei den Bläsern und unpräzises Zusammenspiel den erst später sehr guten, dann sogar glanzvollen Eindruck vom Orchester. Das „Dresdner Amen“ wir auch hier sehr schön als Verheißung intoniert. Der Antagonismus Bläser gegen Streicher wir gut ausgespielt. Nach der Durchführung klingt das „Dresdner Amen“ übrigens deutlich inbrünstiger und noch sehnsuchtsvoller als zuvor. Trotz der relativ zurückhaltenden Tempogestaltung fehlt dieses Mal die gemütliche Attitüde, die wir bei diesem Dirigenten schon mehrmals festgestellt haben. Das Klassizistische bleibt gegenüber dem hohen dramatische Druck anderer Einspielungen hier jedoch ein klein wenig dominant. Dem recht langsamen 2. Satz geht die tänzerische Komponente ziemlich ab. Hier klingt das Scherzo eher wie eine Prozession (allerdings keine langweilige). Dafür entschädigt etwas das mit schönen Holzbläserfarben und schönen Cantilenen gesegnete Trio. Sehsuchtsvolle Steigerungen lassen diese Sommernachtstraumidylle hier seltsam doppelbödig wirken.

Für den 3. Satz lässt sich Davis viel Zeit. Sie wird zu einem inbrünstigen Gebet genutzt, das von den wunderbaren Violinen des Orchesters liebevoll ausgestaltet wird. Die sf klingen hier sehr sanft. Im 4. Satz könnte der tatsächliche Unterschied zwischen den Tempi Andante und Allegro vivace wirklich größer sein. Alles wird auch sehr cantabel gespielt. In den Fugati wird das Marcato nur angedeutet. Das unaufgeregte Tempo wirkt hier nun doch etwas zu beschaulich. Hier könnte vielleicht die ganze Gemeide gleich mitsingen. Der Choral am Ende klingt festlich, fast monumental. Dies Burg steht unerschütterlich. Davis verzichtet in seiner ersten Deutung auf jede Verschärfung und Zuspitzung. Er sorgt so für eine „runde Angelegenheit“ für die Hörer, die genug Zeit mitbringen.

Der Klang der Aufnahme ist ziemlich weiträumig, aber nicht hallig, weich, rund und etwas gedeckt. Es fehlt etwas an anspringender Brillanz und Präsenz. Der Klang ist angenehm und gut konsumierbar. Die Dresdner Aufnahme ist dieses Mal in allen Belangen etwas überlegen.

 

4

Andrew Litton

Bergen Philharmonic Orchestra

BIS

2007

11:24  5:42  3:24  8:37  29:07

 

SACD  Littons Einspielung  hebt in erster Linie auf gediegene Brillanz ab. Das Orchester klingt prima, die Gegensätze werden jedoch nicht ausgereizt. Das Stringendo bei K klingt jedoch ziemlich mitreißend. Der Bläsersatz im 2. Satz, erneut sehr homogen und wohlklingend, kann nicht verhindern dass Litton aus dem Scherzo kein Funken schlagen kann. Den 3. Satz lässt er als einen sanftmütigen Klagegesang strömen, noch etwas fülliger im Klang als bei Gardner, der aber die Violinen etwas mehr zum leuchten bringt. Das Rezitativ klingt etwas starr. Der 4. Satz wird zwar dynamisch gut aufgebaut und unter einen Boden gestellt, krank jedoch etwas unter einem zu zurückhaltenden, wenig freudigen Impetus. Das Finale wird feierlich zelebriert.

Der Zugriff wirkt auf uns etwas zu entspannt und schwer. Das wirkt alles grundsolide, wir haben jedoch die Sinfonie schon atmosphärischer uns aussagekräftiger und leidenschaftlicher gehört. Die Dynamischen, artikulatorischen und agogischen Differenzierungsmöglichkeiten werden nicht ausgeschöpft.

Das Klangbild wirkt homogen, fast gedeckt und sehr milde und weich getönt. Es könnte etwas luftiger, brillanter und transparenter sein. Das gilt zumindest für den hier abgehörten CD-Layer.

 

4

Vladimir Ashkenazy

Deutsches Sinfonieorchester Berlin

Decca

1995

11:32  4:48  3:10  9:34  29:14

 

Auch Ashkenazy lässt die einzelnen Töne und Akkorde bei den Bläsern nur anschwellen, verzichtet aber auf das ebenfalls notierte Leiserwerden im beginnenden Andante. Die Durchführung wirkt weniger spannungsvoll als bei Abbado und beim Stringendo weniger zugespitzt. Das LSO spielte  auch selbstverständlicher, lockerer und virtuoser. Das Tempo im 2. Satz wirkt gegenüber Abbado etwas angezogen, dynamisch könnte das Spiel aber kontrastreicher sein. Im 3. Satz verfügen die Violinen nicht über denselben Schmelz wie die Londoner Kollegen. Auch hier wirkt die Dynamik zu einheitlich, die Artikulation  etwas unentschieden. Das Gebet wirkt so wie dahin genuschelt. Im 4. Satz begenet uns Einheitslautstärke. Auch die sf wirken nivelliert. 11 Takte nach H wirken die Staccati der 1. Violinen nur wenig griffig. Von L bis M fällt es Ashkenazy schwer, die Spannung zu halten.  Der Klang der Decca-Aufnahme ist erheblich klarer als bei der von Abbados Einspielung und auch etwas präsenter. Er übertrifft aber die fast 20 Jahre ältere aus dem gleichen Haus unter von Dohnanyi keineswegs.

 

4

EFK

Leon Botstein

American Symphony Orchestra, New York

Eigenlabel des Orchesters

2013, LIVE

11:30  5:19  2:34  1:23  7:52  28:38

 

Der gebürtige Schweizer Leon Botstein und das Orchester, dem er seit 1992 als Chef vorsteht, bieten im 1. Satz eine sauber, dynamisch und klangschön gespielte, großformatige Gestaltung. Durchaus auch kontrasreich und spannend. Das „Dresdner Amen“ ist jeweils zu laut und ohne Geheimnis (kein geheimes Versprechen, keine Verheißung) gespielt und wirkt veräußerlicht. Das Tänzerische im 2. Satz kommt hingegen tempomäßig und auch durch hochklassiges Spiel gut zur Wirkung. Im 3. Satz könnte das Rezitativische des Mittelteils flexibler und nachdrücklicher herausgearbeitet werden, es geht zu geradeaus und zu glatt durch. Die Flötenkadenz wird ein wenig al Fresko und zu hurtig durchgepeitscht. Wir hätten uns diese Passage gefühlvoller gewünscht. Im 4. Satz intoniert Botstein das Andante bereits schnell, als sei die Burg schon zu Beginn des Chorals fest und stabil. Erst mit Eintritt aller Stimmen bildet sich die Festigkeit jedoch erst aus. Tempomäßig gelingt dann keine Steigerung mehr zum Allegro vivace. Das Allegro maestoso wird dann sehr schnell genommen, aber dabei viel zu wenig dynamisch differenziert Ein pp wird hier zum mf.

Insgesamt liegt hier eine Temporeiche Darstellung vor, die aber zu wenig auf die Charaktere der einzelnen Sätze eingeht und dynamisch etwas zu paushal und undifferenziert (pauschal) vorgeht.

Der Klang ist in Breite und Tiefe sehr gut differenzeirt, offen und brillant, zudem sehr transparent und dynamisch.

 

4

Kurt Masur

Gewandhausorchester Leipzig

Teldec

1989

9:56  5:11  2:45  7:31  25:23

 

Kurt Masur hat unserer Kenntnis nach als einziger der Nachfolger Mendelssohns als Gewandhauskapellmeister die 5. Sinfonie nicht nur für den Rundfunk eingespielt, sogar zwei Mal. Die neuere vom Jahr der Wiedervereinigung ist dabei die bessere. Die Dtreicher, insbesondere die Violinen klingen hier deutlich seidiger und frischer als 1972. Aber an aktuellere Aufnahmen mit Blomstedt oder Chailly kommt die Orchesterleistung bei weitem noch nicht heran. Uns kam das Spiel stets leicht flüchtig und immer noch relativ wenig detailliert vor. Dem Blech fehlte es demgegenüber auch etwas an profunder Strahlkraft und der Kampf der Kräfte erscheint lediglich als Sparring in dem es um nichts wirklich Existenzielles geht. Die Bläser rücken gegenüber den Violinen meist ins zweite Glied. Masur übertrifft das Temo seiner älteren Aufnahme, kann aber keinen Spannungsgewinn oder Funken daraus schlagen. Andere konnten den Kopfsatz der Sinfonie schärfer profilieren.

Den 2. Satz hält Masur im natürlichen Fluss. Er gelingt nun mit etwas mehr Esprit. Das Trio erklingt mit noblen Bläserfarben und schön herausgearbeitetem „Flötengezwischer“, das sich nun etwas besser vom Gesamtklang abheben kann. Das Orchesterspiel ist ist nun deutlich lockerer und geschmeidiger als 1972. Im 3. Satz bleibt Masur seiner Linie treu. Für ihn ist er nur ein Lied ohne Worte mit einem fast lieblichen Grundgestus. Er scheut hier das Inständige oder gar Inbrünstige zu intensivieren. Die Gestaltung erschien uns jedoch liebevoller ausgestaltet als noch 27 Jahre zuvor.

Im 4. Satz beginnt die Flöte mit zu viel Vibrato. Das Allegro vivace ist träge und ohne Biss. Das Maestoso stürmt dann ziemlich unmotiviert los. Die Fugati gelingen deutlich transparenter und auch etwas bewegter als noch zuvor. Trotz des objektiv schnellen Tempos kann aber der letzte Satz auch nicht voll überzeugen. Das Spiel wirkt vom Impetus her immer noch recht verhalten und zu routiniert. Die Spielzeit gegenüber seiner älteren Einspielung ist übrigens im 4. Satz auf die Sekunde gleich.

Der Klang der neueren Version ist deutlich luftiger und transparenter, farbiger, sehniger und brillanter als zuvor.

▼ eine weitere Aufnahme desselben Dirigenten folgt weiter unten in der Liste

 

 

 

3-4

Paul Paray

Detroit Symphony Orchestra

Mercury

1958

10:26  5:33  3:39  8:00  27:38

 

Parays Beitrag weist im 1. Satz eine sehr nivellierte Dynamik auf. Ein richtiges p oder gar pp gibt es nicht. So werden auch die Kontraste verschliffen bzw. gänzlich verschenkt. Die Streicher spielen fast historisierend mit sehr wenig Vibrato. Die Balance im Orchester ist zu ihren Gunsten verschoben. Nur wenn die Bläserstimme ganz offen liegt ist sie gut zu hören. Sie spielen meist leichtfüßig aber zumeist auch tendenziell dünn. Den 1. Satz hat man aber schon viel dramatischer und detailreicher gehört. Erst nach dem dritten „Dresdner Amen“ klingen die Violinen einmal richtig weich und auch sehnsuchtsvoll. Erst ab 12.Takte nach O (mit con fuoco) wird der Gestus mitreißender. An die damals in direkter Konkurrenz stehende Living Stereo mit Charles Munch kommt diese Einspielung in keiner Weise heran.

Im 2. Satz erscheint die Aufnahme besser eingepegelt worden zu sein, jedenfalls wirkt sie nun wesentlich dynamischer und die Violinen klingen nicht mehr so kreischend (übersteuert) und weicher. Die Oboe im Trio klingt ausgemergelt, die Celli wissen es aber wieder mit herrlichem Klang wettzumachen. Der Gestus wirkt flexibler und tänzerischer als bei zuvor gehörten Norrington. Im 2. Satz stimmt auch die orchestrale Balance viel besser und es wird mit mehr Anteilnahme musiziert. Der 3. Satz erklingt schlicht und einfach, quasi in aller Bescheidenheit. Den Violinen fehlt es deutlich an Glanz, nicht aber am Ausdruck. Fast hört es sich nach früher historisch informierter Aufführungspraxis an, nur sind hier mehr Pulte besetzt.

Der 4. Satz beginnt mit einem geradlinigen Choral, offen und mit schneidigem Blech intoniert. Das Allegro maestoso, nun geschwind und erneut mit scharf würzendem Blech garniert fällt wieder in die Untugenden des ersten Satzes zurück. Es gibt wieder kein pp oder p, die Violinen klingen wieder sehr angestrengt und rau. Die Celli hingegen bekommen ihr dolce sehr schön hin. Die Hörner mit ihrem indirekten Schalldruck sind hier im Bläsersatz die Verlierer, die Posaunen die Trümpfe. Ausgewogen klingt anders.

Während die Mittelsätze bei Paray noch überzeugen können, erscheinen die Ecksätze weniger gut durchgeformt und teilweise etwas zu grob und hemdsärmelig.

Klanglich sehr präsent rauscht diese Einspielung vernehmlich. Sie könnte bei aller Präsenz jedoch durchaus transparenter sein, was auch an der teilweisen Dominanz der Streicher liegen könnte, die zudem auch noch meist hart klingen. Diese Aufnahme fällt gegenüber der gleichzeitig entstandenen Living Stereo deutlich ab.

 

3-4

Claus Peter Flor

Bamberger Symphoniker

RCA

1990

11:28  5:25  3:11  7:25  27:29

 

Die Polyphonie zu Beginn könnte deutlicher intoniert werden. Akzente werden einer sanften Diktion untergeordnet. Das „Dresdner Amen“ wird jedoch für sich genommen einnehmend gestaltet. Die Dynamik wirkt nicht sonderlich kontrastreich. Meist wird an der ersten Violinstimme entlang musiziert. Die Durchführung wirkt eher harmlos. Das Stringendo 7 T. nach K gelingt ganz gut. Das ff bei L ist wenig durchdringend. Die das Existenzielle berührende Ausdruckskraft eines Bernstein oder Mitropoulos sucht man hier vergebens.

Das zuvor noch etwas entfernt wirkende Orchester rückt im 2. Satz etwas näher an den Hörer heran und klingt nun präsenter, was vor allem für die Bläser gilt. Sie können sich nun mit sonorem und einschmeicheldem Klang profilieren. Auch die Streicher zeigen nun ihr Potential an Cantabilität. Mehr moderato als vivace wird der tänzerische Charakter gerade noch gewahrt, mehr solide als inspiriert.

Der 3. Satz, hier ein schreitendes Andante, leidet ein wenig unter der starren Artikulation. Das könnte sprechender klingen, dynamisch ausdrucksvoller. Ingesamt wird das Potential des Satzes nicht ausgeschöpft.

Zu beginn des 4. Satzes wird das Andante zu einheitlich durchgezogen, der Eindruck eines Al Fresko drängt sich auf. Ein Eindruck, der sich auch im flott genommenen Allego maestoso nicht ändert. Die barocken Elemente, von den Studien an der Musik Bachs, deren Renaissance Mendelssohn ja herbeiführte, sehr bekannt und geläufig, hätten einer transparenteren Behandlung bedurft.

Der Klang  wirkt meist leicht entfernt. Vor allem die Bläser könnten deutlicher aus dem Gesamtklang herauszuhören sein. Das Klangbild ist streicherlastig. Die Klangfarben mehr pastellfarben als kräftig, mehr gedeckt als brillant. Zu Beginn klingt es gar wie wattiert, wie durch und durch weichgezeichnet und daher auch weniger transparent.

 

3-4

Alfred Scholz

London Symphony Orchestra

Pilz, VMS, Digital Concerto, Elap, Aurophon, Classical Gold, Onyx, Selected Sound, Rondo Classic

Als P Angaben von 1988 bis 1994

11:02  5:21  3:15  8:35  28:27

 

Der Dirigent und Produzent Alfred Scholz, der von sich behauptete Schüler von Hans Swarowsky gewesen zu sein und eigene Aufnahmen auch gerne unter Pseudonymen herausgegeben (z.B. Alberto Lizzio) und Aufnahmen anderer Dirigenten mit Fantasienamen versehen hat, wurde auch in Sachen Mendelssohn tätig. Eine stattliche Anzahl Labels veröffentlichten die Einspielung der 5. Sinfonie Mendelssohn, zumeist zusammen mit der Italienischen aber auch in anderen Zusammenstellungen. Ein Aufnahmejahr konnte auf keiner entdeckt werden. Da wir dem seltsamen Geschäftsgebaren hier nicht auf den Grund gehen wollen, wenden wir uns lieber dem Musikalischen zu. Wenn Herr Scholz auch gerne denselben Lehrer wie Abbado, Mehta, Gelmetti, Jansons, Sinopoli oder Ivan Fischer gehabt hätte oder tatsächlich hatte, kann er doch nicht ganz mit deren dirigentischen Fähigkeiten mithalten, zumindest was diese Sinfonie anlangt. Das Musizieren an der 1. Violinstimme entlang ist ohrenfälliger als üblich. Der „Sound“ des LSO, eines der besten Orchester weltweit, ist zwar solide aber erheblich schlanker und braver als der das New Philharmonia beim gerade zuvor gehörten Sawallisch. Von furioso findet man bei Scholz keine Spur. Das Spiel ist weder kontrastreich, noch besonders zugespitzt (z.B. beim stringendo). Lasch ist es aber auch nicht und den Eindruck einer soliden Leistung gewinnt man schon, zumal sich das Orchester nicht unmotiviert anhört. „Bäume“ reißt es aber nicht gerade aus. Bei Abbado klang es jedoch erheblich finessierter. Gegen Ende des 1, Satzes kommt es sogar noch richtig in Fahrt, ohne aber in tiefere Ausdrucksregionen vorzustoßen. Im 3. Satz könnte etwas genauer artikuliert werden, ein Unterschied zwischen dolce in den Außenteilen und dem Rezitativ in der Mitte ist nicht zu erkennen. Die Flöte hätte etwa gebändigt werden müssen. Auch im 4. Satz beginnt sie mit zu viel Vibrato. Das Allegro vivace ist lahm, die Pauke wird mit mahnender Wucht geschlagen, wobei uns die Funktion dieser Maßnahme an dieser Stelle nicht klar wurde. Im Allegro maestoso, das in schlanker Tongebung erklingt, hören wir recht deutliche Fugati, die sich hier mehr nach Mozart als nach Bach oder Mendelssohn anhören. Die Basslinie könnte deutlicher sein. Die dynamischen Gegensätze klingen halbherzig. Der Klang der Aufnahme ist recht präsent und ziemlich transparent. Die Klangfarben sind in Ordnung. Insgesamt nur eine Durchschnittsproduktion.

 

3-4

Mario Bernardi

Calgary Symphony Orchestra

CBC Records

1992

11:32  6:43  3:40  8:58  30:53

 

Diese Einspielung auch Kanada wurde mit größerer Sorgfalt produziert. Wir hören hier ein sonores, sehr gut differenziertes Klangbild, plastisch und recht klangfarbenstark. Das Orchester macht einen guten Eindruck. Die diffizile Dynamik besonders im Andante des 1. Satzes wird jedoch etwas eingeebnet, insbesondere die sf erscheinen sehr zahm. Gegenüber dem gerade danach gehörten Bernstein fehlt der dramatische Zugriff überdeutlich.  Stringendo und con fuoco lassen viel Spielraum nach oben, wenngleich sie auch noch nicht lasch wirken.

Der 2. Satz wirkt noch tänzerisch aber beschaulich, zu wenig vivace. Im 3. Satz wäre das richtige Tempo gewählt worden, die Diktion ist jedoch zu gleichförmig, um das „Alleinsein“ in der Situation eines Gebetes zu zeigen. Der nur ganz leicht spröde Klang der 1. Violinen könnte noch ein klein wenig ausdrucksvoller klingen.

Im 4. Satz wirkt der Zugriff teilweise zu unbeteiligt und betulich. Der dramatische Zugriff fehlt fast gänzlich. Kaum wird einmal eines der zahlreichen sf zu Gehör gebracht.

 

3-4

Reinhard Seifried

National Symphony Orchestra of Ireland

Naxos

1994

12:40  6:50  4:52  8:43  33:05

 

Auch Seifrieds Einspielung kann eine gewisse Nähe zur Karajan-Version nicht leugnen. Allerdings lässt er die Schwelltöne innerhalb eines fast auratischen, extrem getragenen Andantes sehr deutlich hören. Fast hat man den Eindruck, er möchte sein Vorbild noch übertreffen, indem er das „Dresdner Amen“ im Nichts verschwinden lässt. Eine Fata Morgana?  Die schnellen Streicherpassagen gelingen (nicht zuletzt wegen des Halls in der Aufnahme) nur undeutlich und verschwommen. Die Legato-Kultur der Berliner lässt sich nicht ohne weiteres kopieren. Das con fuoco ist sehr weit vom Siedepunkt entfernt, die sf eher sanft und weich. Der Kampf wirkt, als würden die Kontrahenten gar nicht erst richtig von der Leine gelassen. Da fehlt einfach die „Pranke“, also ein Schuss Aggressivität oder ein mitreißender Zug im Spiel.

Der 2. Satz klingt viel zu gemütlich. Das ist kein Allegro und auch kein vivace. Auch hier wird wohl versucht, das Tempo und auch den Gestus Karajans nachzuahmen, aber das Resultat ist doch unterschiedlich. Bei Seifried wirkt es lange nicht so detailverliebt und stilvoll. Dem Orchester fehlen die genialen Solisten der Berliner, die den Gestus erst plausibel und lebendig werden lassen. Die Iren geben sich hörbar alle Mühe und spielen auch schön, es fehlt jedoch das gewisse Etwas.

Das Gebet im 3. Satz (sehr langsam), auch auf Karajans Pfaden wandelnd, gerät zu einer eher meditativen Angelegenheit und wirkte auf uns fast schon weinerlich. Davon war Karajans Drama weit entfernt.

Der 4. Satz beginnt allzu getragen, dem maestoso wird die hallige Aufnahme fast zum Verhängnis. Sie verschleiert die Konturen nachhaltig, noch nicht ganz, wenn nur die Streicher und das Holz gemeinsam agieren, sondern wenn zudem auch noch das Blech einsetzt. Seifried kann hier auch kaum Spannung aufbauen. Er pendelt zwischen aufdringlichem Auftrumpfen und blassem frömmeln. Trotz des eigentlich passenden Tempos fehlt es an Biss. Man vermisst auch den großen Bogen und den energischen Zug. Das Beste an dieser Einspielung ist das Andante im 1. Satz, dem der Dirigent eigenständiges Profil verleiht.

Der Klang ist nur im Andante des 3. Satzes angenehm gerundet und zu Beginn des 1. Satzes noch transparent. Bei höheren Lautstärken wirkt er  jedoch zu hallig und verunklart die Strukturen.

 

 

 

3

Kurt Masur

Gewandhausorchester Leipzig

RCA

1972

10:22  5:03  2:32  7:31  25:28

 

Die Balance innerhalb des Orchesters ist zuungunsten der Bläser verschoben, besonders das Holz zieht dabei den Kürzeren. Die Violinen dominieren den Gesamtklang über Gebühr, noch mehr als in der späteren Einspielung.  Das nimmt dem Satz viel seines Profils. Obwohl Masur eines der schnellsten Tempi überhaupt vorgibt, fehlt es entschieden an Intensität. Auch scheint die Homogenität und das Zusammenspiel mitunter gefährdet, was dem Spiel einen oberflächlich und gehetzt wirkenden Gestus verleiht. Masurs Konzept geht unserer Ansicht nach nicht auf. Man hat den Satz schon viel besser gespielt, tiefer empfunden und inspirierter gehört.

Der 2. Satz gelingt demgegenüber etwas besser, wobei auch er flexibler und detailreicher gestaltet werden könnte. Zu gerade und ohne Spielwitz wird er durchgespielt. Im 3. Satz spielen die 1. Violinen in einem schnellen, relativ ungerührten Tempo ihre Stimme, ohne gestische Intensivierung. Das Rezitativ gelingt etwas eindringlicher. Alles wirkt „sehr“ einfach, uninspiriert und nur den Noten folgend.

Im Andante con moto des 4. Satzes liegt ein zu homogenes Klangbild vor, das zu wenig von der Faktur der Komposition erkennen lässt. Die einzelnen Stimmen laufen in einem gemeinsamen Strom, ohne etwas von ihrer Individualität preiszugeben. Das Allegro vivace wirkt träge, ohne jede Zuspitzung und nicht als Übergang zum Allegro maestoso, das so unmotiviert und wie von der Tarantel gestochen losspurtet. Das erste Fugato könnte differenzierter gegeben werden, da dominiert der etwas zu hektische Gestus. Dass das Orchester auch damals schon gute Musiker hatte und schön spielen konnte, zeigen vor allem die Celli. Das zweite Fugato wirkt wie hingenudelt, wie auch der anschließende Entwicklungsverlauf. Fast hat es den Eindruck, dass sich Masur noch schnell für den 100 m-Lauf der im Jahr der Aufnahme stattfindenden Olympiade in München qualifizieren wollte. Es fehlt schmerzlich an  liebevoller Detailmodellierung bei Dynamik und Artikulation, es dominiert ein uninspiriertes Al Fresko. Wenn Masur, sollte der Musikfreund zu seiner neueren Teldec-Produktion greifen.

Auch vom Klang her kann diesmal keine Wunderaufnahme vom VEB-Schallplattenkombinat vermeldet werden. Es fehlt an räumlicher Tiefe, Transparenz und Brillanz.

Die Einspielung vermittelt leider nur eine enttäuschende Begegnung mit Mendelssohns damaligem Statthalter in Leipzig.

 

3

Gaetano Delogu

Tschechische Philharmonie, Prag

Supraphon

1977

11:07  5:24  3:21  8:14  28:06

 

Delogus Einspielung wird von ihrem Klang korrumpiert. Es fehlt ihm an natürlicher Rundung und er wirkt nicht sonderlich transparent. Der Klang wirkt über weite Strecken, obwohl die Quelle eine CD war, als sei der Abtaster einer Schallplatte übermäßig mit Staub kontaminiert. Die Tendenz zur Härte und Schärfe trifft vor allem die Violinen. Der Gesamteindruck wirkt matt, eigentlich für eine so späte Analog-Aufnahme desaströs. Die uns wohlbekannte hohe Qualität des tschechischen Vorzeigeorchesters ist, wenn überhaupt, nur ganz rudimentär zu erkennen.

Musikalisch hat die Einspielung einiges mehr zu bieten. Delogu lässt den Kopfsatz ähnlich Toscanini intonieren. Schroffe Akzente in der Einleitung, zupackendes, anspringendes Temperament in der stürmischen Durchführung. im 2. Satz, tänzerisch und rhythmisch prononciert, klebt der Klang förmlich an den Instrumenten fest, es kommt zu keinem Gesamtklang. Das Orchester spielt engagiert, mitunter gar zugespitzt. Der Klang aber wirkt so extrem ausgezehrt, dass der Hörer unwillkürlich auf Distanz geht. Auch im 3. Satz fehlt dem Orchester jeglicher Glanz. Die Violinen spielen hier ohne jede Emphase. Hier könnte ausdrucksvoller und detailreicher phrasiert werden. Die trefflicheTemponahme hätte dies ermöglicht. Auch im 4. Satz gefällt die Tempogestaltung. Die Fugati könnten aber deutlicher sein. Eigentlich liegt hier eine im Großen und Ganzen recht stimmige Einspielung vor, die durch die desolate Überspielung fast unanhörbar gemacht wird. Delogu lässt es aber auch an feiner Detailaushörung fehlen.

 

 

10.6.2021